Slayer – Reign In Blood

Jueves 14 septiembre 2017

Slayer
Reign In Blood
American 1986

Reign_In_BloodCampos de exterminio nacis, mutilaciones, trepanaciones, satanismo, mucha, pero mucha velocidad y mucha, pero que mucha mala leche es lo que este “Reign In Blood” escupe en la cara del oyente. Sinceramente, recomiendo pasar primero por Metallica o Sepultura (parecen a su lado Spandau Ballet) para acomodar el cerebro a esta autentica catarsis de odio que es por derecho propio uno de los pilares del metal moderno.
Publicado en 1986, la salida del quinto disco de estudio de Slayer supuso una autentica bofetada de aire fétido en el a menudo inmovilista mundo del heavy metal. Tras aquellos primeros discos que anticipaban el caos, Rick Rubin cogió aquí las riendas de la producción para conseguir, según sus palabras, que se escuchasen todos los instrumentos dentro de aquel gigantesco muro de sonido. El conjunto quedo comprimido en apenas media hora, 30 minutos que servirían perfectamente para lobotomizar al bacala mas recalcitrante.
Tom Araya y los suyos, con especial mención al INCREIBLE batería Dave Lombardo, están aquí perfectamente sincronizados, tocan rápido, si, extremadamente rápido, pero todo esta en su sitio, cada riff, cada solo, cada golpe de caja esta donde tiene que estar, y todo el conjunto fluye con un único fin que es el de horrorizar y escandalizar al oyente. El tema inicial, ese “Angel Of Death” que es todo un himno, es una canción dedicada al criminal naci Joseph Mengele y la letra cuenta, con todo lujo de detalles, las abominaciones perpetradas en su nombre en Auswitch.
No hay pausas, y los diez temas se suceden uno tras otro mostrándonos nuevos horrores a toda velocidad, hasta cerrar con esa magistral “Raining Blodd” que acompañan en sus conciertos con una lluvia de sangre.
Este disco es considerado el iniciador del llamado Speed Metal, y es por derecho propio (a base de ostias) uno de los pilares del rock extremo moderno.
Un disco en definitiva que todo aquel fan de la música rock con amplitud de miras debería escuchar al menos una vez en su vida. Aunque cuidado, duele…

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1984

Miércoles 13 septiembre 2017

Nineteen Eighty-Four (1984)

Director: Michael Radford
Interpretes: John Hurt, Richard Burton, Suzanna Hamilton

Rodada curiosamente en 1984, Nineteen Eighty-Four adapta a la pantalla grande la magnífica novela de George Orwell, con un gran respeto hacia el profundo sentido de la obra, Michael Radford filma dos horas angustiosas, donde se recoge el estremecedor relato de la lucha de un hombre contra el sistema, la afirmación de la propia humanidad frente a la perfecta maquinaria del partido.
Oceanía es un estado totalitario en guerra permanente con Eurasia, el partido controla todas las facetas del individuo y de la propia realidad, moldeando el pasado a su antojo, negando el carácter individual de los humanos, considerados meras piezas del engranaje del partido y del sistema.
Winston Smith (John Hurt) es un funcionario en el ministerio de la verdad, un rebelde que se niega a aceptar la realidad impuesta por el partido, Smith se enamorará de Julia (Suzanna Hamilton) y llevara su amor hasta las ultimas consecuencias, sabiendo que amar esta prohibido, sabiendo que se esta condenando a una muerte segura.
O’Brien (Richard Burton) contactara con Smith como un supuesto aliado, un miembro de la resistencia en quien depositará sus esperanzas, buscando, deseando una revolución, soñando con un mundo distinto que siempre ha creído conocer.
Radford se adapta fielmente a la obra de Orwell, aunque muchos detalles quedan solamente esbozados, centrándose sobre todo en el personaje de Smith, en su angustiosa lucha. La película adquiere un tono bastante reflexivo, bastante introspectivo, es necesario conocer la novela para comprender claramente ese mundo de pesadilla, el significado real de esa cara del Gran Hermano vigilante en cada habitación, en cada rincón.
Una correcta adaptación que logra captar el ambiente opresivo de la novela, pero que no aporta gran cosa por si misma.

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Queens Of The Stone Age – QOTSA

Martes 12 septiembre 2017

Queens of the Stone Age
Queens of the Stone Age
Roadrunner Records 1998

Hacia mediados de los 90’s Josh Homme decidio dejar a los incasillables Kyuss, su grupo desde la adolescencia y se convirtio en mercenario de las seis cuerdas a las ordenes de Mark Lanegan en los Screaming Trees.
Las razón que dio Homme para acabar con uno de los grupos más influyentes a la par que desconocidos de los 90’s fue que Kyuss limitaba sus posibilidades de crear un rock mas ecléptico, ya que el sonido de Kyuss estaba limitado enormemente por la percepción de grupo heavy/stoner que sus seguidores tenian de este. Habia que matar a la criatura antes de crear una nueva.
En 1997 se unio a otro exiliado del stoner rock, el ex-Monster Magnet John McBain y con el Soundgarden Matt Cameron para crear Gamma Ray. Esta banda duro poco, especialmente por la amenaza de los rockeros europeos del mismo nombre. Despues de varios conciertos McBain dejará el grupo por considerar que dos guitarras solistas tienden a pisarse y segun el porque ambos eran demasiado educados a la hora de los solos “no por favor, tocalo tú”. Homme se queda solo y ha de recurrir a su compañero en Kyuss, el batería Alfredo Garcia, para tener una formación más o menos estable. En ese momento nace Queens of the Stone Age.
Despues de dos magnificos “splits”, uno con Kyuss, con el que enterraron definitivamente a esta banda, y otro con los holandeses Beaver, graban en 1998 el album “Queens of the Stone Age”, uno de los trabajos más demoledores del rock actual. La intención de Josh Homme era establecer la base de lo que el llamaba “Robot Rock”, un tipo de rock donde bien las guitarras, la batería o la percusión mantenian un esquema repetitivo y machacón mientras los otros instrumentos creaban una gruesa cortina musical alrededor de esta base, buscando de esta forma un efecto psicodelico de desplazamiento rítmico. La voz de Homme ayuda en gran manera por su despreocupado falsete.
El disco abre con “Regular John”, el unico crédito compositivo que se le da a McBain. Homme usa la guitarra dejando caer notas sueltas en aparente desorden mientras la canción crece en intensidad. Los riffs son repetitivos y dan una sensacion de urgencia muy acorde con la letra. “Avon”, “If Only” (rescatado del split con Kyuss) y “Walkin on the Sidewalks” (dixit) siguen la misma tónica. Es al llegar a “You Would Know” cuando el robot rock se percibe en su máxima intensidad con los riffs más cuadrados que nunca y una letra acorde a este.
A partir de la sexta pista, “How to Handle a Rope”, se observa un desarrollo más normal de las canciones. “Mexicola” le lleva a uno bajo el poniente sol de la frontera californiana muy efectivamente. Sigue el instrumental “Hispanic Impresions”, un despliege de virtuosismo destinado a exacerbar al oyente y llevarle a traves de la repetición al paroxismo.
Sin embargo el punto alto del disco es el psicótico “You can´t Quit me Baby”. El título lo dice todo, es la historia de un acoso enfermizo y trágico. El acelerado y violento final da la idea de una violación con asesinato y suicidio incluido.
“Give the Mule what he Wants” parece un guiño a las Fundaciones de Asimov. La pista final “I was a Teenage Hand Model” empieza con un sonido de meada cervecera en algun garito de mala muerte. Uno se llega a imaginar a cierto secundario de lujo sentado en una barra de un bar oscuro en la película “Magnolia” viviendo de los recuerdos de su infancia como niño prodigio televisivo.
El album esta coproducido por Homme y Joe Barresi y comienza la tradición de las múltiples colaboraciones que seguiran en sus siguientes albums.

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Palomine

Lunes 11 septiembre 2017

Sin saber por que, esta tarde me he puesto a escuchar a Bettie Seervert, ese magnifico grupo holandes que tan buenos momentos nos ha dado, y buscando por You Tube he dado con este vídeo, que corresponde a una actuación de la banda en 1993, interpretando uno de sus mejores temas: “Palomine”:

Que lo disfruteis!!

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Elephant

Domingo 10 septiembre 2017

Elephant (2003)

Director: Gus Van Sant
Interpretes: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnell

Gus Van Sant se ha forjado con el paso de los años una merecida reputación de director competente, siempre a caballo entre el cine de autor mas independiente y sus flirteos con la industria, Van Sant tiene en su haber un puñado de películas sinceras, duras y comprometidas.
El tema de la adolescencia, ya abordado en películas como “Drugstore Cowboy” o “El indomable Will Hunting” es el tema central de Elephant, una adolescencia retratada con fidelidad por sus propios protagonistas (los actores son jóvenes no profesionales) en una cinta dura que tendría que hacer reflexionar a mas de uno.
El film se basa en los sucesos del instituto Columbine de Littleton en 1999, aunque se aclara que la pelicula es ficticia y no tiene ninguna relación real con esos sucesos, el tema de las armas en Estados Unidos ya fue magníficamente abordado por Michael Moore en “Bowling for Columbine” aunque de una forma mas general, mas analítica, Elephant se limita a describir un dia en un instituto de los EE.UU, un dia que parece un dia cualquiera hasta que se descubre que no lo es, hasta que explota la tragedia.
La construccion de la película es bastante peculiar, una camara sigue continuamente a cada personaje mientras realizan sus tareas habituales, asi vemos como Eli saca fotos a sus compañeros, o a John llegando tarde a clase o a Nate tras su entrenamiento, poco a poco nos introducimos en la rutina de un instituto cualquiera, en una ciudad cualquiera, como si fuesemos un estudiante mas.
Se muestran varias situaciones que se dan simultáneamente y asi hay escenas repetidas desde distintos ángulos que sirven de enlace al espectador. La realización es completamente aséptica, Van Sant en ningún momento introduce juicios de valor ni ningún tipo de valoración, los únicos dialogos son los que se producen entre los propios estudiantes, dialogos bastante casuales e insustanciales, aún en los momentos mas dramáticos.
La tensión va subiendo a medida que transcurre la película, la sensación de que algo terrible va a pasar se va apoderando del espectador, poco a poco se van mostrando detalles terribles, detalles incluso macabros integrados con total naturalidad entre los jóvenes hasta que la tragedia ya es inevitable.
La cinta es ante todo una seria llamada de atención a la sociedad norteamericana sobre la clase de jóvenes que estan formando, unos jóvenes sin valores, sin creencias, sin escrúpulos, egoistas y crueles, es tambien una feroz crítica al sistema educativo, empeñado en asignar roles y categorias a los jóvenes creando nucleos de marginalidad desde muy temprana edad.
Un pais donde cualquiera puede comprar un arma es ya de por si un sitio peligroso, si además los jóvenes no tienen ningun reparo en usarlas las cosa se convierte en una bomba de relojeria dispuesta para explotar.
Elephant es una pelicula dura, difícil, bien planteada y bien realizada, una buena muestra de cine comprometido y un feliz retorno de Van Sant al cine mas independiente.

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