Mientras escucho lo último de Arcade Fire, este “The Suburbs” ansiado y reclamado por sus millones de fans, reflexiono sobre lo peculiar que es este negocio de la música, sobre la fina línea que separa el talento de la oportunidad, sobre la diferencia entre la inspiración y la rutina, y es que aún recuerdo cuando me bajé (nunca llegue a comprarlo) aquel “Funeral” y empezó a sonar y a formar parte importante en las discusiones musicales con los amigos. Todos coincidíamos en que no había nada especial en Arcade Fire, pero también en que no habíamos escuchado canciones con la pegada de “Rebellion (Lies)” en años.
Yo personalmente pensé que la cosa quedaría ahí, sobretodo tras escuchar esa triste secuela que fue “Neon Bible” y que este grupo pasaría a engrosar la larga lista de grupos interesantes condenados al ostracismo, ignorados por la gran masa y escuchados solamente por esa elitista minoría a la que le importa que canción esta sonando en un bar.

Me equivoqué de lleno. Arcade Fire son ya todo un fenómeno mediático de consecuencias imprevisibles. Tocarán en Madrid en el Palacio de los Deportes (donde he visto, que yo recuerde, a Depeche Mode, Kiss o Metallica) y he leído por ahí que se compara este “The Suburbs” con el “OK Computer” de Radiohead, en cuanto a impacto y trascendencia, en cuanto a escribir un nombre con letras gordas en el libro gordo del Rock and roll.
Hoy es martes, creo (me cuesta saber en que día ando cuando estoy de vacaciones) y llevo escuchando el disco desde el sábado, y si, hay muy buenas canciones, como “Ready To Start” (1er single) o “Rococo”, pero que quieren que les diga, ninguna de estas canciones me suena como me sonaban (y como siguen sonando) “Neighborhood #1 (Tunnels)”, “Neighborhood #2 (Laika)”, “Une Année Sans Lumière” o la citada “Rebellion (Lies)” que considero, de largo, su mejor tema.

Veo paralelismos con el caso The Strokes, un primer disco impecable y luego cagada tras cagada. Este “The Suburbs” no es un mal disco, pero queda muy lejos de representar lo que representó “OK Computer” (Para Radiohead y para el mundo) o aquel “Yankee Hotel Foxtrot” de Wilco (por citar otra revolución, esta vez al otro lado del charco).
Quizás me equivoque otra vez, y tras cuarenta escuchas se revelen detalles que pongan este disco en mi altar personal (no sería la primera vez que me pasa), pero de momento, lo nuevo de Arcade Fire me deja bastante frío.

Director: James Bridges

Intérpretes: Jane Fonda, Jack Lemmon, Michael Douglas,  Scott Brady, James Hampton, Peter Donat

Hasta hace sólo unas pocas décadas, la profesión periodística gozaba de cierta pátina de respetabilidad social. Cierto que el periodismo basura ha existido desde siempre, pero los periodistas (o al menos algunos de ellos) eran considerados por buena parte de la ciudadanía como una suerte de línea defensiva ante los desmanes de gobiernos, empresas y gente poco recomendable en general. Hoy día, el corporativismo derivado de la globalización ha acarreado una creciente pérdida de credibilidad de los medios de comunicación, más palpable si cabe en el ámbito de la TV. En España el caso es particularmente crítico, pues las diversas estrategias de aborregamiento de masas puestas en marcha por la clase gobernante (independientemente de su signo político) han conseguido, entre otras cosas, que elementos como ESTE, ESTE o ESTE OTRO sean definidos como “periodistas” y que hasta se les otorguen premios y todo, cuando lo normal hubiera sido encajarlos a patadas en un vagón de ganado y despacharlos a un campo de trabajos forzados lo más rápidamente posible.

En Estados Unidos, país que siempre ha sido considerado como adalid de las libertades (también a la hora de ejercer el periodismo) la situación no es muy diferente. Aunque bien es cierto que veinte años de plagas bíblicas en forma de gobiernos ultraconservadores le han hecho mucha pupa al gremio (y lo que te rondaré morena), todavía es posible encontrar allí ejemplos de periodismo del bueno, en contra de la opinión de muchos de nuestros hintelektualez patrios, que consideran aquel lugar como una cueva poblada  casi exclusivamente por malvados ultraderechistas portadores de armas y paletos con lesión cerebral, por si fuera poco también portadores de armas. No obstante, basta ver una película como El síndrome de China para darse cuenta de cómo han cambiado las cosas (a peor, desde luego) en el transcurso de unas pocas décadas.

Porque a finales de los años 70 del siglo pasado, ser periodista en Estados Unidos molaba: significaba pertenecer a un poderoso y respetado “lobby” capaz de tumbar un gobierno si se daba la ocasión. El estallido del caso Watergate puso de moda al oficio y a sus oficiantes, y a remolque de ello surgieron, por supuesto, películas que serían completamente inviables en el mundo actual, donde se denuncian sin tapujos los turbios manejos de unas corporaciones cuyo único interés consiste en ganar dinero, sin importar para nada la seguridad o el bienestar de la sociedad en su conjunto. Los autores de El síndrome de China tomaron nota de la creciente pujanza del movimiento antinuclear para construir un potente trhiller, que sirvió para apuntalar la carrera de Michael Douglas como actor y productor. De paso, Michael tomó buena nota de una brillante idea paterna, y si Kirk Douglas había aprovechado el rodaje de Espartaco para rescatar del ostracismo (y a precio de saldo) al defenestrado Dalton Trumbo, su hijo haría lo propio con Jane Fonda, no muy bien considerada en su país desde que tuvo la genial ocurrencia de hacerle una visita a los herederos de Ho Chi Minh en plena guerra de Vietnam. En todo caso ambos están espléndidos, magníficamente acompañados por Jack Lemmon y por un brillante conjunto de secundarios de esos que “te suenan” de haberlos visto en muchas otras películas y series de TV, y que resultan solventes en casi cualquier circunstancia.

Estamos pues ante una película brillante, entretenida y plenamente válida en el actual contexto social, en el que los poderes políticos y mediáticos aparecen cada vez más supeditados al albedrío de unas corporaciones cada vez más poderosas. A este respecto es destacable la magnífica secuencia final, acompañada de unos créditos finales carentes de toda banda sonora. Un ejercicio de reflexión ahora que en ciertas esferas se vuelve a hablar de la necesidad de retomar la fisión nuclear como fuente de energía viable para el futuro. Y es que antes de hablar, personajes como ESTE deberían ver la película. Aunque supongo que eso no les haría cambiar de opinión, por supuesto.

Dices que te sientes vacía
Que nuestra casa no es un hogar
Y que yo siempre estoy en otra parte
y estas allí siempre sola

Solo unas pocas horas mas
Y estaré en casa contigo
Creo que los oigo llamándome
Oh Beth que puedo hacer
Beth que puedo hacer

Beth, yo se que estas sola
Y espero que estés bien
Porque los chicos y yo estaremos tocando
Toda la noche.

¿De que disco se trata?

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Un saludo

No hables de amor
si, he oído esas palabras antes
duermen en mi memoria
no interrumpiré el sueño de sentimientos que han muerto
si nunca hubiese amado, nunca habría llorado
Soy una roca
Soy una isla

Tengo mis libros
y mi poesía para protegerme.
Me escudo en mi armadura
Escondido en mi habitación, a salvo en mi refugio
no toco a nadie ni nadie me toca a mi
Soy una roca
Soy una isla

Y una roca no siente dolor
y una isla nunca llora.

A veces todo está mal.
Ahora es hora de cantar también
Cuando tu día es noche solitaria
Si te sientes como dejándote ir, espera
Cuando piensas que has tenido mucho de esta vida,
pues espera.

Todos el mundo hace daño, toma consuelo en tus amigos
Todos el mundo hace daño, no lances tu mano.
Oh, no. No lances tu mano.
Si sientes que estás solo,
no, no, no, no estás solo

Si estás solo en esta vida,
los días y las noches son largos
Cuando piensas que has tenido mucho de esta vida,
para esperar

Bueno, todo el mundo hace daño algunas veces,
Todos lloran.
Todo el mundo hace daño algunas veces.
Y todos lastiman algunas veces.
Así que, espera, espera.
Espera, espera. Espera,
espera. Espera, espera.

Las respuestas como siempre en los comentarios de esta entrada

Un saludo

Porque nadie quiere ver una cara bonita
triste y toda retorcida
porque la gente encantadora no nació para sufrir
soy tan encantador…

Un pavo murió para dar color a mis labios
Así que me tiño el pelo en todo su sudor
pero ahora estoy angustiado por esas visiones de mi

No quiero vivir para siempre
cuando el cielo este lleno de pequeños agujeros
explotando mientras toman mi foto
explotemos…

Y no quiero conocerme mejor…

Todo aquel a quien he curado He enfermado ahora
Todo aquel a quien he acunado he puesto abajo
Soy un alma de luz, ellos dicen
Pero no puedo verlo en la noche
Sólo estoy fingiendo cuando estoy bien
Porque caí en los días de negro
¿Cómo iba a saber
Que éste podría ser mi destino?

Así que lo que querías ver bien te ha hecho ciego
Y lo que querías hacer tuyo se ha hecho mio
Así que no encierres algo que querías ver volar
Las manos son para moverlas
No para estar atadas
No para estar atadas

Estoy seguro que no les importa un cambio
Pero me quedé en los días de negro
¿Cómo iba a saber
Que éste podría ser mi destino?

Domingo tarde lloviendo, sorteando charcos a traves del Paralelo para al fin acceder a la sala Apolo, envolvente con su media luz y un escenario al alcance de las manos, sin masificaciones y con un publico dulce.

De camino a la barra, entre la oscuridad y mi emoción por encontrar un sitio donde colocarme (cuando hay tanto para elegir, te entran las ansias) casi me choco con un hombrecillo que tocaba un instrumento de viento (por determinar) y que formaba parte de la actuación de los teloneros, el grupo liderado por David Thomas Broughton.
Este cantante llama la atención, especialmente por su particular forma de intercalar sonidos de objetos y propios (ingerir bebida, toquecitos varios, bostezos, restregones de manos en los ojos) en su repertorio musical.

La aparición del conjunto de Shearwater sucede de forma gradual. Poco a poco los componentes se van añadiendo a la banda de Thomas Broughton y van interpretando. A las 20:25 h empieza el concierto y es en cuestion de momentos que la voz de Johnattan Meiburg se filtra por cada poro de la sala y, conforme entona, vas notando como te domina el alma hasta dejarte a su merced.

A partir de aquí, el repertorio lo inician con los temas del nuevo álbum; con un Meridian arrebatador, pasando por Black Eyes cantado con una fuerza desbordante y de pronto te plantan un suave “Runners of the sun” ” que te desmonta en blandos pedacitos.

Pero antes de que puedas recomponerte bebiendote otra Coca Cola, y tras dedicar el tema a las aves, ya están sonando los acordes de Rooks, tema especialmente deseado por el público, y siguen con: Century Eyes, I was a cloud, the hunter´s star, seventy-four seventy-five,… Y alguno más que no recuerdo.

Cuando el espectáculo llega a su fin, uno tras uno, desaparecen por la puertecita lateral del escenario, con sus camisitas cow-boy, de rallitas o esa melena con tupé del batería que desafía a las mechas de más calidad. La gente empieza a aplaudir y a silbar y los componentes reaparecen.
El cantante, pregunta en un castellano muy gracioso: “¿Qué quieres?”Poco a poco, la gente se anima y se escuchan vocecillas que claman por escuchar una canción en concreto. Yo, que sigo atronada por los altavoces, no entiendo ningún título, y me parece que el cantante tampoco, así que se anima a cantar lo que le apetece.
Genial, 2 canciones más disfrutando y ahora sí el espectáculo termina entre hurras y vítores.
Fuera llueve mas fuerte. Toca saltar charcos, mas hondos, pero esta vez con ritmillo en los talones”.

¿De que disco se trata?

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Un saludo

Director: Danny DeVito

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht, Sean Astin, Heather Fairfield

Los años 80 fueron, indiscutiblemente, los mejores en la carrera del gran Danny DeVito. Este entrañable cómico encadenó una serie de éxitos como actor y director que lograron colocar su rechoncha figura entre lo más selecto y popular del panorama cinematográfico de entonces, destacando sobre todo su asociación con otros dos actores de postín: Michael Douglas y Kathleen Turner. Con ellos había participado en el pelotazo de Tras el Corazón Verde (1984) y la inferior, aunque entretenida, La Joya del Nilo (1985). Pero sería en La Guerra de los Rose, ya al final de la década, donde el trío logró los mejores resultados de su peculiar alianza, con DeVito dirigiendo el cotarro esta vez.

Tomando como base el texto original del novelista Warren Adler, un DeVito en plena forma dejó su impronta característica de humor negro y mala leche en la que sin duda es su mejor película como director. Porque si hay dos cosas que destaquen en esta película esas son el humor negro y la mala leche, que hacen acto de presencia desde los mismos créditos iniciales, secundados para la ocasión por una estupenda banda sonora. A partir de ahí lo que sigue es una corrosiva historia de amor y desamor por desgaste y pasotismo, cargada de misoginia (la mujer es retratada aquí como poco menos que una arpía despiadada) y que tira a dar contra los topicazos de las relaciones de pareja, que generalmente se muestran idílicas de puertas para afuera pero que, también generalmente, esconden más de una turbia realidad que sólo se muestra de puertas para adentro.

La Guerra de los Rose es una película muy divertida que en ciertos momentos recuerda a alguno de los mejores capítulos de Los Simpsons. No en vano el productor es James L. Brooks, el mismo de la afamada serie de dibujos animados. Aunque la segunda mitad del metraje sea la más entretenida por aquello de la “sucesión de putadas” que tiene lugar entre la pareja protagonista, quizás lo mejor esté en una primera parte más pausada pero que acumula algunas secuencias geniales, que ilustran maravillosamente cómo una pareja puede irse distanciando de forma lenta e inexorable, sin que los dos se den cuenta hasta que ya es demasiado tarde para arreglar nada.

El cielo se esta tornando rojo
La vuelta del poder se acerca
Caen sobre mi, Las lagrimas carmesí del cielo
Abolí las reglas hechas de piedra.

Perforado por debajo, almas de mi traicionero pasado
Traicionado por muchos, Ahora ornamentos que gotean encima

Esperando la hora de la represalia
Tu tiempo se esta acabando

Lloviendo sangre
De un cielo lacerado
Sangrando su horror
Creando mi estructura
Ahora yo reinare en sangre!

Mr. Jones y yo nos contamos cuentos de hadas
Clavamos la vista en las mujeres guapas
“Te está mirando. Ah, no, no, me está mirando a mí”
Sonriendo en las brillantes luces
Llegando en estéreo
Cuando todo el mundo te quiere,
nunca puedes sentirte solo

Pintaré mi retrato
Me pintaré en azul y rojo y negro y gris
Todos los bellos colores tienen tanto tanto significado
El gris es mi color favorito
Me sentí tan simbólico ayer
Que si conociera a Picasso
Me compraría una guitarra gris y tocaría

Mr. Jones y yo miramos al futuro
Clavamos la vista en las mujeres guapas
“Te está mirando.
Uh, no lo creo. Me está mirando a mí.”
De pie bajo los focos
Me compré una guitarra gris
Cuando todo el mundo me quiera, nunca me sentiré solo

Quiero ser un león
Todos quieren hacerse pasar por gatos
Todos queremos ser grandes grandes estrellas,
pero tenemos diferentes razones para ello
Creed en mi, porque yo no creo en nada
Y quiero ser alguien en quien creer

Mr. Jones y yo nos tambaleamos por el barrio
Sí, clavamos la vista en las mujeres guapas
“Es perfecta para ti, tío, tiene que haber alguien para mí”
Quiero ser Bob Dylan
Mr. Jones quiere ser alguien un poco más extraño
Cuando todo el mundo te quiere, hijo,
eso es lo más extraño que puedes ser
Mr. Jones y yo clavando la vista en el vídeo
Cuando mire a la televisión,
quiero verme clavando la vista en mí
Todos queremos ser grandes estrellas,
pero no sabemos por qué y no sabemos cómo
Pero cuando todo el mundo me quiera,
voy a ser lo más feliz que puedo ser
Mr. Jones y yo, vamos a ser grandes estrellas…

Director: James Cameron

Intérpretes:  Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Joel Moore, Giovanni Ribisi

Pocahontas contra los marines. Así rebautizaba Iván Reguera a Avatar en su extraordinario blog. Y no fue el único: desde el mismo momento en que pudieron verse las primeras escenas de la película en trailers y demás, Internet se convirtió en un hervidero donde cualquiera que creía tener un mínimo de conocimientos sobre cine ponía a parir a la cinta. Y el modo más fácil, obvio y evidente era cambiarle el nombre, pues su parecido con muchas películas anteriores a ella salta a la vista desde el punto de vista argumental.

Admito que se me hace difícil escribir algo que no se haya dicho ya sobre una película que, a día de hoy, está en boca de todo el mundo y todo el mundo ha visto. Estuve tentado de no hacer nada y esperar unos cuantos meses más, tal vez unos años, a que disminuyese la enorme expectación generada en torno a Avatar; la misma que me ha impedido ver la película en su formato nativo (en 3D) en dos ocasiones, tal es la avalancha de gente que acude aún a los cines, la cual hace imposible asistir a la proyección si no se reservan entradas una semana antes; la misma expectación que me ha obligado a verla en “formato plano” para poder generarme una opinión propia sobre el filme, al margen de los comentarios de otras personas y de todo lo que he leído sobre ella en la Red. Algo que dicho sea de paso es casi imposible: en cierto modo es como ser jurado popular en un caso de gran impacto mediático y tratar de dictar una sentencia justa, al margen de la presión de los medios y de la sociedad.

Porque si hay una palabra que defina Avatar en toda su extensión ésa es “hype”, palabro inglés cuyo uso y popularidad se han generalizado gracias a Internet, y más desde que se tuvieron noticias de que James Cameron ponía en marcha su nuevo proyecto. Cuando se dice de algo que tiene “hype” se dice que ese algo está generando una expectación inusitada a su alrededor, generalmente muy por encima de la que luego demuestra merecer. Generar expectación sobre algo para que luego ese algo se venda como rosquillas con independencia de su calidad, es un recurso tan viejo como el hombre. Ya saben lo que dicen: el buen vendedor es aquel capaz de vender algo que no existe. Ejemplos de esto en cine haberlos haylos, curiosamente casi siempre asociados al género de terror y a la ciencia ficción. Pero Avatar se ha llevado la palma de calle.

Reconozco que admiro enormemente a James Cameron. Será un cabrón de tomo y lomo, o al menos eso es lo que dice la mayoría de quienes le conocen en persona y han tenido la desgracia, según ellos, de trabajar con él. No será un gran director, ni desde luego un buen guionista; pero el tío ha demostrado a lo largo de su carrera que le sobran arrestos para levantar proyectos que otros directores, supuestamente mejores que él, ni siquiera se atreverían a plantearse. Y no sólo eso: el tío es capaz de cargar a sus espaldas con todo el trabajo que haga falta cargar, ponerlo a funcionar contra viento y marea, y hacer que el resultado final reviente las taquillas allá donde sea exhibido. En el cine contemporáneo ya no existe la gente así. Hay demasiado dinero en juego, demasiados intereses comerciales como para que nadie se atreva a asumir nuevos retos; siempre teniendo en cuenta las limitaciones de un mundo, el del cine, en el que  todo (o casi todo) está ya inventado desde los años cuarenta. En las últimas tres décadas, sólo el George Lucas de La Guerra de las Galaxias y el Spielberg de Tiburón se podrían aproximar a la figura de James Cameron, todo un experto en hacer cortes de mangas a los agoreros del fracaso en el cine. Avatar sería otro ejemplo de todo esto, aunque hay que reconocer que su proceso de producción no llegó a ser tan arriesgado y complejo como el de otras pesadillas anteriores del director, tal que Abyss o Titanic. El ordenador facilita mucho las cosas, Tito James no tiene un pelo de tonto, y antes de chasquear la primera claqueta de su último filme lo tenía todo atado y bien atado, hasta el punto de que costaba creer que una película tan cara pudiera ser un fracaso de taquilla, algo que por supuesto no ha ocurrido.

¿Y la peli? Pues bastante flojita, la verdad. Tal vez la más floja del repertorio de Cameron, excepción hecha de Piraña 2. Más que una peli en toda regla, Avatar es una demo de nuevas tecnologías aplicadas al cine, y la clara demostración de la tendencia actual del séptimo arte a poner el continente muy por encima del contenido. Porque Avatar es como si te regalan una caja vacía con un envoltorio precioso. Hay que reconocer que desde ese punto de vista es acojonante incluso en su “versión plana”, aunque su estética ultracolorista pueda ser tildada de “kitsch” en más de una ocasión. Pero no tiene más. Si desconectamos el cerebro antes de verla, Avatar puede que cumpla con su objetivo de entretener. De hecho entretiene, aunque sólo sea por los alardes técnicos de los que hace gala. Pero hace unos días, y sin ir más lejos, volví a verme Bailando con Lobos en su versión original y extendida (casi cuatro horas de vellón, oigan) y me atrevería a decir que mola bastante más, aun careciendo de tanta pijada hecha por ordenador.

Con todo, poner a caldo Avatar acusándola de ser “un refrito” no deja de ser un poco simplista a mi parecer, pues el cine actual (de los sesenta a esta parte, más o menos) es en sí mismo un continuo refrito. Ocurre periódicamente, siempre: algún listillo toma prestados elementos de aquí y de allá, los “refrita” con un poco de acierto y marca a una generación como el que marca al ganado. Sin ir más lejos, cuando La Guerra de las Galaxias comenzó a exhibirse en los cines le llovieron hondonadas de hostias por lo mismo que ahora le llueven a Avatar. Curiosamente son muchos los que ahora ponen a Cameron y a su película a caer de un burro, mientras se hacen pajas imaginándose a los jawas en pelotas. Y a estas alturas ya deberían  saber que  La Guera de las Galaxias no es más que Avatar con maquetas.

De todos modos me gustaría ser razonablemente optimista, porque la historia ya nos ha enseñado cual podría ser el paso siguiente. El cine ha combatido con explosiones tecnológicas sus diversas crisis en el correr de los tiempos. Estas explosiones han terminado pasando de moda, dando lugar a un nuevo interés por reconciliarse con el espectador a base de buenas historias, que es lo que debería ser la esencia de este negocio. Ocurrió en los sesenta, después de la moda de los formatos panorámicos y otras bobadas semejantes; ocurrió en los noventa, una vez agotada la veta del cine palomitero durante la década anterior. Ahora estoy a la espera de lo que pueda ocurrir en la actualidad, cuando se desinfle el “hype” del 3D. Ojalá los dueños del cotarro se den cuenta otra vez de que el negocio del cine es algo diferente al de un parque de atracciones, auque muy probablemente ya sea tarde para remediar nada.

Hay personas a las que el amor se les resiste, una sensación, un Nirvana que buscan desesperadamente en los sitios mas insospechados e inhóspitos, experiencias que, las mas de las veces terminan tras unos cuantos besos vacíos, unos cuantos polvos, tristes despedidas y montañas de amargura.
Bandini llevan desde su creación ahondando en la herida del desamor, porque saben que lo único que se puede hacer tras un descalabro es encerrarse a tocar, aferrarse a ese mástil de la guitarra que simboliza mejor que ninguna otra cosa la enorme mentira que sustenta aquello que llamamos Rock and Roll. Una gran mentira que, al igual que ocurre con la religión, solo se sustenta a base de fe, y la fe de Bandini en el rock and roll es de aquellas capaces de mover montañas, muy meritorio en estos tiempos de crisis, malos tiempos para la lírica.
Tras un primer doble álbum llamado “The Sunny Album”, publicado en 2007, Richard Ruiz se ha tomado un tiempo para dar forma a las canciones de este segundo disco, sarcásticamente titulado “It Ain´t No Love”, y es que no, no hay amor, pero eso no puede impedirnos seguir con nuestra búsqueda.
Con una producción bastante mas trabajada y pulida que la de su debut “It Ain´t No Love” presenta a unos Bandini pletóricos, en estado de gracia, inspirados y furiosos. Lo que en “The Sunny Album” era un susurro lastimero se vuelve aquí un formidable rugido surgido de lo mas profundo de sus (rotos) corazones. Las dentelladas guitarreras son la norma en este disco, formando en ocasiones paisajes sonoros cargados de furia y desolación, a destacar el excepcional trabajo a la guitarra de David Guinea, poseedor de un exquisito talento para enturbiar composiciones en principio amables. Ejemplos de este sonido torrencialmente eléctrico sería en primer lugar la excepcional “4 AM”, las inquietantes y perturbadoras “Made Of Cristal” y “Deadlines” o ese oscuro y dramático corte que abre el disco: “You Make Me Feel All Down”.
Bandini, revestidos ahora de un infranqueable manto eléctrico, no han perdido no obstante ni un ápice de su excepcional sentido melódico, aquel que ya aparecía en aquellos cortes ya clásicos de “The Sunny Album” y que aquí vuelve a surgir en bellísimas canciones adornadas con mareas de dibujos acústicos y ensoñadores teclados. Lo mejor de este lado amable lo encontraríamos en cortes como “Dry But Not Confused”, “Don´t Make Promises That You Can’t Keep” o “Marble Moon”.
“It Ain´t No Love” multiplica por mil las incontables virtudes de su anterior trabajo, y nos muestra a una banda en estado de gracia, un grupo robusto, rocoso, que baraja con singular maestría las cartas de la obra maestra, del disco total. Once llaves que despertarán de su letargo al corazón mas negro, once pruebas de que, después del tormento nos espera la gloria, a todos nosotros, aún en estos tiempos de mierda que nos ha tocado vivir.

Por una colina los hombres matan
¿Por qué? No lo saben
Las heridas sufridas ponen a prueba su orgullo
Hombres de cinco, aún vivos
A través del brillo furioso
Vueltos locos por el dolor
Que seguro conocen

¿Por quien doblan las campanas?
El tiempo continúa su marcha
¿Por quien doblan las campanas?

Hecha un vistazo al cielo
Justo antes de morir
Es la última vez que lo harás
Rugido ennegrecido, rugido masivo
Llena el cielo que se desmorona
La meta destrozada llena su alma
Con un grito cruel

Ahora sus ojos son más extraños
A este misterio
Él escucha el silencio muy fuerte
Grieta del amanecer, todo se ha ido
Excepto el deseo de existir
Ahora ven lo que será
Ojos cegados para ver

Espero que os gusten:

-Andy Vought:

-Meg Clarck

Feliz 2010!!!

Director: Edmund Elias Merhige

Intérpretes: John Malkovich, Willem Dafoe, Udo Krier, Cary Elwess, Catherine McCormack

¿Hasta qué punto estaría dispuesto un director de cine a jugarse todo con tal de rodar una obra maestra? ¿Hasta que punto sería capaz de arriesgar el cuello, literalmente, por convertir las áridas frases de un guión en poesía en movimiento?

Estamos en el año 1921. En medio de la delicadísima situación política y económica de la Alemania inmediatamente posterior a la Primera Guerra Mundial, hay sin embargo un hombre que no piensa ni en política ni en economía. Se trata de Friedrich Wilhelm Plumpe, más conocido como F.W. Murnau, uno de los mejores cineastas alemanes del momento. Enfrascado en pleno rodaje de su último proyecto, Nosferatu, una versión sin licencia del clásico de Bram Stoker Drácula, Murnau busca conseguir la mejor y más realista película de terror de todos los tiempos. Por ello no vacila en contratar los servicios de un enigmático individuo llamado Max Schreck para que interprete al Conde Orlock (Drácula). Schreck proviene del teatro y se ha forjado como actor bajo los auspicios del método Stanivslawski, que incita a los actores a vivir sus personajes más allá del escenario. Por ello nadie se extraña demasiado al verle paseándose por ahí caracterizado y comportándose como el malvado Orlock. Sin embargo, este oscuro personaje esconde un terrible secreto: Schreck es un vampiro de verdad, dispuesto a cobrarse el precio de su extraordinaria y realista interpretación en la sangre de los miembros del equipo de Murnau y especialmente de Greta, la bella y repelente protagonista femenina de la cinta.

La sombra del vampiro es una  mezcla de “biopic” y ficción que husmea en los hechos que rodearon la tortuosa génesis de Nosferatu, película que estuvo a punto de desaparecer bajo el dedo acusador de la iracunda viuda de Bram Stoker, la cual solicitó, a través de una orden judicial, que todas las copias del filme fuesen destruidas al haberse rodado sin adquirir los derechos de la novela en la que se inspira. Por fortuna la orden no fue respetada y Nosferatu sobrevivió, encumbrando a Murnau y convirtiéndose en una obra maestra del cine. La sombra del vampiro realiza un retrato de la atormentada personalidad de un genio como Murnau,  haciendo además una reflexión sobre la locura de la creación cinematográfica y la búsqueda de la perfección. Plantea de paso una curiosa pregunta: ¿y si Max Schreck hubiera sido en realidad un vampiro? El actor alemán era de hecho un ser bastante misterioso y cerrado en sí mismo, y no sería de extrañar que en más de una ocasión alguien del equipo de rodaje se plantease seriamente esa posibilidad, habida cuenta de su peculiar forma de ser.

La idea de realizar La sombra del vampiro partió del guionista Steven Katz, quién hasta ese momento solo tenia en sus créditos el guión de un episodio de la serie televisiva De la Tierra a la Luna. Presentado el susodicho guión al popular Nicholas Cage, gran aficionado al cine clásico, éste se decidió a producirlo. La película se rodó en localizaciones de Luxemburgo y con un presupuesto de unos escasos ocho millones de dólares USA. Ello no fue obstáculo para que una serie de grandes estrellas de Hollywood como Willem Dafoe o John Malkovich aceptasen participar en el rodaje.

La cinta que nos ocupa se sustenta sobre cuatro pilares básicos. Los dos primeros son las interpretaciones de los dos protagonistas principales. Malkovich, excelente como siempre, encarna a un Murnau colérico y enloquecido por el cine, drogadicto y sexualmente ambiguo. Willem Dafoe está casi genial en la piel de Schreck / Orlock, irreconocible gracias al excelente trabajo del equipo de maquilladores, que constituye el tercer pilar. El restante pertenece a la estupenda fotografía obra del novato Lou Bogue. Oscura y siniestra, roza la perfección durante las escenas filmadas en blanco y negro.

Con todo, La sombra del vampiro también tiene sus peros, y el mayor de todos es el final. Alocadísimo y pasado de rosca, arruina la película casi irremediablemente. Hasta entonces el invento se sostiene bien, queda majo y tiene algún momento notable. Pero ese final no hay por dónde cogerlo, oigan. Si a eso le unimos la peligrosa tendencia a sobreactuar del bueno de Willem Dafoe, el resultado puede ser de chiste. La tarde en que acudí a ver la película, recién estrenada entonces, el comentario casi unánime entre los que estábamos en la sala (a todo esto entre risas) era “parece Chiquito de La Calzada, ¡jarl”. A buen entendedor pocas palabras bastan.

De todas maneras, esto no impide considerar La sombra del vampiro como una cinta interesante. Todo un homenaje a un momento de la historia en el que el cine era una labor de pioneros, casi de titanes, mezcla de ciencia de bata blanca y arte. Una labor muy alejada del carácter de negocio que ahora tiene, casi siempre, nuestro amado séptimo arte.

Hacer una película es como intentar escribir “Guerra y Paz” en el coche de choque de un parque de atracciones (Stanley Kubrick).

Director: Lexi Alexander

Intérpretes: Elijah Wood, Charlie Hunnam, David Alexander, Geoff Bell, Claire Forlani

Es curioso el efecto que la violencia ejerce sobre las personas. A la gran mayoría les asusta, pero no pueden evitar una cierta fascinación por ella. La violencia genera miedo hacia quienes la ejercen de forma contundente. No pocas veces, y aunque no queramos reconocerlo, el miedo genera respeto. Y el respeto es poder. Ganarse el respeto de los demás utilizando un recurso tan primario como el de la violencia puede resultar reprobable, pero como animales que somos a fin de cuentas, si pretendemos llamar la atención a veces se logra mayor efecto si para ello utilizamos un mazo de hierro en lugar de una palmada en la espalda. Por eso la gente se siente tan fascinada por los grupos ultras de fútbol. Por eso los filmes y reportajes basados en estos grupos, tan visibles pero a la vez tan ocultos, llaman tanto la atención. Y si da la casualidad de que están bien hechos pues miel sobre hojuelas, oiga.

Hooligans cuenta la historia de un chaval americano de buena familia expulsado de Harvard, que durante un viaje a Londres para visitar a su hermana entabla amistad con el jefón de un grupo de seguidores radicales del West Ham United, sumergiéndose en una aventura que cambiará su vida, pero con consecuencias imprevisibles.

En contra de lo que podría esperarse a tenor de su limitada distribución (en la mayoría de países donde se estrenó lo hizo directamente en DVD, y en aquellos donde lo hizo en pantalla grande sólo se exhibió en un puñado de salas) la peli que nos ocupa está bien. No es una obra de arte, por supuesto, pero tiene cualidades suficientes para agradar, entretiene y deja un hueco para la reflexión, algo que no se puede decir de la mayoría del cine actual. Lo que más sorprende es asistir a la digievolución de Elijah Wood, que de apocado y asustadizo joven (su papel de siempre, vaya) pasa  a convertirse progresivamente en uno de los seguidores más radicales y violentos de los “Hammers”, repartiendo mantas de hostias como el que reparte propaganda por la calle. Sólo por eso ya merece la pena echarle un vistazo a este tinglado. Aunque personalmente me quedo con Charlie Hunndam, en un papel de mamonazo radikal, pero tan  carismático que acaba por hacerse adorable y todo. Será debido a la cosa esa de la atracción por la violencia que todos tenemos en mayor o menor grado…

Como todo buen primer concierto, seguro que habra multitud de errores y cagadas, pero espero que tambien haya buenos momentos y que podamos pasar todos un buen rato.

Tambien habra alguna sorpresa, como pista, este video:

Estais todos invitados!!

Un saludo

Vamos, nena, enciende mi fuego,
vamos, nena, enciende mi fuego,
Trata de prender fuego a la noche.

Ha pasado el momento de dudar,
No hay tiempo para revolcarse en el lodo,
Probemos ahora, que solo podemos perder,
Nuestro amor se convierte en una pira.

Vamos, nena, enciende mi fuego,
vamos, nena, enciende mi fuego,
Trata de prender fuego a la noche.

Ha pasado el momento de dudar,
No hay tiempo para revolcarse en el lodo,
Probemos ahora, que solo podemos perder,
Nuestro amor se convierte en una pira.

Vamos, nena, enciende mi fuego,
Vamos, nena, enciende mi fuego,
Trata de prender fuego a la noche.
Trata de prender fuego a la noche.
Trata de prender fuego a la noche.
Trata de prender fuego a la noche.

Director: Florian Henckel-Donnersmarck

Intérpretes: Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme

Ahora que se cumplen veinte años desde la caída del “Muro de Protección Antifascista”, pomposa denominación con la que las autoridades de Alemania Oriental se referían al Muro de Berlín, tal vez sea el momento idóneo para echarle un vistazo a la película sobre la que nos vamos a referir a continuación. Si ya la han visto, para volver a verla una vez más; y si no la han visto todavía… ya están tardando, oigan.

Porque me atrevería afirmar sin ningún temor que La vida de los otros es una de las mejores películas jamás rodadas durante esta primera y sombría década del Siglo XXI que ahora se acaba, y quizás la que mejor retrata cómo era la vida en aquella arcadia comunista surgida de las cenizas del Tercer Reich que fue la RDA. Un país gobernado con mano de hierro gracias al control que, sobre sus ciudadanos y todas las actividades que éstos realizaban, ejercía la organización más orwelliana que nunca haya existido hasta ahora sobre la faz de la tierra: la temible policía política de Alemania Oriental, más conocida como “Stasi”. Por tanto no es casualidad que la película esté ambientada de forma simbólica en 1984, en un momento en que la Guerra Fría se había recrudecido peligrosamente y el “Muro de la vergüenza” simbolizaba más que nunca la división del planeta en dos bloques antagónicos. Nadie podía imaginar por aquel entonces que, sólo unos pocos años después, la Perestroika de Gorbachov acabaría por dinamitar la más estalinista de las democracias populares, cuyo fin sería la antesala de un mundo completamente distinto al que habíamos conocido durante cuarenta años.

La vida de los otros demuestra una vez más que no es necesario un derroche de medios para crear una película extraordinaria, si tras ella hay gente con talento respaldada por una buena historia. El bajo presupuesto de la cinta no es obstáculo para que brillen con luz propia detalles como la ambientación, que con el apoyo de una estupenda fotografía se encarga de mostrarnos con toda su crudeza el ambiente gris y opresivo del triste Berlín comunista, extensible por ende a toda la RDA. Si a esto le unimos unos actores estupendos (en particular el protagonista, Ulrich Mühe, que se sale por momentos), una dirección que es más que correcta y un guión sólido como un bloque de granito a la par que emocionante y entretenido, el resultado no puede ser otro: peliculón, hablando en palabras lisas y llanas. Hasta la música está conseguida, y pese a ser algo sucinta pone su granito de arena a la hora de hacer más emocionante el visionado.

No hace falta decir mucho más. Uno de los mejores exponentes de la explosión cultural vivida por Alemania en los veinte años transcurridos desde la caída del Muro y la reunificación, que entre otras cosas nos ha brindado muy buenas películas. Comenzando por esta, sin ir más lejos.

Las cosas no son lo que solían ser
Perdido dentro de mi interior
Pérdida mortal, esto no puede ser real
No soporto este infierno que siento
El vacío me está llenando
Hasta el punto de la agonía
La oscuridad creciente se lleva el amanecer
Yo era yo mismo, pero ahora Él se fue

Nadie mas que yo mismo me puede salvar
Pero es demasiado tarde
Ahora no puedo pensar, pensar por que
Tendría que intentarlo

El ayer parece como si
Nunca hubiese existido
La muerte me saluda
calurosamente, ahora solo
Diré adiós

Aquí tenéis un vídeo de una actuación en directo de 1999, interpretando “Pillars”, una de las canciones del, para mi, su mejor disco: “How It Feels To Be Something On”

Un saludo

Te recuerdo de pie callada bajo la lluvia
Mientras corría hacia tu corazón para estar cerca
Y nos besamos hasta que el cielo se hundió abrazándote fuerte
Cómo te abracé siempre para alejar tus temores
Te recuerdo corriendo suave a través de la noche
Eras más grandiosa más resplandeciente
y más extensa que la nieve
Y gritaste frente a las mentiras
Gritaste al cielo
Y finalmente encontraste el valor de soltarlo todo

Te recuerdo caída en mis brazos
Llorando por la muerte de tu corazón
Estabas blanca como la cal tan delicada perdida en el frío
Estabas siempre tan perdida en la oscuridad
Te recuerdo tal y como solías ser dulce ahogada
Eras angelical mucho más que todo
Oh abrázame una última vez y márchate en silencio
Abro mis ojos pero nunca veo nada

Si al menos hubiera pensado en las palabras adecuadas
Podría haber retenido tu corazón
Si al menos hubiera pensado en las palabras adecuadas
No estaría rompiendo todas tus fotografías

Tanto tiempo mirando esas fotografías tuyas
Pero nunca consigo retener tu corazón
Tanto tiempo buscando las palabras para ser sincero
Pero siempre acabo rompiendo tus fotografías

No había nada en el mundo que deseara con más fuerza
Que sentirte en lo más profundo de mi corazón
No había nada en el mundo que deseara con más fuerza
Que no sentir nunca la ruptura
Todas tus fotografías

Que lo disfruteis!!

De todos los amores que he ganado o perdido
Hay uno con el que nunca debería haberme cruzado
Era una chica entre un millón, amigo
Debería haber sabido que a la larga ella saldría ganando

Soy un perdedor
Y he perdido a alguien que apreciaba
Soy un perdedor
No soy lo que parezco

Aunque me ría y actúe como un payaso
Bajo la máscara tengo el ceño fruncido
Mis lágrimas caen como lluvia del cielo
¿Es por ella o por mí que lloro?

Soy un perdedor
Y he perdido a alguien que apreciaba
Soy un perdedor
No soy lo que parezco

¿Qué he hecho yo para merecerme esta suerte?
Comprendo que me fui demasiado tarde
Y es verdad que el orgullo anuncia la caída
Te lo digo para que no lo pierdas todo

Soy un perdedor
Y he perdido a alguien que apreciaba
Soy un perdedor
No soy lo que parezco.

Todos los días son como los domingos,
todos los días son silenciosos y grises.

Escondido en la rambla escribí una postal…
… cómo desearía tanto no estar en este lugar,
en la única ciudad del este
que olvidaron bombardear…
viene, viene, viene la bomba nuclear…

Todos los días son como los domingos,
todos los días son silenciosos y grises.

Caminando de regreso sobre arena y cantos rodados,
un polvo extraño se aloja en tus manos…
y en tu rostro… en tu rostro…

Todos los días son como los domingos,
… gánate un menú barato…
toma conmigo un poco de té grasiento…
todos los días son silenciosos y grises.

Director: Neill Blomkamp

Intérpretes: Sharlto Copley, Jason Cope, Nathalie Boltt, John Sumner, David James, Mandla Gaduka

Hace algún tiempo, en Computer Age dedicábamos un artículo a Grita libertad. Pues bien: si en Padre de familia pudimos ver la serie Cosmos de Carl Sagan en una versión orientada a paletos, podría decirse que District 9 es la versión para canis del potente alegato antirracista de Richard Attenborough, salvando las distancias (siderales en cualquier aspecto) existentes entre ambas películas.

¿Quiere esto decir que District 9 es una película mala? Pues no necesariamente, pero hay que tener muy en cuenta el “target” al que va dirigido potencialmente este producto. Si tiene usted el coeficiente intelectual de una ameba prehistórica fosilizada, o bien si considera que Los Morancos y Haze son sus referentes culturales indiscutibles, entonces está de enhorabuena. El público algo más exigente ha de tener la precaución de aparcar el cerebro en alguna parte (aunque sea en segunda fila) antes de disponerse a ver la película, y procurar no hacerse demasiadas preguntas si no quiere empezar a encontrarse con incongruencias y otros aspectos del argumento sostenidos con pinzas. Si seguimos estas instrucciones District 9 se deja ver y resulta entretenida, cumpliendo su función primordial de sacar de la realidad durante un rato a los estudiantes de la LOGSE y demás potenciales aspirantes a reponedores del Carrefour, que tampoco es cuestión de que a esta gente le reviente la cabeza pensando y por ello le lluevan las demandas a la productora por homicidio involuntario, oigan.

Personalmente, la sensación que me quedó tras haber visto la cinta fue la de una gran idea que los guionistas decidieron arrojar por la taza del water, para que acto seguido el director terminase mandándola a tomar por culo tirando de la cadena. Incluso una película tan poco intelectual como Alien Nation, un claro espejo en el que District 9 se mira sin pudor de vez en cuando, profundizaba más que la que nos ocupa en las relaciones de los humanos con una raza de inmigrantes extraterrestres, y clarificaba mucho más (y de forma mucho más lógica) los motivos por los cuales la gente miraba a aquellos “Recién Llegados” con desprecio. En el caso de District 9, los dos primeros tercios de metraje parecen justificarse solamente como débil hilo conductor que ha de llevarnos a lo que realmente importa: la ensalada de hostias y gore de la última media hora; una secuencia directamente pergeñada con el ánimo de que el Richal de turno comience definitivamente a babear de gusto mientras le pone la mano en las tetas a su Choni habitual.

Es una verdadera pena que, teniendo entre manos una idea potencialmente tan buena, los creadores de la cinta no se hayan atrevido no ya a plantearse una huída hacia delante (algo inconcebible en el cine comercial actual), si no al menos a dar un pasito en esa dirección. Se han limitado a tomar el camino fácil para contentar al público que suele acudir hoy día a una sala de cine, el cual curiosamente opta en su mayoría por descargarse las pelis de Internet. Decir que el cine ya no es lo que era es una perogrullada, pero es que son los dueños del negocio los que, con cosas como esta, se están llevando ni más ni menos que lo que se merecen.

Cuando el sol de la mañana se refleja en tu rostro, realmente muestra tu edad
pero esto no le preocupa a mis ojos, ya que para mí tú eres todo,
me he reído de todas tus bromas, no necesitas persuadirme,
oh Maggie no podía seguir intentándolo más,
tú me alejaste de mi casa sólo para evitar quedarte sola,
me robaste el alma y ese es un dolor que no puedo evitar.

Todo lo que necesitaba era una amiga que me diera una mano,
pero tú te volviste mi amante y
madre, que amante, tú me desgastaste,
todo lo que hiciste fué destrozar mi cama,
y a la mañana patearme la cabeza,
oh Maggie no podía seguir inventándolo más,
tú me alejaste de mi casa porque tú no querías estar sola,
me robaste mi corazón y no podría dejarte si tratara.

Supongo que puedo agarrar mis libros y volver nuevamente al colegio,
o robar el taco de mi padre y vivir de jugar al pool,
o encontrarme una banda de rock and roll que necesite una mano,
oh Maggie, desearía nunca haber visto su rostro,
tú me haces sentir como un tonto de primera clase,
pero yo estoy tan ciego como un tonto puede estar,
robaste mi corazón, pero igualmente yo te amo.

oh Maggie, desearía nunca haber visto su rostro,
tendré que volver a casa en estos días.

Beatles Para siempre: 25 años desde “Love me do”. Anexo “11 obras maestras, los álbumes de los Beatles”
Autor original: Agustín Sánchez Vidal
Publicado en Muy Interesante, número 77. Octubre 1987
http://www.muyinteresante.es/

Comentarios al texto (en negrita cursiva) por Leo.

Portadas de los cuatro primeros LPs de The Beatles.

The Beatles: Grabado en 16 horas y lanzado en abril de 1963, contenía siete títulos compuestos por Lennon y McCartney (algo insólito hasta la llegada de los cantautores). Un EP extraído del álbum, cuyo tema principal era Tiwst and shout, fue su primer éxito en España.

With The Beatles: Publicado el 22 de noviembre de 1963, de cara a las navidades, incluía siete temas propios y una original portada, muy imitada después. Sale sin single de apoyo, con entidad propia y no como una recopilación de éxitos. La canción I want to hold your hand les abre las puertas del mercado USA.

A hard day´s night. Editado el 10 de julio de 1964, es un más difícil todavía: un LP de encargo íntegramente compuesto por John y Paul para servir de banda sonora a una película. Un éxito total apoyado por el film.

Beatles for sale: Como indica el título, es un saldo de Beatles. Agotados después del esfuerzo de la película, hacen ocho composiciones a trancas y barrancas para el LP, que sale el 27 de noviembre de 1964. Baja el nivel de calidad, pero aun así hay innovaciones en temas como Eight days a week o I feel fine.

Help!: Publicado en Agosto de 1965 como banda sonora de la película del mismo título. No es tan homogeneo como A hard day´s night, pero hay novedades como la influencia de la droga (marihuana todavía) en Help!, de Dylan en You´ve got to hide your love away, y la famosísima Yesterday, cantada en solitario por Paul.

Rubber soul: 3 de diciembre de 1965. Se insiste en el álbum concebido como un todo, a base de encerrarse en el estudio de grabación. Dos importantes composiciones de Harrison: Norwegian Word y If i needed someone.

No pocos sostienen que Help! y Rubber Soul marcan la frontera entre los primeros Beatles, comparables de alguna forma a las posteriores “boy bands” y musicalmente desenfadados, y la banda que vendría a partir de entonces. La transición desde la mentalidad juvenil a otra más adulta propiciada por el paso de los años, influencias como las de las drogas y el pasar horas y más horas experimentando en el estudio de grabación, dieron como resultado un grupo musicalmente mucho más sólido, aunque a cambio terminó perdiendo la frescura de los primeros tiempos.

Revolver: Editado el 5 de agosto de 1966, marca una ruptura en su trayectoria. Se saca el máximo partido del estudio de grabación, y el ritmo de producción baja de dos a un álbum anual. Para muchos, el LP cumbre de los Beatles, o el que mejor ha envejecido.

Sgt. Pepper´s lonely hearts club band: Influidos por el LSD, se encierran nueve meses en el estudio de grabación. Cuando el álbum aparece el 1 de junio de 1967, es el primer LP concebido como un todo, una larga suite cuyas piezas no pueden alterarse sin romper la unidad del conjunto. Su look ha cambiado: bigotes y aires pseudointelectuales.

The Beatles (white album): Aparecido en noviembre de 1968, es doble y significa una vuelta a los orígenes. Ya no actúan como grupo, si no como entidades separadas y con invitados, como Eric Clapton, que toca con Harrison While my guitar gently weeps.

Abbey road: 26 de septiembre de 1969. Su último LP como grupo, se grabó después de let it be, pero acabó lanzándose antes. Paul domina la cara A y John la B, pero los mejores resultados son de George con Something y Here comes the sun.

El cenit creativo de los Fab Four reunido en una única imagen. Cuatro clásicos indiscutibles cuya influencia ha traspasado el ámbito de la música popular: el paso de cebra de Abbey Road se hizo muy famoso nada más publicarse el LP que tomó el nombre de la, hasta entonces, casi anónima calle. Hoy día es una visita obligada para los millones de turistas que llegan a Londres cada año, quienes no pierden la oportunidad de fotografiarse posando como los Beatles en aquella portada ya mítica.

Let it be: Publicado el 8 de mayo de 1970, cuando ya cada miembro del grupo iba por libre. Los productores George Martin, Glyn Johns y Phil Spector se encargan de hacerlo comercializable. El trabajo de Phil Spector, responsable último de la producción del disco, levantó suspicacias desde el principio incluso entre los propios Beatles. Lennon lo elogió, pero McCartney nunca se cansó de expresar su disgusto ante el aspecto que el famoso “muro de sonido” de Spector había otorgado al disco.  Finalmente Paul se salió con la suya, y en 2003 se publicó Let it be… naked a partir de una idea original del propio ex Beatle y en el que, como el nombre indica, Let it be se nos presenta “desnudo” de toda la sobreproducción característica de Spector.

Pincha aquí si quieres leer “Beatles para siempre: 25 años desde “Love me do”.

¿Leño? pues si, Leño, porque me parece que Rosendo Mercado es uno de los interpretes mas infravalorados de este puto país y porque tiene canciones como la copa de un pino, y bueno, porque con este infierno de calor, este Madrid también me parece una mierda

Rock hispano, heavy rock, indie rock… en Computer Age nos quedamos con todo!!!

Ven, entra
Tengo que decirte en el estado que me encuentro
Tengo que decirte a gritos
Que comencé a buscar una señal de aviso

Cuando la verdad es…
Te extraño..
Si, la verdad es…
Que te extraño , tanto….

Aviso de precaución
Regresaste para embrujarme y me di cuenta
Que eras una isla y te pase por alto
Tu eras una isla por descubrir

Ven, entra
Tengo que decirte en que estado me encuentro
Tengo que decirte a gritos
Que comencé a buscar por una señal de aviso

Y la verdad es
Te extraño..
Si la verdad es
Te extraño tanto…
Y estoy cansado
Nunca debi dejar que te fueras

Así que regreso arrastrándome a tus brazos abiertos
Si, regreso arrastrándome a tus brazos abiertos
Y regreso arrastrándome a tus brazos abiertos

¿De que disco se trata?

Respuestas por favor, en los comentarios de esta entrada

Un saludo

Pero dentro me pregunto
si duraré mucho
no será que estoy quemando
mi último cartucho
porque a decir verdad
no soy auténtico
y engañar al personal
es muy polémico.

Partí solo, con la mente en blanco
Necesito tiempo para pensar y ver los recuerdos de mi mente
Lo que vi puedo creerlo
Que lo que vi aquella noche fue real y no solo fantasía
Lo que vi, en mis viejos sueños
Fueron reflexiones de mi deformada mente
Porque en mis sueños, siempre esta ahí,
Esa malvada cara que retuerce mi mente y me desespera

La noche era negra, no tenia sentido volver
Pues lo único que podía ver era alguien mirándome
En la niebla oscuras figuras se mueven y retuercen
Era todo esto verdad o solo una especie de infierno

666 el número de la bestia
Infierno y fuego fueron engendrados para ser liberados

Las antorchas brillaban y cantos sagrados se rezaban
Empezaron a gritar, manos alzadas al cielo
Por las noches, las llamas arden brillantes
El ritual ha empezado
El trabajo de Satán esta hecho

666 el número de la bestia
El sacrificio se lleva a cabo esta noche

Esto no puede continuar, tengo que informar a la ley
Sigue siendo real o solo un loco sueño?
Pero me siento atraído por los cantos de la horda del mal
Ellos parecen hipnotizarme… no puedo evadir sus ojos

666 el número de la bestia
666, lo único para ti y para mi

Volveré, Regresare
Y poseeré tu cuerpo y te haré arder
Tengo el fuego, tengo la fuerza
Tengo el poder para hacer que mi maldad siga su curso

Campos de exterminio nacis, mutilaciones, trepanaciones, satanismo, mucha, pero mucha velocidad y mucha, pero que mucha mala leche es lo que este “Reign In Blood” escupe en la cara del oyente. Sinceramente, recomiendo pasar primero por Metallica o Sepultura (parecen a su lado Spandau Ballet) para acomodar el cerebro a esta autentica catarsis de odio que es por derecho propio uno de los pilares del metal moderno.
Publicado en 1986, la salida del quinto disco de estudio de Slayer supuso una autentica bofetada de aire fétido en el a menudo inmovilista mundo del heavy metal. Tras aquellos primeros discos que anticipaban el caos, Rick Rubin cogió aquí las riendas de la producción para conseguir, según sus palabras, que se escuchasen todos los instrumentos dentro de aquel gigantesco muro de sonido. El conjunto quedo comprimido en apenas media hora, 30 minutos que servirían perfectamente para lobotomizar al bacala mas recalcitrante.
Tom Araya y los suyos, con especial mención al INCREIBLE batería Dave Lombardo, están aquí perfectamente sincronizados, tocan rápido, si, extremadamente rápido, pero todo esta en su sitio, cada riff, cada solo, cada golpe de caja esta donde tiene que estar, y todo el conjunto fluye con un único fin que es el de horrorizar y escandalizar al oyente. El tema inicial, ese “Angel Of Death” que es todo un himno, es una canción dedicada al criminal naci Joseph Mengele y la letra cuenta, con todo lujo de detalles, las abominaciones perpetradas en su nombre en Auswitch.
No hay pausas, y los diez temas se suceden uno tras otro mostrándonos nuevos horrores a toda velocidad, hasta cerrar con esa magistral “Raining Blodd” que acompañan en sus conciertos con una lluvia de sangre.
Este disco es considerado el iniciador del llamado Speed Metal, y es por derecho propio (a base de ostias) uno de los pilares del rock extremo moderno.
Un disco en definitiva que todo aquel fan de la música rock con amplitud de miras debería escuchar al menos una vez en su vida. Aunque cuidado, duele…

Directores: Pete Docter, Bob Peterson

Intérpretes (doblaje V.O.): Edward Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai, Bob Peterson, Delroy Lindo, Jerome Ranft

Los chicos de Pixar llevan años demostrando que son los mejores en el terreno de la animación digital. Desde que en 1995 estrenaron Toy Story, una verdadera revolución por aquel entonces que, además, arrasó en taquilla, John Laseteer y sus huestes no se han bajado de un carro al que, con el tiempo, otros se han ido subiendo con mayor o menor fortuna. A día de hoy el logo de Pixar es marchamo de calidad, no ya por las habilidades técnicas de las que la casa hace gala con cada nueva película, si no por el hecho de que dichas películas van mucho más allá del simple cine de animación para niños “made in Disney” que todos estábamos acostumbrados a ver hasta que esta gente irrumpió en escena. La originalidad y el atrevimiento de sus propuestas se ha ido plasmando en guiones cada vez más próximos a lo que podríamos llamar “películas de verdad”, que sin dejar de ser aptas para todos los públicos pueden ser vistas por niños y mayores, sin que los primeros se aburran ni los segundos piensen necesariamente que están viendo una peli para críos.

En Up todas las premisas arriba citadas se cumplen casi al pie de la letra. Una vez más la propuesta que da pie al filme es atrevida y original: un vejete cascarrabias, harto de la mierda de mundo en que vive, decide un buen día atar a su casa un montón de globos para irse volando a Sudamérica montado en ella. Partiendo de esa idea tan descabellada, los guionistas construyen una historia que por momentos parece beber de las fuentes del Cuento de Navidad de Dickens, pero que enseguida te llama la atención y te engancha a la pantalla. La primera media hora de metraje es un cañón, con un tramo de diez minutos tras la secuencia de inicio que es absolutamente magistral. Pero por desgracia no todo iba a ser perfecto, y la culpa de que el tinglado comience a flaquear la tiene presumiblemente Disney, que por algo maneja los hilos aquí y pronto mete baza con el puto criajo de los cojones el típico niño presente en cualquier peli Disney que se precie, dispuesto a darnos lecciones de moralina casposa. No es que entonces la cinta se venga abajo, que no lo hace ni mucho menos, pero en el momento en que el infante empieza a compartir protagonismo con el Sr. Fredericksen la acción se resiente considerablemente. Por fortuna el niño, aunque repelente, no lo es tanto como nos podríamos temer y más o menos se soporta. Pero resulta evidente que es un lastre, que no aporta nada importante a la trama. La peli se podría haber hecho perfectamente sin él, y lo cierto es que si nos la imaginamos sin él probablemente lleguemos a la conclusión de que ésta podría haber ganado unos cuantos enteros más, dándose vía libre para mantener un tono más adulto a lo largo de todo el filme, sin tantos brindis a la audiencia más infantil.

Esto no quiere decir necesariamente que Up sea decepcionante o mala. Al contrario: aún con sus “peros” la película es divertida y está repleta de momentos buenos, otros muy buenos, y unos pocos simplemente sensacionales. Si eres niño te lo pasarás muy bien con una historia que combina sabiamente diversión, amor, amistad y aventuras; y si eres mayor y así lo deseas, tampoco te sentirás tratado como un niño por un guión que por momentos admite una lectura entre líneas tremendamente seria e intimista. Como guinda al pastel, en esta ocasión incluso el doblaje al castellano es bastante aceptable, con el gran Luis Varela prestando su voz al Sr. Fredericksen. De la parcela técnica no hace falta comentar nada porque Pixar lo borda, como siempre, aunque ya puestos dejo claro que no merece la pena ver la película en formato 3D: la sensación de profundidad está mucho menos conseguida de lo que a priori podríamos imaginar, y para colmo la imagen pierde en colorido y contraste respecto a los tradicionales 35 mm.

Si no conociese la diferencia,
vivir solo probablemente estaría OK
No seria estar solo.
Tengo un largo camino por delante
Me voy muy lejos.

Ocupar un montón de horas era fácil
cuando aun no te conocía,
las cosas que tengo que olvidar…
Pero mejor estar tranquilo ahora,
Estoy cansado de malgastar mi aliento
cargando con esto, sintiéndome mal.

Quizás tenga un problema,
pero eso no es lo quería decir.
Prefiero no decir nada.
Tengo un largo camino por delante
Me voy muy lejos.

Tuve un sueño en el que era un soldado
con la orden de desfilar
pero un soldado enemigo
me grita en la cara

Pero mejor estar tranquilo ahora,
Estoy cansado de malgastar mi aliento
cargando con esto, sin superarlo aun.
Me gustaría saber que estas haciendo.
Y por que quieres hacerlo así.
Aun no puedo cubrir la distancia
Tengo un largo camino por delante
Me voy muy lejos.
Tengo un largo camino por delante
Me voy muy lejos.

El tiempo no significaba nada, nada parecía real
Si, besabas como fuego y me hacías sentir
Como si cada palabra que decías fuese real
No podría haber sido tan fácil olvidarme

Baby, Incluso los perdedores tienen suerte a veces
Baby, incluso los perdedores, mantienen un poco de orgullo,
tienen suerte a veces

Dos coches aparcan en el paso elevado, las rocas golpean el
agua como cristal roto
Debería haber sabido entonces que era demasiado bueno para durar
Dios, es una lata tener que vivir en el pasado

Baby, Incluso los perdedores tienen suerte a veces
Baby, incluso los perdedores, mantienen un poco de orgullo,
tienen suerte a veces

Director: Richard Lester

Intérpretes: The Beatles (John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr), Leo McKern, Eleanor Bron, Victor Spinetti, Roy Kinnear

Llegado 1965, la Beatlemanía estaba en su máximo apogeo, aunque no eran muchos los conscientes de la importancia capital que, para la música popular, tenía lo que estaban viviendo. Por aquel entonces, la mayoría de la población veía a los Beatles como una especie de “boy band” al estilo de las que se pondrían de moda en los años 90, salvando las distancias. Una moda pasajera liderada por una cuadrilla de melenudos, con poco que ofrecer más allá de su capacidad para provocar incidentes allí donde osaran hacer acto de presencia, soliviantando a la iletrada y asilvestrada juventud que escuchaba sus demoníacos discos. Como tal moda eran vistos hasta por miembros de su propio entorno, que se aprestaron a exprimir la gallina de los huevos de oro mientras fuera rentable. Los Beatles no paraban de currar, dando rienda suelta a su talento en discos primero y en películas después. Un año antes, en 1964, la banda había rodado su primer largometraje, Qué noche la de aquel día, con un notable éxito tanto de crítica como de público. Aquello animó a los tipos que dirigían la “Beatleindustria” a repetir la fórmula reuniendo al mismo equipo responsable del primer filme. El resultado sería Help!

Rodada con algo más de tiempo y presupuesto que en el caso de Qué noche la de aquel día (aquella película se rodó a toda hostia para rentabilizar al máximo el “boom” del fenómeno Beatles), en Help! se buscó sacar partido de la fama de cachondos e irreverentes que tenían los cuatro de Liverpool (particularmente John y Ringo) para mostrarlos como una especie de hermanos Marx del pop, tal como señalaba Agustín Sánchez Vidal en el artículo que reprodujimos hace un tiempo. Por tanto la película se caracteriza por el absurdo y el surrealismo que rodea a muchas situaciones, en consonancia con la forma de ser del director, Dick Lester, y de los propios Beatles. El sentido del humor que todos compartían junto con buenas dosis de “maría”, pan de cada día en el plató, contribuyo a hacer más distendido el ambiente en un rodaje problemático, principalmente a causa de las premuras de tiempo impuestas por los productores, los caprichos de éstos y de Brian Epstein (suya fue la idea de obligar al equipo a desplazarse a Nassau para rodar algunas secuencias) y el inmisericorde acoso de los fans, que obligaba a suspender el rodaje más de una vez.

El resultado de todo esto no puede calificarse como demasiado brillante. Dado que no era posible repetir el esquema pseudo documental de Qué noche la de aquel día, para Help! se hizo un guión más tradicional, con un argumento en el que una secta hindú adoradora de la diosa Khali persigue a Ringo para arrebatarle un anillo sagrado. Pero los Beatles no eran actores ni mucho menos (menos aún bajo los efectos de la marihuana) y el guión forzaba muchas de las situaciones de supuesta comedia, que vistas hoy casi producen vergüenza ajena en más de una ocasión. De esta forma, la película queda reducida a un vehículo para justificar la presencia de los Fab Four en cada plano, dado que para eso se montó este tinglado: para dar a su público objetivo lo que quería y, ya puestos, hacer negocio a cambio.

El mayor mérito cinematográficamente hablando lo tiene Richard Lester, un buen director que saca todo el partido posible de lo que tiene entre manos, haciendo uso de buenas ideas para presentar una especie de cómic con una estética muy colorista y desenfadada, fiel reflejo de la juventud del momento que vivía sus esperanzas de cambio social inmersa en el pop art y a las puertas de la psicodelia y del hippismo. Respecto a la música huelga decir nada, por supuesto, aunque resulta curioso que ésta no sea protagonista de la película tal y como uno podría imaginarse inicialmente. De hecho, sólo aparece un puñado de canciones del disco que en teoría se presenta como la banda sonora del filme (por citar sólo un ejemplo, Yesterday no aparece por ningún lado). Además las secuencias en que los Beatles interpretan sus temas están insertadas con calzador dentro del metraje, lo que produce una sensación cuanto menos extraña. Eso sí: dichas secuencias están generalmente muy bien rodadas, con un estilo dinámico y rompedor para su tiempo que preludiaba lo que luego serían los archiconocidos videoclips. De hecho, muchos años después la propia MTV bautizaría a Dick Lester como el padre del género, a lo que el realizador, fiel a su estilo, respondió enviando una carta a los jefes de la cadena exigiendo que se sometieran a una prueba de paternidad. Genio y figura, vaya.

Mientras te alejas, piensa en toda la dicha que compartimos
Si tu decides que me necesitas, estaré preguntándome si me importa
No estaré allí para aliviar tu alma, de amigo a amigo compasivo
Creo que nuestro amor esta llegando a un final

Rey persuasivo, felicidades
Compartes su corazón, vendiste su alma
Princesa confundida, vuelve conmigo
Decir adiós fue tan divertido

Mientras te alejas, siente la libertad en tu corazón
Hay una dicha en dejarte ir, libre de buscar otro amor
Cuando pierdo el control, necesito un amable, comprensivo amigo
Pero creo que nuestro amor esta llegando a su fin
Se que nuestro amor esta llegando a su final

Enviaré un S.O.S. al mundo
Enviaré un S.O.S. al mundo
Espero que alguien recoja mi
Espero que alguien recoja mi
Espero que alguien recoja mi
Mensaje en una botella.

Ha pasado un año desde que escribí mi nota
Pero debería haber sabido esto desde el principio
Sólo la esperanza puede mantenerme cuerdo
El amor puede arreglar tu vida
Pero puede romperte el corazón.

Enviaré un S.O.S. al mundo
Enviaré un S.O.S. al mundo
Espero que alguien recoja mi
Espero que alguien recoja mi
Espero que alguien recoja mi
Mensaje en una botella.

Salí a dar una vuelta esta mañana
No vas a creer que vi
Cien billones de botellas
Arrastradas por el mar en la playa
Parece que no estoy solo
Cien billones de náufragos
Buscando un hogar

Enviaré un S.O.S. al mundo
Enviaré un S.O.S. al mundo
Espero que alguien recoja mi
Espero que alguien recoja mi
Espero que alguien recoja mi
Mensaje en una botella.

Yo podría haber sido tu pilar,
podría haber sido tu puerta
Podría haberme quedado a tu lado,
haberme quedado más tiempo
Podría haber sido tu estatua,
podría haber sido tu amigo
Y el final podría haber sido toda una larga vida
Yo podría ser tuyo sinceramente
Yo sería, yo debería ser, completamente
Yo podría haber sido
Una de estas cosas primero
Yo podría haber sido
Una de estas cosas primero.

Yo podría haber sido un silbato,
podría haber sido una flauta
Un donante de carne y hueso,
podría haber sido una bota
Podría haber sido un poste indicador,
podría haber sido un reloj
Tan simple como una tetera,
tan firme como una roca
Yo podría incluso estar aquí
Yo estaría, yo debería estar muy cerca
Yo podría haber sido
Una de estas cosas primero
Yo podría haber sido
Una de estas cosas primero.

Nunca he sido un fan del Heavy Metal, siempre he observado con recelo a esos personajes de camiseta negra, greñas y “yumas”, pero siempre he intentado ampliar mis horizontes musicales añadiendo nuevos grupos a mi catalogo, y desde que Internet entró en nuestra vida es algo mucho mas fácil, que duda cabe.
El disco que me hizo entrar en el universo de Metallica fue “Master of Puppets”, y es que ese inicio, enlazando “Battery” y “Master of Puppets” deja sin argumentos hasta al poppy mas recalcitrante, una auténtica locomotora imparable.
La banda se presentaba en Madrid tras la publicación de su notable último disco, “Death Magnetic”, un disco rocoso y sólido que dejaba atrás los titubeos de trabajos anteriores, y el concierto se basó principalmente en los temas de este disco, recuperando al tiempo clásicos del grupo del calibre de “One”, “Fight Fire With Fire” o esa tremebunda “Seek and Destroy” de su primer disco que utilizan de cierre en esta gira.
La puesta en escena, con los cuatro músicos situados en un ring montado en el centro de la pista del Palacio de los deportes, con Ataudes que bajaban, llamas y rayos laser, acompañaba a la perfección la contundencia del sonido de Metallica, y es que parece mentira que estos tipos tengan la edad que tienen, ya que James Hetfield y los suyos demostraron una vitalidad y una fortaleza realmente arrolladoras.
En definitiva, un verdadero espectáculo y una delicia de concierto. Ningún aficionado al buen rock and roll debería dejar la oportunidad de ver a Metallica en directo. Yo desde el lunes solo puedo decir una cosa: “Master, master!!!!!!”.

Para quién bailas
Quién te hace brillar
A quién elegirás ahora
Si no vas a elegirme a mí
Por quién tendrás esperanza
Quién puede ser
A quién tomarás ahora
Si no vas a tomarme a mí
Y dime ahora
A quién amarás más que a nadie.

Se despierta, se maquilla
Se toma su tiempo y no cree que tenga que darse prisa
Ya no te necesita

Y no ves nada en sus ojos
Ninguna señal de amor tras las lágrimas derramadas por nadie
Un amor que debía haber durado años

La deseas, la necesitas
Y sin embargo no la crees
Cuando dice que su amor ha muerto, crees que te necesita

Y no ves nada en sus ojos
Ninguna señal de amor tras las lágrimas derramadas por nadie
Un amor que debía haber durado años

Te quedas en casa, ella sale
Dice que hace tiempo conoció a alguien pero que ahora
Se ha ido, ya no le necesita

Tu día empieza, te duele el alma
Llegará un momento en que todo lo que ella dijo llenará tu cabeza
No la olvidarás

Y no ves nada en sus ojos
Ninguna señal de amor tras las lágrimas derramadas por nadie
Un amor que debía haber durado años

Yo le dije, “¿Quién te ha puesto todas esas cosas en el pelo?
Cosas que me vuelven loco
Y me haces sentir como si nunca hubiese nacido”

Ella me dijo, “No entiendes lo que te he dicho”
Yo le dije, “No, no, no, estás equivocada
Cuando yo era niño
Todo era perfecto, todo era perfecto”

Yo le dije, “Aunque sepas lo que sabes
Yo sé que me iré en cualquier momento
Porque me haces sentir como si nunca hubiese nacido”

Ella me dijo, “No entiendes lo que te he dicho”
Yo le dije, “No, no, no, estás equivocada
Cuando yo era niño
Todo era perfecto, todo era perfecto”

Yo le dije, “Aunque sepas lo que sabes
Yo sé que me iré en cualquier momento
Porque me haces sentir como si nunca hubiese nacido”

Ella me dijo, “Yo sé lo que es estar muerta
Yo sé lo que es estar triste
Yo sé lo que es estar muerta”