Kill Bill Vol 1

martes 16 octubre 2018

Kill Bill Vol 1 (2003)

Director: Quentin Tarantino
Interpretes: Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen

Han pasado ya seis años desde que Quentin Tarantino dirigiera su última película, aquella magnífica “Jackie Brown”, que, a pesar de su indudable calidad, supuso para muchos un cierto paso atrás en la carrera del director estadounidense.
Tarantino a menudo es visto como un coleccionista mas que como un verdadero director, sus películas están construidas siempre con cientos de elementos de muy diversa indole y hay quien le acusa de apropiarse de logros ajenos, pero Tarantino es bastante mas que eso, es ante todo un gran cinéfilo que usa sus conocimientos para montar historias que suelen resultar deslumbrantes.
Dicho todo esto, he de decir que Kill Bill Vol 1 no deslumbra, sorprende, entretiene y divierte, pero no deslumbra, luego veremos por que.
La película fue concebida para ser un volumen único, pero finalmente la excesiva duración hizo que se dividiese en dos volumenes, que se estrenarán casi consecutivamente.
La historia es simple, Uma Thurman es “La novia”, una asesina a sueldo que trabajaba para Bill (David Carradine) hasta que decide dejarlo y casarse, en el día de su boda, Bill y otros matones se presentan en la ceremonia y asesinan a todos, la novia tambien es dada por muerta pero milagrosamente sobrevive aunque pasa cuatro años en coma postrada en un hospital.
Al despertar, una única idea acude a su cabeza: venganza, primero sobre los esbirros que ejecutaron la matanza y luego sobre el propio Bill.
Sobre esta simple trama Tarantino monta una película ultra violenta, teñida permanentemente de sangre y repleta de todo tipo de combates cuerpo a cuerpo, aquí la referencia mas clara son las películas de artes marciales de los años 70, con una Uma Thurman que luce un mono idéntico al que vistió Bruce Lee en algunas de sus películas y con una estética muy inspirada en aquellas películas y telefilms made in Hong Kong, la estética de las películas de samurais de Toshiro Mifune tambien esta presente en forma del codigo de honor samurai y toda la parafernalia que lo rodea, tambien hay algo de manga, la biografía de O-Ren Ishii (Lucy Liu) contada en forma de comic ultraviolento.
Todos estos ingredientes en manos inexpertas hubiesen dado como resultado un bodrio realmente infumable, pero Tarantino se las apaña para conjuntar todos los elementos y mostrarnos un film coherente y por momentos brillante, siempre que el espectador acepte y asuma unas determinadas reglas, no es una película verosimil ni pretende serlo.
El film destaca sobre todo en el aspecto visual, dejando un poco de lado los típicos dialogos ácidos tan característicos, con escenas realmente impactantes como el combate en Tokio contra los yakuzas de O-Ren Ishii tratado casi como una coreografía, jugando con el contraste entre el color y el blanco y negro y alterando escenarios para adornar unas secuencias ciertamente magníficas.
La música es, como siempre en los films de Quentin Tarantino, un capítulo aparte, el director, con la vista puesta siempre en el rock de los 40, 50 y 60 elige temas que se integren con la historia que pretende contar, en esta ocasion hay temas de Bernard Hermann, (“Twisted nerve”), Issac Hayes (“Run Fay Fun”), RZA o Charlie Feathers conformando una hamalgama de sonoridades que van desde el funk setentero al flamenco pasando por musica tradicional japonesa. Destaca sobre todo el tema que abre el disco: “Bang, Bang (My Baby Shot me down)” de la inigualable Nancy Sinatra.
Ahora la nota negativa de la que hablabamos antes: la película es en algunos momentos aburrida, o al menos no tan dinámica como cabría esperar, en ocasiones se detiene en exceso en detalles superficiales y esto acaba por afectar a la película, momentos como el entrenamiento con la katana se hacen demasiado tediosos, da la sensación de que, resumiendo un poco, todo podría haber entrado en una sola cinta sin perder nada de intensidad.
A pesar de esto último, Kill Bill Vol1 es una película muy interesante de un director al que se empezaba a echar de menos, una historia valiente, polémica y arriesgada que vuelve a situar a Quentin Tarantino entre los grandes del cine moderno. Veremos lo que nos ofrece el volumen 2.

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Junior Wells – Hoodoo Man Blues

lunes 15 octubre 2018

Junior Wells
Hoodoo man blues
Delmark 1965

Junior Wells nació cerca de Memphis en 1934 y murió en 1998. Sale en Blues Brothers 2000. Junto con Little Walter, Junior Parker y otros, es uno de los maestros de la moderna armónica de blues y una de las mejores voces del blues grabado, con un estilo fuerte y único. Seco, viril, grave, amplio y profundo. Representa el blues moderno de Chicago a la perfección: Hoodoo man blues es el abc del estilo para todo el que quiera saber de qué iba el tema. Su primer largo como solista. Aprendió de Junior Parker y comenzó en serio con los hermanos Myers en los míticos Aces, cuando el combo fue completado con Fred Below, batería de jazz reconvertido al blues, maestro de los tambores presente en cientos de grabaciones. Entró en la banda de Muddy Waters cuando Little Walter, a raíz de su primer éxito, Juke, dejó la formación en 1952, para dirigir a los Aces, cuarteto con dos guitarristas, sin bajo. Waters poseía la que es considerada banda paradigmática del blues de Chicago, escuela de futuras figuras, similar a las formaciones de Miles Davis. En ella se forjó Wells hasta llegar a publicar su música. Previamente a este disco, grabó, entre otros, con el primo de John Lee Hooker, Earl Hooker, pionero del wah wah y de la experimentación guitarrística. Con él registró uno de sus temas más populares, Messin´ with the kid. Hoodoo man blues está considerado como uno de los mejores discos de blues de todos los tiempos. Además de tirar por tierra numerosos tópicos y no abrumar en momento alguno con virguerías, de las que eran muy capaces, ofrecen un conjunto de canciones en las que destaca el sonido, excelente y fiel al directo. Presenta la actitud del estilo en su justo punto, ni más ni menos. Lo más característico es lo comedido de la interpretación: nunca llega a explotar del todo, sino que hay un control total y genuino sobre el flujo sonoro. Cada elemento suena en su momento y no se prolonga más allá. Alcanza la cresta y vuelve al caudal, multiplicando su fuerza y poder expresivo. 100% actitud. Abre el vinilo Snatch it back and hold it y no deja lugar a dudas, con continuos cortes vocales y de armónica apoyando el ritmo, llevando al conjunto. Wells pertenece a otra generación diferente a la de Waters o Walter, el rhythm´n´blues y el funk primigenio ya estaban ahí, por lo que en el disco la variedad de palos es amplia, pero en un primitivo y conciso formato, sin florituras ni sobrearreglos. El cuarteto, completado por Buddy Guy, Jack Myers y Billy Warren toca exactamente lo justo en torno siempre a la voz. Los temas son, además de Wells y Guy, de Leiber&Stoller (impresionante Hound Dog acelerado, en modo menor), Sonny Boy II ( posiblemente el Good morning school más hot grabado) y otros como Kenny Burrell (Chitlins con carne, instrumental de rhythm´n´blues latino que junto a We´re ready demuestran la versatilidad y empaste de la banda). El disco se completa con algún blues lento en menor compensando la furia del resto. In the wee smalls hours of the morning es un semiinstrumental donde la melancolía amplía el campo emocional de la obra. You don´t love me baby tiene en este disco una de sus mejores versiones también, así como Hey lawdy mama, donde la guitarra y la armónica se complementan a la perfección, con frases percusivas de respuesta de Guy sobre el bajo de Myers, que en casi todo el disco toca más notas de las habituales en el estilo, sin cansar, un poco por herencia de los Aces: se sale del canon para redefinirlo como pocas veces ocurre. Exquisito el trabajo de Guy a la guitarra, tocando prácticamente ritmo puro, de acuerdo con la tónica del disco, en la que no sobresale ninguno de los cuatro sobre el resto, trabajando las frases cortas, la repetición de motivos simples, los riffs y el ataque del conjunto sobre las partes fuertes. Los acentos rítmicos determinan el carácter de los temas. La armónica de Wells es oro puro, dominando los graves y las frases contenidas, cortantes, con un flujo sonoro casi tangible. Blues puro y duro.

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Publicado por teresa / Archivado en:Discos
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This Is Spinal Tap

domingo 14 octubre 2018

This Is Spinal Tap (1984)

Director: Rob Reiner
Interpretes: Rob Reiner, Michael McKean, Christopher Guest

Si has estado en alguna banda no puedes dejar de ver esta película, la verdadera biblia del músico y del pipa. “Spinal Tap” es un rockumental acerca de las vicisitudes de una banda inglesa, Spinal Tap, durante su postrera gira por los U.S. de A. Nada mas empezar te llevas la grata sorpresa de que es un film americano protagonizado por los actores de “Saturday Night Live” de la era dorada, el famoso show de la NBC de donde han salido cómicos como Chevy Chase, Dan Ackroyd, Billy Crystal y demas. Los protagonistas de la película, Michael McKean, Christopher Guest y Harry Shearer no son tan famosos pero son mas que conocidos, raro es el dia en que no aparezcan en cualquier serie o película siestera de algun canal, y lo cuadran.
La cinta se enfoca en forma de falso documental, pero los actores son tan buenos que le hacen dudar a uno más de una vez sobre si Spinal Tap no existe de verdad. En realidad la banda, despues del exito de la película, se mantuvo e hizo alguna gala que otra gracias a las cualidades musicales de los protagonistas, verdaderos interpretes de las seis cuerdas y autores de las canciones. Los temas musicales se adaptan perfectamente a la temática de la película, las ejecuciones son perfectas y solo en las letras se ve que son composiciones cómicas que se burlan de canciones de grupos “hair metal” del momento. Entre los baterias del mundo la posición más peligrosa es sin duda estar detras del kit de esta banda, ninguno dura mas que unos pocos conciertos. Sirva como ejemplo hace que unos años pusieron un anuncio en una revista buscando batería, el texto era escueto y decía: “Batería muerto, se busca uno nuevo”.
Durante esta gira la banda se enfrenta a todo lo que puede ir mal, la gente no les conoce, se pierden de camino al escenario, situaciones a lo Yoko Ono, ser teloneros de los Teleñecos, baterias que perecen por combustión expontanea, etc. Ademas se burla de todos los artificios e invenciones de las bandas de rock como el maquillaje, guitarras estrambóticas (un bajo de dos mastiles, por dios), escenarios ridiculos, el spandex.
Al final es como juntar lo peor de KISS, Jefferson Airplane, Black Sabbath y otras bandas míticas. No he parado de reirme, y lo hubiera hecho más de no ser por la falta de subtítulos, y porque los protagonistas imitan a la perfección el acento ingles y las expresiones de ese pais. Por si fuera poco las canciones se dejan oir y los actores ponen los dedos en los trastes correctos.
Para el que quiera saber más de este grupo, Spinal Tap.

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The Soft Boys – “Vibraciones Positivas”

viernes 12 octubre 2018

El lider de los “Chicos Blandos”, Robyn Hitchcock (Robyn Rowan Hitchcock), nació el 3 marzo de 1953 en Londres (West London). Su padre, dibujante de comics, pintor, humorista, escritor de historias fantásticas y poco convencionales, marcó decisivamente su manera tan peculiar de ver el mundo y de plasmarlo en sus canciones y demás proyectos artísticos. Pasó la infancia en un internado masculino (“te estropean la mente y luego te dejan salir para que dirijas el país”). Atraído por la música rock desde joven sus influencias quedaron marcadas por nombres clásicos, desde Elvis y el rock’n’roll de los ’50 hasta Phil Spector, Bob Dylan, Beatles (“solíamos ir a casa de Robyn para aprendernos álbumes enteros de los Beatles” -Andy Metcalfe-), Beach Boys, The Byrds, Syd Barret en sus inicios con Pink Floyd, la Velvet Underground o Captain Beefheart. Para cuando empezó a escribir canciones propias a principios de los ´70 podrían enmarcarse dentro del pop psicodélico, pero con múltiples influencias sin estilo todavía definido. A finales de 1974 decidió trasladarse a Cambridge, tras haber abandonado la academia de arte, con la intención de formar una banda. Pronto empezó a tocar los fines de semana en el Portland Arms Folk Club, donde conoció a Rob Lamb y el nuevo grupo que éste estaba formando, los Dennis & The Experts, con Rob Lamb a las guitarra, Andy Metcalfe al bajo y Morris Windsor a la batería. Acostumbrado Rob a tomar la música de modo trascendente y a interpretar piezas que consideraba de mayor envergadura por aquella época (Steely Dan, Little Feat…), vio a Robyn como a una persona caprichosa y su música demasiado excéntrica, decidiendo abandonar la formación. El resto de componentes permanecieron juntos entendiéndose cada vez mejor. Como Robyn todavía era poco diestro con el instrumento decidieron en 1977 añadir un guitarra solista: Alan Davies, también amigo de Morris. En la primera actuación con el nuevo guitarrista Robyn dijo al público que cambiaban de nombre, acababa de componer la canción “Give It To The Soft Boys” y le pareció buena idea (aunque luego se arrepentiría) anunciar que a partir de ese momento pasaban a llamarse “The Soft Boys”. Su repertorio se componía de versiones de Elvis, los Who, The Band, David Bowiemezcladas con algunas composiciones propias de Robyn, donde ya quedaban definidas las temáticas peculiares de sus canciones, la muerte, el amor y el sexo, desde un punto de vista psicótico y un marcado sentido de lo absurdo con importantes dosis de humor y cinismo. Con esta formación grabaron una maqueta en casa de Hitchcock, de la que surgió el 1º EP “Give It To The Soft Boys” (Raw Records, 1977).
Hay que recordar que por esas fechas un nuevo movimiento musical (y social) acababa de surgir en Inglaterra, y todos los medios de comunicación se hacían eco de ello, el punk. Si bien en un principio estaban de acuerdo con las ideas que este movimiento defendía, el ir en contra de la música ampulosa y determinado tipo de rock progresivo, pronto se desmarcaron del camino por el que esta supuesta revolución transitaba (“nosotros no podíamos desechar lo que habíamos aprendido y pretender de pronto que sólo conocíamos un único acorde… Supongo que se podría decir que, musicalmente, los Soft Boys fueron como una especie de reacción frente a todo lo que ocurría a nuestro alrededor en esa época”). A nivel local tuvieron gran éxito, los continuos ensayos ayudaron a que evolucionaran musicalmente (“siempre he concebido el trabajo como una aproximación a lo Captain Beefheart, en la que hay dos guitarras tocando dos cosas totalmente diferentes, y no una guitarra única y un ritmo”). Decidieron cambiar a Alan Davies por otro guitarrista que les parecía mucho más completo y especial, Kimberley Rew (formaba parte del otro grupo famoso por aquella época en Cambridge, los Waves). El sello Radar Records les firmó contrato para grabar un disco. Registraron suficientes temas para un Lp, pero tan sólo les editaron un single, “(I Want To Be An) Anglepoise Lamp” (“Nosotros pensábamos que la mejor canción de esa sesión era ‘Where Are The Prawns?’, pero ellos editaron lo que, según su opinión, sonaba más parecido a lo que escuchaba la gente entonces, y no lo que nosotros hacíamos bien. Ese es un problema que nos ha perseguido a través de los años…”). Finalmente se grabó el Lp aunque Radar nunca lo editó (“el legendario álbum perdido”).
En vista de la mala experiencia por ambas partes decidieron finalizar el contrato y grabar de nuevo por su cuenta y a su manera todas las canciones que tenían preparadas sin importarle que gustaran o no a los demás, convirtiéndose en el 1º LP oficial de la banda, “A Can Of Bees”, que publicó el sello independiente Two Crabs en 1979. Una mezcla magistral de guitarras del pasado y sonidos punk que debido al rechazo que sentían por este movimiento las acabaron pasando por su propio filtro, con claras influencias de las voces de The Incredible String Band, de las guitarras de Captain Beefheart y de la aceleración de los Vibrators.
Ese mismo año, durante la grabación del siguiente disco, el bajista Andy Metcalfe abandonó el grupo, siendo sustituído por Matthew Seligman (quien ya había tocado en el primer concierto de Hitchcock como Dennis and The Experts y con Alex Chilton and The Local Heroes). Su incorporación influyó para que los nuevos temas fueran más “poppys”. El disco estuvo varios años sin publicarse, hasta 1983 que fue editado como “Invisible Hits”, cuando la formación ya estaba disuelta. En 1980, antes de decidir su separación, grabaron el trabajo que se convertitiría en uno de los mejores discos de guitarras de los ’80, el “Underwater Moonlight” (“…me acuerdo que estaba sentado con Matthew y él dijo: Mira, hagamos que este álbum sea genial. El mundo puede acabarse, pero al menos sabremos que lo hemos hecho”… “…nuestro ego no estaba en muy buena posición, pero de lo que si me acuerdo es que inmediatamente después de haber grabado ‘Kingdom Of Love’ pensé: ¡Dios, puede que yo termine en el infierno, pero esto es genial!”… “Hicimos ese disco por menos de 600 libras. El productor Pat Collier hizo un trato con alguien para que pudiésemos grabarlo… La mayoría se hizo con un 8 pistas, y uno debe recordar que era la época de Steve Lillywhite y todo eso…”).
Nunca tuvieron grandes ventas en Inglaterra, mejor vistos en Estados Unidos dieron varios conciertos en Nueva York, pero ante la falta de resultados claros para poder vivir de la música decidieron que la separación como banda y búsqueda de nuevos proyectos era la mejor salida (“puede que hubiésemos tenido algún futuro en los Estados Unidos, pero la sensación que teníamos era que no íbamos a llegar a ninguna parte”).
Llegando a ser considerado como “el padre del revival psicodélico”, Robyn Hitchcok siguió su propio camino, con una carrera más o menos estable pero siempre con obras de calidad, sacó varios discos en solitario o con los Egyptians, participó en múltiples proyectos y actuaciones, entre ellos junto a REM (Peter Buck comentó muchas veces que los Soft Boys les influyeron más que los Byrds), Billy Bragg, Grant Lee Phillips o Jonathan Demme en la grabación de la película musical “Storefront Hitchcock”. Ya en 2001 solicitaron su colaboración para la reedición del clásico “Underwater Moonlight” (Matador), con motivo del 21 aniversario de la edición original, encantado con la idea decidieron añadir 26 tomas inéditas y lo sacaron como doble CD. Robyn habló con Kimberley Rew, Matthew Seligman y Morris Windsor y decidieron sacar a flote The Soft Boys para realizar una minigira. Ante la buena acogida, el siguiente paso fue publicar un disco con temas nuevos: “Nextdoorland” (Matador 2002), con esculturas en la portada de su hermana Lal Hitchcock, al igual que en “Underwater Moonlight”, convirtiéndose también en lo musical en una digna continuación de este. Sin abandonar en ningún momento sus proyectos personales Robyn sigue el viaje en su particular “tren de largo recorrido”: “Lo que yo pretendo es algo largo e inevitable y todavía no he finalizado. Es como un tren muy largo, no puedes ver ni donde empieza ni donde acaba. Es como algo interminable que va atravesando la estación. Un día se parará, alguien saldrá y lo explicará todo”.

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Beatles para siempre: Segunda Parte

jueves 11 octubre 2018

Viene de la Primera parte
Autor original: Agustín Sánchez Vidal
Publicado en Muy Interesante, número 77. Octubre 1987
www.muyinteresante.es

Comentarios al texto (en negrita) por Leo.

DEBAJO: Cuatro descuidados rockers, convertidos en buenos muchachos. Brian Epstein fue el responsable de la primera imagen del grupo.

Será Epstein quien les consiga una sesión con George Martin, productor de una filial de EMI especializado en grabar a humoristas como Peter Sellers, con fama de arriesgarse con gente nueva. Es así como el 11 de Septiembre de 1962 tiene lugar la grabación de Love me do. En una sesión previa a Martin no le había gustado como tocaba Pete Best, y había sido sustituido por Ringo (quien, para evitar riesgos, cedido a su vez la batería a un profesional en Love me do). El single se coloca entre los veinte superventas. Los Beatles eran ya una celebridad local.

Todo esto nos hace pensar, una vez más, respecto a la cortedad de miras de muchos mandamases a la hora de “destapar genios”; sobre todo en el terreno cultural y, más concretamente, en el musical. Fijémonos en que los Beatles lograron grabar su primer single casi de rebote, teniendo que recurrir para ello a un sello menor y a un productor de segunda fila. Casi nadie fue capaz de ver del diamante en bruto que podía tener entre manos, como por ejemplo los responsables de otras discográficas de mayor categoría que les rechazaron, tal que Decca. Aquellos tipos podrían figurar de forma aventajada entre los más idiotas que jamás hayan pisado este mundo y varios adyacentes.

Estamos en 1963. Please, please me logra el milagro de llevarlos al número uno nacional, graban su primer LP y convierten el estribillo de She loves you en el grito de guerra de toda una generación, un yeah-yeah que dará nombre provisional a este renacer del rock: la música ye-ye. John, que se ha casado el año anterior de penalti con su novia, Cynthia, (matrimonio que fue silenciado temporalmente para no “decepcionar” a las fans y así mantener intacto el tirón popular del músico y de su banda) tiene un hijo al que pone Julian de nombre, en memoria de su madre. Una gira por todo el país y galas con lo más selecto de la sociedad británica ponen punto final a su reconocimiento nacional. El siguiente paso será Estados Unidos.

El single I want to hold your hand allanó el camino y en Febrero de 1964 miles de fans aullaban en el aeropuerto Kennedy ante unos Beatles que traían calentito, recién salido del horno, su segundo álbum. Los yankis no lo sabían, pero el cuarteto de Liverpool estaba reconciliándose con sus propias raíces musicales. Como diría más tarde Lennon, “cuando llegamos a EE.UU. y nos encontramos con que nadie escuchaba rock and roll ni música negra, sentí que veníamos al origen, pero que nadie quería enterarse de ello”.

Ese año de 1964 supuso, también, el triunfo en otros frentes, sobre todo en el cine, de la mano de Richard Lester, un director del floreciente free cinema inglés. En A hard day´s night captaba de un modo casi documental la vida enloquecida de los cuatro Beatles, con insertos muy innovadores en los números musicales que dejan entrever lo que serán los futuros videoclips. Al año siguiente Help! desarrollará esos componentes, mostrándolos como una especie de Hermanos Marx del pop. Hoy día A hard day´s night es un clásico indiscutible del cine contemporaneo

Además, John publica dos libros, John Lennon in his own write y A Spaniard in the work. Todo el mundo se queda sorprendido: el libro es más que aceptable, muestra que hay rockeros que tienen algo más que serrín en la cabeza y que Lennon dibuja y escribe estupendamente. Se le concede el premio Foyle y esta mítica librería londinense da una recepción en su honor. Y no sólo eso: John Lennon in his own write vende 300.000 ejemplares en Inglaterra. En EE.UU. también es un best seller. El rock empieza a gozar de respetabilidad social. El productor de sus películas, Walter Shenson, ha evocado a John Lennon en un banquete en el Festival de Cannes, y aquel luce la mejor de sus sonrisas para la galería mientras por lo bajo le susurra: “Walter, dime si el jodido tenedor que estoy cogiendo es el adecuado para este plato”.

Los conciertos de los Beatles arrebataban al público. En las raras grabaciones que los registran, las canciones apenas son audibles entre el griterío de la audiencia. En la foto, actuación de la banda en Las Vegas, en 1964. Al año siguiente visitaron Madrid y Barcelona y en el verano de 1966 se retiraron de los escenarios. Su música se había vuelto demasiado compleja para ejecutar en vivo.

Con motivo del 30 aniversario de la visita de los Beatles a España Televisión Española editó un magnífico documental titulado ¡Que vienen los Beatles!, en el que se cuenta con todo detalle aquella visita relámpago saboteada de forma más o menos sutil por la dictadura franquista, que veía en aquellos “melenudos” a cuatro peligrosos agitadores de la juventud que para nada convenían a los intereses del régimen. Si podéis echarle el lazo no perdáis la oportunidad, que está muy bien.

IR A LA TERCERA PARTE.

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