Dirigiendo la construcción de tu mente
Pruébame, ya veras
Mas es todo lo que necesitas
Estas dedicado a
Como te estoy matando

Ven arrastrándote más rápido
Obedece a tu amo
Tu vida se quemas mas deprisa
Obedece a tu amo
Amo
Amo de marionetas estoy tirando de tus hilos
Retorciendo tu mente y destrozando tus sueños
Cegado por mí, no puedes ver nada
Simplemente pronuncia mi nombre, por que te oiré gritar
Amo
Amo
Simplemente pronuncia mi nombre, por que te oiré gritar
Amo
Amo

Bordas el camino, nunca traicionas
La vida de muerte se hace mas clara
Monopolio del dolor, desdicha ritual
Descuartiza tu desayuno sobre un espejo
Pruébame, ya veras
Mas es todo lo que necesitas
Estas dedicado a
Como estoy matando

Ven arrastrándote más rápido
Obedece a tu amo
Tu vida se quemas mas deprisa
Obedece a tu amo
Amo

Amo, amo ¿donde están los sueños que he estado persiguiendo?
Amo, amo, prometiste solo mentiras
Risas, risas, todo lo que oigo o veo son risas
Risas, risas riéndote de mis gritos

El infierno vale todo esto tal cual, entorno natural
Simplemente una rima sin razón
Laberinto sin final, vagas con los dias contados
Ahora tu vida esta fuera de temporada
Yo invadiré
Yo te ayudare a morir
Yo correré a través tuyo
Ahora te domino a ti también

Amo de marionetas estoy tirando de tus hilos
Retorciendo tu mente y destrozando tus sueños
Cegado por mí, no puedes ver nada
Simplemente pronuncia mi nombre, por que te oiré gritar
Amo
Amo
Simplemente pronuncia mi nombre, por que te oiré gritar
Amo
Amo

Directores: Jerry Kramer, Jim Blashfieldm, Colin Chilvers

Intérpretes: Michael Jackson, Sean Lennon, Kellie Parker, Joe Pesci, Brandon Quintin Adams, Dante Basco

Si existe un personaje que ilustre como nadie el concepto de “juguete roto” dentro del panorama cultural ese es, sin duda, Michael Jackson. Antes de que le estallasen en la cara los escándalos que lo arruinarían social, artística y económicamente, Jackson era lo más cercano a una deidad que se había paseado por el mundo desde tiempos de los emperadores romanos. Su poder, influencia y tirón popular eran tan grandes que, por poner un solo ejemplo, en el Otoño de 1991 hasta los mismísimos U2 decidieron retrasar un mes el lanzamiento de su nuevo LP, el más que sobresaliente Achtung baby, para que su puesta de largo no coincidiese con la de Dangerous.

Si esto les ha parecido exagerado mejor no hablemos de los 80, años en los que, junto a Steven Spielberg, Michael Jackson se convirtió en la máxima representación de la cultura de masas yanki, que vivía por entonces su máximo esplendor comercial. Su nombre y su música eran reconocidos por todo el globo, su presencia en los medios era casi continua y cualquier noticia relacionada con él, por absurda que ésta fuese, era objeto de primera plana y provocaba auténticos terremotos. Con el mundo en sus manos, el Rey del Pop decidió que su siguiente paso sería encumbrarse en el mundo del celuloide de la mano de Spielberg, quien era uno de sus más íntimos amigos. Jackson ya había hecho pinitos como actor en sus propios videoclips, como el de Thriller, y había protagonizado Capitán Eo, un despliegue de alta tecnología aplicada al cine dirigido por Francis Ford Coppola a mayor gloria del artista, y destinado a su exhibición en el EPCOT, la atracción estrella del Disneyland de Orlando.

Con estos antecedentes, no sorprende la enorme expectación producida cuando se supo que Michael Jackson iba a protagonizar una película. Incluso los detalles más insignificantes se mantuvieron en secreto hasta el último momento. De este modo, cuando la productora empezó a permitir filtraciones a la prensa sobre lo que se estaba cociendo, el filme estaba en boca de todo el mundo y tenía el éxito asegurado, a pesar de que en Estados Unidos sólo sería comercializado en video. Fuera de allí, empero, sí se mostraría en pantalla grande, y baste decir que cuando el estreno se aproximaba, Televisión Española programó en primicia el video de Smooth Criminal (que servía como trailer de presentación) en horario de máxima audiencia. Lo que siguió fue un estado de locura colectiva entre los fans como no se recordaba desde los Beatles, con cines cuya cola para la venta de entradas daba un par de vueltas al edificio y griteríos ensordecedores ya dentro de la sala, que apenas permitían escuchar nada durante la proyección.

Todo esto quizás haga que más de uno suelte una sonrisa socarrona, por cuanto el devenir de los años ha hecho que Jackson haya pasado de ser objeto de admiración y respeto a serlo de mofa y escarnio. Y más cuando uno se atreve con la película, sin duda uno de los ejercicios cinematográficos más demenciales jamás filmados. La cosa va de una gran estrella de la música (adivinen ustedes de quién se trata) que, entre canción y canción, se dedica a combatir a un poderoso esbirro del mal y a demostrar de paso su amor por los niños (sic). Resumiendo: hay que tener unas pelotas de acero para ser capaz de tragarse Moonwalker entera, porque dejando a un lado los videoclips (de los que hablaremos un poco más adelante) la película es mala como el peor pecado. Lo era en su momento (a mí al menos no me gustó nada de nada) y no digamos ya ahora, con su protagonista convertido en la sombra (si llega) de lo que un día fue. Aun así, se pueden sacar conclusiones muy interesantes del visionado, comenzando por el hecho de que nunca se volverá a rodar una película como esta porque ya no hay superestrellas musicales del calibre de Michael. Dejando a un lado su caso, sobradamente conocido a estas alturas, quienes un día compitieron con él en el particular Olimpo de los “charts” tampoco son ya lo que fueron, y los pobres diablos que actualmente contaminan con su presencia lo más alto de las listas de éxitos no serían la millonésima parte de lo que Michael fue ni aunque viviesen veinte vidas seguidas.

En el caso de Moonwalker esto se nota en la parcela audiovisual que Jackson mejor dominaba: los videoclips. Es ahí cuando el Rey del Pop nos dice “aquí estoy yo, ¿qué pasa?” y junto a su fiel escudero, el inefable Quincy Jones, nos demuestra la enorme capacidad que atesoraba por aquel entonces para convertir en himno pop cualquier cosa escrita sobre un pentagrama. Esto queda patente sobre todo durante la escena del Smooth Criminal, tal vez uno de los peores temas del repertorio de Jackson: claramente una canción de relleno (sirvió de “despedida y cierre” para Bad), más simple que el mecanismo de un botijo y alargada en Moonwalker hasta el aburrimiento, por decirlo de un modo suave. Pero ahí la tenemos, convertida en éxito y logrando que aun hoy más de uno tararee su machacón y absurdo estribillo tras escucharla. Y no hace falta decir que el clip que la acompaña está muy bien hecho, aunque no se puede esperar menos en una cinta rodada en plena apoteosis del género, además protagonizada por uno de los músicos que más partido sabía sacarle presupuesto mediante. A título particular yo me quedo con Leave me alone, auténtica declaración pública llena de mala leche contra lo absurdo del acoso mediático, envuelta con una música de lo más pegadiza y, para la ocasión que nos ocupa, un videoclip de lo más espectacular, auténtico monumento a las técnicas de “stop-motion”. Tal vez lo mejor de la película.

Aunque de Michael Jackson se podrían decir muchas cosas y no todas precisamente buenas (también en la parcela artística además de en la personal), nadie puede poner en tela de juicio lo que fue, su influencia en la música popular ni su legado, incluyendo esta Moonwalker. Que sí, vale: que es una “sobrada” que destila un narcisismo egocéntrico digno de una tesis doctoral de psiquiatría, y que encima es un bodrio difícilmente soportable si nos olvidamos de los videoclips. Pero es un fiel reflejo de unos años, los 80, que fueron a la música pop lo que los 90 al mundo de la moda y que, nos guste o no, tuvieron momentos de grandeza que ya nunca se volverán a repetir.

P.D: Este articulo fue publicado originalmente hace unos meses, el 18 de noviembre del año pasado, vuelve a portada como homenaje de Computer Age a Michael Jackson

Parecía una cosa tan fácil
Seguir tu propio sueño
Pero la posesión y la concesión
A menudo no son lo que parecen
Te cargan y te hunden
Bajo esa apariencia de seguridad
Pero nunca nos vimos en tales asuntos
En los viejos tiempos.

Háblame, mi viejo amigo perdido
Dime cómo estás
¿Estás contento con tu situación?
¿Tienes un coche nuevo?
¿Te lleva adonde quieres ir,
Con una garantía de siete años
O simplemente otras cien mil millas de distancia
De los viejos tiempos.

Una y otra vez, mi amor.
Una y otra vez, contigo.
Una y otra vez, mi amor.
Una y otra vez, contigo.

Recuerdo las noches de amor
y aquella vez en la playa.
Realmente no ha pasado tanto tiempo
pero lo estamos pagando
y ahora está fuera de alcance.
Estas cosas son así.
Una y otra vez.

Una y otra vez, mi amor.
Una y otra vez, contigo.
Una y otra vez, mi amor.
Una y otra vez, contigo.

En algún lugar del fuego del amor
nuestros sueños se esfumaron.
Bailamos bajo la plateada lluvia
sobre los verdes pastos
cuando el tiempo no contaba
y ahora el sentimiento
sigue siendo el mismo.
Una y otra vez.

Una y otra vez, mi amor.
Una y otra vez, contigo.
Una y otra vez, mi amor.
Una y otra vez, contigo.

¿Por qué sigo cagandola?

Puedo verte en una colina,
Noqueada pero aún de pie
Arrugas debajo de
tu vestido suelto.
Solo puedo
hacerte sentir peor

¿Por qué sigo cagandola?

Perros que chupan
y perros que muerden.
Jaurías que aúllan
a través de la noche.
Las correas rotas
esparcidas por el suelo.
Las llaves siguen colgando
en una puerta giratoria

¿Por qué sigo cagandola?

Sigo cagandola!!

Esa vieja línea blanca
era amiga mía
Y hemos pasado
buenos ratos
Ahora mismo voy rodando
por la vacía carretera
Y la luz del día
pronto romperá.

Fui a la deriva
por un río de orgullo
Parecía un
largo y sencillo paseo
Tu eras mi balsa
pero te dejé marchar
He estado mal pero
me recuperé otra vez.

Y voy rodando
por la vacía carretera
Donde la luz del día
pronto romperá.
Ahora mismo estoy pensando
estas cosas que yo sé
Pero hemos pasado
buenos ratos

Bueno, pues volvemos con nuestro pequeño concurso de la portada misteriosa. En esta ocasión nos la envía P. Roberto J quien acertó la ultima que pusimos de Pearl Jam. Ahi va:

Ya sabéis. Las respuestas en los comentarios de la entrada

Un saludo

que tengo el corazón en carne viva
que yo no se olvidar, como ella olvida
que estoy desconcertado
que no se dar ni un paso
sin ella, sin ella

que tengo el corazón en carne viva
que yo podría morir, que estoy sin vida
que nada me interesa
que todo en mi es tristeza
sin ella, sin ella

Haz amigo el favor
de llevarme muy lejos de aquí
donde ella conmigo no estuvo
donde nada recuerde algo suyo
haz amigo el favor
acompáñame a caminar
por lugares lejanos y nuevos
donde nada me invite el recuerdo

Que tengo el corazón en carne viva
que yo no se olvidar, como ella olvida
que estoy desconcertado
que no se dar ni un paso
sin ella, sin ella

que tengo el corazón en carne viva
que yo podría morir, que estoy sin vida
que nada me interesa
que todo en mi es tristeza
sin ella, sin ella

Que tengo el corazón en carne viva
que yo no se olvidar, como ella olvida
que estoy desconcertado
que no se dar ni un paso
sin ella, sin ella
que tengo el corazón en carne viva
que yo podría morir, que estoy sin vida
que nada me interesa
que todo en mi es tristeza
sin ella, sin ella…

Mientras llegamos al cierre de nuestro día de emisión
esta es mi transmisión de despedida
firmada por
El señor y la señora América, y todos los barcos en el mar
cualquiera en el alcance del sonido de mi voz
tengo 50000 Vatios de poder
Quiero ionizar el aire
Este micrófono convierte el sonido en electricidad
¿Puedes oírme ahora?
Afuera en la ruta 128, la oscura y solitaria
Tengo mi radio encendida
¿Puedes oírme ahora?
¿Puedes oírme ahora?
¿Puedes oírme ahora?
¿Puedes oírme ahora?
Es el fin de la radio

Y ese tambor
ese redoble
significa que tenemos un ganador
si tu eres el quinto en llamar
o cualquiera que haya llamado…

Bienvenido a mi top ten
Quiero agradecer a nuestro patrocinador
pero… no tenemos patrocinador
no si tu fueses el ultimo hombre sobre la tierra
Ella estaba preparada para probarlo
esta va para una chica especial
pero… no hay chicas especiales

Es el fin de la radio
El ultimo comentarista pone el ultimo disco
El ultimo vatio abandona el transmisor
rodea el globo buscando un oyente
¿Puedes oírme ahora?
¿Puedes oírme ahora?
¿Puedes oírme ahora?

¿Es realmente una emisión si nadie recibe?
Es el fin de la radio
Mientras llegamos al cierre de nuestro día de emisión

Tengo mi radio encendida
¿Puedes oírme ahora?
¿Puedes oírme ahora?
¿Puedes oírme ahora?

Esta es la prueba
Si esto ha sido una emergencia real
hey, hey, esta es una jodida emergencia real

Como muestra, “The Song Remains The Same”, Earls Court, 1975:

Y ecos que nadie oye, se van, se van, se van
Como los ecos que nadie oye, se van, se van, se van
Estamos llenos de Fe, todos creemos, todos creemos {4X}

Y ecos que nadie oye, se van, se van, se van {2X}
Estamos llenos de Fe, todos creemos, todos creemos {3X}
Tan llenos de Fe, todos creemos, todos creemos
M.Y.T.H. es…
La creencia en los mandos que nos mantienen en una caja de miedo
Nunca escuchamos
La voz esta dentro y se ahoga fuera
Ahogado estás, estás, eres una cosa peluda
Y eres todo
Yo, tú, tú, yo, todo está relacionado
¿Qué tiene un muchacho que hacer?
Simplemente ser querido y también lo seré yo
Fiel a tí

Director: David Cronenberg

Intérpretes: James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger, Rosanna Arquette

Si tuviera que definir con un adjetivo a David Cronenberg, tal vez el más adecuado sería “calenturiento”. Repasando la filmografía de este realizador canadiense curtido en sus inicios en el cine fantástico, pocos podrían acusarle de ser un remilgado, y tal vez sea Crash su película menos remilgada, que ya es decir.

Basada en una novela de J. G. Ballard, autor de El Imperio del Sol, Crash es un filme que hoy por hoy permanece relativamente cubierto por un manto de discreto anonimato dentro de la trayectoria de Cronenberg, en parte por culpa de esa insulsez de título homónimo que alcanzó notoriedad gracias a los Oscar – Saldos de 2006. Pero no cabe duda de que parte de culpa la tiene también lo atrevidísimo y poco convencional de la película, al menos para los estándares habituales. Si cuando Ballard presentó la novela a los editores alguno de ellos le espetó que necesitaba urgentemente ayuda psiquiátrica, cabe preguntarse lo que dirá más de uno al ver la cinta por vez primera, porque Crash puede resultar muy difícil de digerir por el espectador de cine medio; ese que acude a una sala preferentemente “para divertirse” en compañía de su pareja o los amigos. Sin duda se trata de un filme complicado de clasificar, pues no se trata exactamente de un drama ni de un thriller de acción, por ejemplo, y desde luego tampoco es una comedia. Estamos ante una película que no deja indiferente a nadie: o la amas o la odias, aunque yo personalmente opto por juzgarla desde un prudente término medio. Porque no está mal hecha y se deja ver, tal vez con la excepción de un último tercio en el que a Cronenberg se le pira la pinza cosa mala (que ya es decir viniendo de él), y siempre teniendo en cuenta que por sus características y su ambiente turbador y opresivo, que “atosiga” al espectador desde el inicio, puede llegar a incomodar a más de uno.

Lo más llamativo es ver a rostros más o menos conocidos dentro del Hollywood comercial de los 90 metidos en esta historia, que gira en torno a un grupo de personas que se ponen cachondas viendo (y sufriendo) accidentes de tráfico; una historia de gente muy extrema envuelta en situaciones aún más extremas, con escenas de sexo en el límite de lo explícito nada comunes incluso en películas de esta índole. Lo dicho: casi un filme de culto, si no lo es ya.

Buscando quiero conocer alguien que se preocupe
Buscando quiero una razón para estar allí
Porque no se lo que he hecho para merecerte
Y no se lo que haré sin ti

Buscando quiero saber una forma que pueda aclararlo
Buscando quiero una razón para reparar
Porque no se lo que he hecho para merecerte
Y no se lo que haré sin ti

No puedo ver nada bueno
y nada es tan malo
Nunca tuve una oportunidad
Para explicar exactamente lo que quería decir

Otoko-tachi no Yamato (2005)

Director: Junya Sato

Intérpretes: Ken’ichi Matsuyama, Shido Nakamura, Tatsuya Nakadai, Yû Aoi, Takashi Sorimachi, Kimiko Yo

La historia de la II Guerra Mundial está salpicada de hechos que por diversos motivos han perdurado en la memoria colectiva. Otros, sin embargo, se han visto tristemente cubiertos por la bruma del olvido. Uno de estos últimos es sin duda el hundimiento del Yamato, el buque acorazado más grande jamás construido; un leviatán destinado a otorgarle el poder supremo a la Flota Combinada japonesa, en base a su capacidad para hacer añicos cualquier buque enemigo que se cruzase en su camino. Sin embargo, su historial operativo pasó con más pena que gloria hasta que, en el transcurso de una misión kamikaze al final de la guerra, fue atacado por cientos de aviones estadounidenses, que lo masacraron sin piedad hasta enviarlo al fondo del mar junto con la gran mayoría de sus casi 3.000 tripulantes. El que este suceso ocurriese prácticamente a la par que la toma de Berlín por los Aliados y muy poco antes del ataque nuclear sobre Hiroshima y Nagasaki, convirtió la tragedia del Yamato en un hecho puntual dentro de aquella sangrienta contienda, idénticamente a lo ocurrido con otras tragedias acaecidas al bando perdedor, como los ataques aéreos sobre ciudades alemanas con bombas incendiarias.

Otoko-tachi no Yamato (literalmente Los hombres del Yamato) pretende homenajear de algún modo a los hombres que sirvieron, lucharon y murieron en aquel barco. Lo hace desde la perspectiva de un chico de quince años que se embarca a bordo como marinero cuando la derrota de Japón era ya sólo una cuestión de tiempo. Algunos han querido ver en esta película una especie de “remake” de Titanic a la japonesa, y aunque no sea precisamente eso tampoco les faltan razones para opinar así: tenemos el barco enorme e “insumergible” que acaba por irse a pique irremediablemente, una historia de amor (tratada de un modo bastante más blando, eso sí) y hasta tenemos el impepinable baladón en los créditos finales, servido con imágenes reales del barco hundido y con una música bastante cursi por cierto. Todo esto (y algunas cosillas más que me dejo) no implica necesariamente que Yamato carezca de personalidad propia. Porque afortunadamente esto no es España ni esto es Diario de un skin, donde Tristán Ulloa se transmuta en un clon barato de Edward Norton (es que no le falta ni la perilla, oigan) para protagonizar una zarrapastrosa versión “pirata” de American History X en plan cañí.

Yamato no es una mala película. Sin embargo, y teniendo en cuenta su a priori holgado presupuesto  (el mayor en la historia del cine nipón), hay cosas que no terminan de encajar. El metraje está estructurado en forma de “flashback”, dentro del cual se crean ciertos segmentos para encauzar la trama según el periodo de la guerra en el que transcurre la acción. La idea está ya muy vista, y aunque no es mala, la forma de presentar esos segmentos mediante un formato semi-documental con el apoyo de imágenes reales no acaba de funcionar del todo y queda un poco chusca. La música no está mal, pero es machacona, y a veces tan melodramática que resulta digna de un culebrón. Los actores, aunque buenos en general, también se contagian ocasionalmente de ese tinte melodramático que, por excesivo, puede resultar incluso hilarante. Únanle a eso el detalle antes citado de la música y tendremos, por analogía, un torpedo directo a la línea de flotación del filme. Con todo, la palma se la llevan unos efectos digitales indignos de una producción teóricamente de primer nivel: algunos parecen obra de un aprendiz de 3D Studio MAX. Mejor resueltos están los decorados, aunque tienen poca variedad y detalles como los fogonazos de los cañones al disparar restan mucha verosimilitud al conjunto: parecen disparos de una pistola de juguete, cuando en realidad el estampido de la batería principal era tan fuerte que podía desintegrar a un hombre en cubierta, literalmente. Todo ello deja al desnudo las carencias de una película demasiado ambiciosa para los medios de que dispone.

Y pese a todo, insistimos que Yamato no es una película mala, aunque le falten demasiadas cosas para llegar a ser el gran filme épico por el que intenta hacerse pasar. Algunas secuencias están muy bien resueltas, y aquellas que retratan dos de las batallas en que se vio envuelta la nave (Leyte y Okinawa, que sería la batalla final) están rebosantes de ritmo y acción, aunque siempre chocaremos con las limitaciones de medios que impiden un lucimiento mayor. Desgraciadamente la película no da mucho más de sí, y al igual que el infortunado barco, que estaba destinado a escribir páginas gloriosas para el Japón, se queda en mera curiosidad histórica.

Director: Franklin Shaffner

Intérpretes: Michael Jayston, Janet Suzman, Roderic Noble, Ania Marson, Lynne Frederick, Candace Glendenning, Fiona Fullerton, Tom Baker, Laurence Olivier

Los 70 fueron los años dorados de Franklin Shaffner, que tocó el cielo precisamente el primer año de aquella década gracias a Patton, un colosal éxito de crítica y de público que puso al director en la nómina de los grandes de Hollywood. Para su siguiente película, Shaffner decidió utilizar la misma fórmula que tan bien le había funcionado, pero dándole un giro radical.

Porque si en Patton Shaffner retrataba a un héroe de guerra que pese a ciertos “defectillos” era respetado hasta por sus enemigos más feroces, en Nicolás y Alejandra nos introducía en una de las figuras históricas más trágicas de siglo XX: la de Nikolai Alexandrovich Romanov, más conocido como Nicolás II, último Zar de Todas las Rusias, cuyo reinado de casi veintitrés años estuvo marcado por el infortunio desde el mismo momento de su entronización. El guionista James Goldman tomó el libro original en que se basa el filme y no se cortó un pelo a la hora de retratar a aquel hombre más o menos como lo que era: un personaje inepto y pusilánime cuyos enormes errores terminaron provocando el advenimiento de la Unión Soviética (personificada en un Lenin sediento de poder y dispuesto a cualquier cosa para obtenerlo), y acabaron abruptamente con una dinastía que había gobernado el enorme Imperio Ruso durante trescientos años.

En Nicolás y Alejandra los personajes se mueven en un entorno cuidado hasta el último detalle, con un diseño de producción y un vestuario realmente sobresalientes. Si a esto le unimos que la caracterización de los actores (sobre todo los principales) está particularmente conseguida, el resultado es que el espectador tiene la sensación de ser testigo directo de la decadencia de los zares. Además las interpretaciones son buenas, como corresponde a un elenco proveniente en su mayoría del teatro. Particularmente en el caso de Michael Jayston (Nicolás II), que ya desde el principio sabe transmitir las tachas de un hombre que carece por completo de la fortaleza necesaria para ser un buen gobernante, dominado por su manipuladora y en ocasiones neurótica esposa. Esos son los puntos positivos de una cinta que quizás pueda hacerse un poco larga para algunos (son tres horas de duración), pero que va de menos a más, y cuya mejor parte se reserva para la segunda mitad, a partir del momento en que Rusia entra en la I Guerra Mundial, cuando todas las incapacidades de aquel régimen enfermo y de su débil e inútil dirigente se muestran en pantalla con toda su crudeza hasta la llegada del inevitable final.

Que vengas a explicar que todo ha terminado,
que tengas que decir que no me quieres ver.
Es imposible que hayas olvidado
lo que los dos podíamos hacer.

Y si esto que ha pasado
va a pasarnos otra vez,
y si todo ha sido en vano
no tienes que volver.

Mirando las paredes de este cuarto,
rezando por que vengas otra vez ,
y todo lo que habíamos hablado
es todo lo que vamos a perder.

Si nunca quise ser el único a tu lado,
si tuve miedo fue por que acabara así,
y todo el tiempo que he desperdiciado
se vuelve de nuevo contra mí.

Y si esto te hace daño,
si te puedo hacer sufrir,
ha servido para algo
al menos para mí.

El hombre cansado decidió que era buen momento para levantarse y salir a la calle. Harto de cantar sus penas en solitario encendió un cigarro y lanzó señales de humo por la ventana. Los buscadores de melodías que andaban al acecho acudieron a su llamada, con los instrumentos a la espalda llamaron a su puerta y juntos emprendieron el camino. Con las ilusiones todavía intactas, las ganas de recuperar el tiempo perdido y de arrojar al aire las experiencias que encorvaban su espalda, viven la necesidad de gritar y sentir que todas las horas de soledad, aliviadas con masivas dosis de Neil Young, Teenage Fanclub, Lou Barlow, Big Star o los Kinks, cobren forma de salvajes melodías que luchan por salir a chorro de sus corazones y dejar las calles inundadas de emociones y sus cuerpos vacíos de rabia y arrepentimiento.
The Solvers son una banda de rock de guitarras con una clara inclinación hacia el power pop, amantes y grandes conocedores de la historia del pop-rock de todos los tiempos, detalle que se deja notar claramente en su sonido (y en la lograda portada de este EP). El grupo lo componen The Tired Man (guitarra y voz, miembro de los desaparecidos Evenless -origen de los actuales Grupo Salvaje- y autor de una maqueta en el 2005 bajo el alias de Emodrama -”Songs That No One Will Hear”-), junto al batería Aymeric “The French Man”, Luis “Zombie Man” (guitarra y voz), y Carlos “Krakman” al bajo. Formados en Madrid en diciembre de 2008, contaron en sus filas con el guitarra y cantante Al Zimmerman hasta febrero de este año en que abandonó el grupo.
Estamos ante su primera maqueta como banda, por tanto no podemos esperar un sonido profesional, pero el ambiente de guitarras que han logrado es sencillamente soberbio. En sus canciones nos hablan de noches solitarias y lágrimas bajo la lluvia, de pasión y autocompasión, de mentiras y desesperación, de amor y desamor. Si ‘Every Single Song’ mezcla mágicamente potencia y sensibilidad empujándonos a seguir el ritmo con la cabeza y aislarnos de lo que nos rodea en busca de nuestras propias cavilaciones, ‘Hey’ tiene los elementos imprescindibles de un himno del rock, ideal para gritar en los directos (acompañando con megáfono a ser posible). Si ‘Empty Suit’ es un lamento eléctrico en busca de respuestas emocionales, ‘Something You’ll Never Know’ (aparecida anteriormente en la maqueta de Emodrama) es ese medio tiempo embriagador que se ha convertido en mi favorito a medida que iba repitiendo las escuchas.

Nadie mejor que el propio The Tired Man para aclararnos algunos detalles sobre la banda y este primer trabajo:

Sobre la formación del grupo y el concepto de banda:

-El proyecto surgió a raíz de un anuncio que puse yo en varios foros (Hispasonic y Guitarristas.org) y aunque ya tenia mi alias de The Tired Man nunca he planteado esta banda ni ninguna otra como una banda de acompañamiento. De hecho sigo con mi proyecto en solitario, pero estar en un grupo es otra cosa, aquí no hay lideres ni normas.

Sobre la autoría de las canciones:

- En la banda componemos Luis Mariano Reluz (L.M Relight o Luis “Zombie” Man) y yo mismo. En esta maqueta todos los temas son míos menos ‘Hey’, pero estamos trabajando en tres temas nuevos de Luis y dos míos, que irán en la segunda maqueta, lo que iguala un poco la cosa.

Sobre las labores de grabación:

-La verdad es que el proceso de grabación ha sido muy gratificante. Tanto Carlos Lacasa como yo teníamos cierta experiencia manejando secuenciadores multipista y hemos coordinado conocimientos de una manera muy productiva. Empezamos grabando baterías en el local de ensayo y luego fuimos metiendo lo demás en mi casa y en casa de Carlos, transportando las sesiones en pendrives o pasándolas por sesiones ftp, todo muy “a la ultima”. Todo se ha grabado con Logic en tres diferentes Macs :). Finalmente hemos conseguido que la mezcla suene bastante bien. Creo que el sonido que hemos conseguido es más que decente, no suena “cutre”.

Y sobre los planes más próximos y actuaciones en directo:

-Nuestros planes son grabar una segunda maqueta ya mismo y luego ir mirando la posibilidad de dar algún concierto, tenemos un gran problema y es que no tenemos equipo propio. lo que nos limita bastante. Tocamos en un local por horas, y tendremos que buscar un local propio (y equipo propio) en breve, lo que implica soltar pasta, y pasta = problemas :(

P.D.: Un gran comienzo para una banda a la que no debemos tener miedo a exigirle más, necesitan mejorar detalles y potencial no les falta.

Enlace para escuchar la maqueta

¿De que disco se trata?

Respuestas, petición de pistas y demás en comentarios

Cuando ya lo tenga todo decidido
y le diga a todo el mundo que ya no estás conmigo.
Cuando no estés ya,
cuando no estés ya
y no haya nadie más.

Y podrás decirme ¡qué cabrón!
y puede que incluso se te ocurran más insultos.

Cuando no estés ya,
cuando no haya nadie ya,
cuando no estés ya,
cuando no estés nunca más,
cuando no estés ya,
cuando no estés ya,
cuando no estés ya por aquí,
cuando no estés ya
y no haya nadie más.

Cuando sea rey, serás el primero en ir al paredón
con tus opiniones carentes de trascendencia alguna.
¿Qué es eso? (Puede que esté paranoico, pero no soy un androide)
¿Qué es eso? (Puede que esté paranoico, pero no soy un androide)

La ambición te sienta muy mal.
Pataleando, chillando. Pequeño cerdo vestido de Gucci.
No recuerdas. No lo recuerdas.
¿Por qué no recuerdas mi nombre?
Bah, para qué, ¿verdad?
¿Para qué recordarlo?
¿Para qué recordarlo?
¿Por qué no recuerdas mi nombre? Supongo que podrías…

Que llueva…
Venga lluvia, mójame.
Desde lo más alto.
Desde lo más alto…
Que llueva…
Venga lluvia, mójame.
Desde lo más alto.
Desde lo más alto…
Que llueva…
Venga lluvia, mójame.

Eso es, señor.
Te vas.
Las crujientes cortezas de cerdo.
El polvo, los gritos.
Las movidas de yupis.
El pánico, el vómito.
El pánico, el vómito.
Dios ama a sus hijos. Dios los ama, ¡sí!

Traducción tomada de http://letras-traducidas.net

http://www.myspace.com/thetiredman

Son versiones de las canciones que entraran en mi segundo disco en solitario, no son versiones definitivas pero las sesiones si que están ya bastante avanzadas.
Simultáneamente estamos grabado la primera maqueta de The Solvers, ayer grabamos baterías en el local y en las próximas semanas iremos dando forma a las canciones.

Un saludo

Finalmente, aunque eso ya lo juzgareis vosotros, me parece que ha quedado una selección muy chula.

Ahi va la lista de temas:

-Plan 9 – El Brillo
-Evenless – Change
-Kaplan – Choose Me
-Grupo Salvaje – A Dissapointed Man
-Bandini – Together
-El Hijo – Vals De Los Besos
-Emodrama – Something You’ll Never Know
-Inhabitants – Drunk-O-Rama
-The Pribata Idaho – Love Will Tear Us Apart
-The Tired Man – Space

Computer Age Podcast #3

Para suscribirse a este Podcast usa la siguiente url:
http://www.computer-age.net/?feed=podcast (?)

Hace unos meses presentábamos un listado bastante exhaustivo de los llamados “Mp3 blogs”, esos blogs (normalmente alojados en blogspot) que tanto han proliferado últimamente y que ponen a disposición de sus visitantes discos completos en descarga directa.

Hemos pensado que seria una buena idea disponer también nosotros de nuestro espacio para ir poniendo a vuestra disposición los discos que van pasando por aquí, junto con otros trabajos igualmente interesantes, así que hemos abierto un nuevo blog hermano dedicado exclusivamente a “colgar” discos:

http://everysinglesong.blogspot.com/

Esperamos que os guste

Un saludo

Director: Enrique Piñeyro

Intérpretes: Enrique Piñeyro, Mercedes Morán, Alejandro Awada, Adolfo Yanelli, Carlos Portaluppi.

En 2008, el conocido como “accidente de Hispanair” volvió a poner en tela de juicio la seguridad en el terreno de la aviación civil. Las aerolíneas, acosadas por la competencia salvaje fruto del ultraliberalismo económico, la crisis global y los altos costes de explotación, atraviesan uno de sus momentos más críticos en décadas, y con semejante panorama la opinión pública comienza a recelar de un negocio que sólo es rentable cuando los aviones permanecen el mayor tiempo posible en el aire. Lo cierto es que hoy por hoy el avión es la forma más segura de viajar, merced entre otras cosas a unas severísimas normativas que regulan hasta los aspectos más insignificantes en el proceder de aparatos, técnicos y tripulaciones. Pero ¿qué ocurre cuando una compañía aérea, en connivencia con una autoridad corrompida, está dispuesta a saltarse las normas con tal de aumentar los beneficios?

Enrique Piñeyro es un tipo muy especial. Argentino nacido en Italia, apasionado por los aviones, estudió para galeno especializándose en medicina aeronáutica. Aquello le llevó a hacerse piloto y ser contratado por la aerolínea privada argentina LAPA, para la que trabajó durante once años hasta que decidió renunciar a su puesto, harto de las continuas irregularidades en las que incurría la compañía, y no sin antes advertir severamente a sus directivos lo que podría ocurrir si se mantenía aquella situación. Entretanto, Piñeyro hizo algunos pinitos como actor, y más tarde decidió ponerse tras la cámara para rodar un filme de denuncia sobre las situaciones que él mismo había vivido desde su puesto en LAPA.

Partiendo del accidente de un avión de LAPA, estrellado en pleno centro de Buenos Aires al intentar levantar el vuelo con una configuración de despegue equivocada, Whisky Romeo Zulu descubre una trama de negligencias y corruptelas a todos los niveles, sobradamente conocidas por todas las partes implicadas, pero aceptadas con tal de ganar dinero o mantener una parcela de poder. La seguridad del pasaje acaba por importar un pimiento y los pilotos, coaccionados por una empresa que les amenaza con el despido si no cumplen a rajatabla con su trabajo, acaban igualmente por tragar, aunque eso les suponga jugarse la vida en cada vuelo.

Autobiografía – ficción rodada con un estilo casi documental, Whisky Romeo Zulu sorprende por su calidad, sobre todo cuando su director deja claro en las entrevistas que lo suyo es pilotar, y que lo del cine es más bien un pasatiempo. Enrique Piñeyro trabajó en esta película al más puro estilo “chico para todo”: dirigió, produjo, escribió (con la ayuda de alguien más experimentado, eso sí) y hasta se reservó el papel principal, aunque no salga el primero en los créditos iniciales. El resultado es un filme rodado con profusión de planos cuya intención es la de meter de lleno al espectador en la acción, pero hecho con bastante cuidado por los detalles y una especial atención en dotar del máximo realismo a las escenas que transcurren dentro del avión pilotado por el protagonista. Por tanto no hay trucajes: lo que vemos es un avión de verdad, en el que se filma mientras está volando de verdad y pilotado por un auténtico profesional. Aquí no encontraremos ninguno de los “efectismos” tan típicos en cualquier película americana sobre aviones, y el lenguaje usado por las tripulaciones se ajusta totalmente a la realidad, sin giros ni explicaciones absurdas que nos hagan sentirnos como retrasados mentales. La intención del director de “meter a los espectadores dentro de la cabina de un avión real” constituye el aspecto más conseguido y espectacular de la película, incluso para los no aficionados al mundo de la aviación.

Como diría el gran Carlos Pumares, Whisky Romeo Zulu “está maja”, y más ateniéndonos a los medios disponibles y a la escasa experiencia cinematográfica de su autor. A muchos les sobra la parte del flashback que narra la infancia del protagonista, que ya puestos pone la primera piedra para la historia de amor del filme, pero yo creo que cumple con su función de explicar al espectador que ser piloto de aviación no es una profesión que se elige en un momento dado de la vida como cualquiera otra, si no una pasión que se lleva en la sangre. También para dejar claro que los sueños de la niñez pueden convertirse en pesadillas no pocas veces. Como actor Piñeyro no es Marlon Brando, eso está claro, pero no obstante interpreta su papel con dignidad. Y su película, pese a estar localizada en Argentina (país tristemente laminado por la cultura de la corrupción, el saqueo y la incompetencia) supone un serio aviso de algo que, tal y como está el percal ahora mismo, podría acabar pasando en cualquier parte. Eso si no está pasando ya.

Aquí os enlazo una entrevista a Enrique Piñeyro en la que nos cuenta detalles muy interesantes sobre la película.

Hemos actualizado el contenido de nuestra página oficial (http://thesolvers.es) con nuevas fotos y vídeos de nuestro ultimo ensayo. También podéis encontrar vídeos en solitario de The Tired Man y de Carlos “Krakman”, así como enlaces a los espacios de Myspace, Facebook y LastFM que hemos ido creando, junto a los myspaces personales de los miembros de la banda.

Aprovecho para ofrecer ayuda a las bandas que estén leyendo este articulo para montar un site similar para su grupo, centralizado en una pagina web dinámica con enlaces a todos los microsites de interés para la promoción de vuestra música. Interesados dejad un comentario en esta entrada

A estas alturas de la película el calificativo que acude con más facilidad a mi mente cuando escucho a Dale Grundle es el de la honestidad. Si a ello le sumamos unas dotes y sensibilidad especiales para cantar y componer, el goce de los sentidos está asegurado.
Si en su día he tenido especial debilidad por los Catchers, una isla peculiar dentro del entramado indie, con The Sleeping Years mi fascinación es todavía mayor al ver que la evolución y madurez de Dale han sido fruto de una auténtica búsqueda personal, con un admirable control de todo lo que rodea a la producción, actuaciones y edición discográfica, tanto de las grabaciones o el diseño, como del exquisito trato cercano ante cualquier comentario o petición.
The Sleeping Years es el actual proyecto del ex-Catchers Dale Grundle. Antes de este disco editó en 2007 tres EPs, básicamente acústicos, en edición limitada (los dos primeros agotados) con cuidadísimas portadas hechas a mano (diseñadas por pika pika), numerados y firmados por el propio Dale. Todas las composiciones eran suyas, encargándose él mismo de toda la instrumentación y grabación.
En este primer álbum, “We’re becoming islands one by one”, de nuevo es el autor de todos los temas y el encargado de interpretar la mayoría de instrumentos (voces, guitarras, bajo, piano, teclados, e-bow, percusiones), contando con la colaboración de Michelle So (violonchelo, piano, percusiones), Tom Page (batería percusiones) y Ben Eshmade (trompa en “Human Blues”). Fue grabado en Londres a finales de 2007, producido por el propio Dale Grundle y editado en 2008 por el sello Talitres Records en Francia y por el sello Rocketgirl en UK e Irlanda. Si bien ya se puede comprar sin problemas el disco por internet , está prevista su publicación oficial en España y Portugal para marzo de este año, mes en el que ya están anunciadas dos actuaciones suyas (el 19 en la sala Apolo de Barcelona y el 20 en la sala El Sol de Madrid, acompañado exclusivamente de un pianista, si los planes no cambian).
De las 10 canciones del disco, 6 de ellas ya habían aparecido en los EPs, si bien han sido regrabadas para este álbum con interesantes aportaciones de los nuevos componentes. Algunas apenas han sufrido variaciones, otras han tomado más cuerpo de banda con el añadido de batería sobre todo, resultando el chelo uno de los mejor integrados en el reservado y personal mundo sonoro de Dale. En general suenan más limpias y cristalinas (tal vez sean manías mías por las preferencias de lo simple y casero, pero me resultan más personales y profundas algunas versiones de los Eps), aunque no pierden en ningún momento ese halo de intimidad, delicadeza, soledad y magia características de las canciones de Dale. Me cuesta decidirme por alguna en concreto porque todas me parecen especiales, pero si tuviera que elegir alguna me quedaría con “Macosquin Coleraine” (homenaje al lugar donde nació: Coleraine, Irlanda del norte,), “The Lockkeepers Cottage”, “Dressed For Rain” y “Islands”.
Melancolía y belleza, pérdida y búsqueda. Sensibilidad y honestidad a raudales.

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Como ya habréis leído en la entrada anterior, nuestros foros han caído y hemos pensado que sería buena idea trasladar nuestro famoso concurso de la portada misteriosa a la portada de la pagina.
Para quien aun no conozca las reglas es muy simple. Pondremos un fragmento de una portada de un disco y se trata de adivinar interprete y nombre del disco. Es una buena forma de recomendar discos a menudo un tanto olvidados.

Bien, vamos con el primer fragmento:

Añadid vuestras respuestas en los comentarios de esta entrada.

Un saludo

De cualquier manera, llevaba bastante tiempo muy abandonado, lo único con algo de actividad eran nuestros concursos y si a alguien le apetece podemos seguirlos en la pagina.

Un saludo

Algunas chicas son mas grandes que otras
Algunas chicas son mas grandes que otras
Las madres de algunas chicas son mas grandes que
las madres de otras chicas

Como le dijo Antonio a Cleopatra
Mientras abría la caja de cervezas

Oh, digo:

Algunas chicas son mas grandes que otras
Algunas chicas son mas grandes que otras
Las madres de algunas chicas son mas grandes que
las madres de otras chicas

Envíame a almohada…
Sobre la que sueñas…
Envíame la almohada…
Sobre la que sueñas…
Y yo te enviare la mía

Autor: Marcos Ordóñez

Editorial: Aguilar

A principios de los años 70 muy pocos podrían haber imaginado que Alfredo Landa acabaría por convertirse en uno de nuestros mejores y más respetados actores. Olvidados sus inicios en el teatro, donde dio buena muestra de los mimbres que tenía como actor, Landa se hizo famoso persiguiendo suecas en una serie de filmes casposos que le hicieron acreedor de un peculiar honor: el de ser el único actor del mundo, que se sepa, que ha dado nombre a un género cinematográfico, el “Landismo”. Pero el cine, como la vida, da muchas vueltas, y a veces ofrece oportunidades que sólo los tíos grandes como Alfredo alcanzan a exprimir en su totalidad. Ni que decir tiene que este hombre las tuvo, y las supo aprovechar para encaramarse al pedestal en que, merecidamente, se encuentra hoy. Con tales precedentes, cualquier escrito sobre él tiene que resultar a priori interesante.

Sentarse a leer este libro es como sentarse ante el sofá del Abuelo Cebolleta para escuchar sus batallitas, que es seguramente lo que hizo el autor grabadora en ristre, sin apenas tratar de entablar diálogo o profundizar en la conversación. Y ese es precisamente su mayor defecto: al principio puede resultar interesante, pero es algo que casi siempre termina cansando, y aquí se nota particularmente cuando el “Abuelo” deja a un lado el teatro para empezar a relatar sus andanzas en el cine y comienza a acumular fechas, nombres y detalles, siguiendo un esquema bastante reiterativo además. Ejemplo: “En 1965 hice tal y cual película, bla, bla, bla, y conocí a fulano y a mengano, que eran bla, bla, bla. En 1966 participé en bla, bla, bla, y entablé relación con zutano y mengana que bla, bla, bla”. Así todo el rato. Demasiado simple, este estilo de narración en línea cronológica tal vez pueda sostenerse durante un tiempo, pero acaba por aburrir. Sobre todo en la parte final, ya metidos en harina con los años 90, cuando la carrera de Landa comenzó a alternar infames teleseries para consumo de zotes mononeuronales (Lleno por favor) con insulsas naderías cinematográficas (léasé todo lo que rodó junto a Garci por aquel entonces). Y es una pena, porque estoy convencido de que con un enfoque distinto quizá el libro podría haber dado más de sí, y más aún tratándose de una biografía sobre un personaje como Alfredo Landa, que desde la primera página demuestra tener una memoria casi fotográfica y un verbo fluido e inteligente, a la par que gracioso cuando es necesario. El libro apenas escarba superficialmente en pasajes que podrían dar pie a momentos muy interesantes, mientras que alarga en exceso hechos como el de la reciente polémica por el enfrentamiento con Garci o el famoso “traspiés mental” a cuenta del Goya de honor de 2008. Unos hechos exprimidos sin duda para avivar las ventas, pero que parecen más propios de programas de TV como ¿Dónde estás corazón? y mierda similar, y que en un libro supuestamente serio como este tienen, a mi juicio, tanto interés como una excursión turística por el Metrosur de Madrid.

Evidentemente, Alfredo el Grande está pensado y montado con la idea clara de convertirse en best seller, con todo lo malo que eso implica. Se deja sentir en esa estructura tan simple, que no se complica apenas la vida, y en los tintes propios de prensa rosa. Todo ideado sin duda para “cazar” masivamente a lectores no demasiado exigentes. Y sin embargo yo no diría que el libro sea malo. Es cierto que va de más a menos: empieza muy bien y se va diluyendo hasta el tercio final, que sobra en su mayor parte y se podría haber resumido mucho. Muchísimo. Si tuviera que recomendarlo lo haría por la primera mitad, un buen relato sobre cómo funcionaban los mundos del teatro y el cine en tiempos del Madrid Ye-Ye y los ministros del Opus, auténticos nidos de serpientes en los que el cotarro era controlado por una ralea de empresarios-cacique cuyos modos convertirían al señorito Iván de Los santos inocentes en un tipo simpatiquísimo y encantador. Eran otros tiempos, desde luego, pero en cierto modo mejores, aunque parezca increíble. Y no se trata de nostalgia gratuita: al menos, en aquella época había gente con talento dispuesta a todo para sacar adelante sus ideas.

**Y si quieres puedes pinchar aquí para leer el comentario que en Computer Age le dedicamos a Las verdes praderas, el mejor trabajo de Landa como actor de cine (reconocido por él mismo).

Feliz 2009!

Ojalá se te acabe la mirada constante,
la palabra precisa, la sonrisa perfecta.
Ojalá pase algo que te borre de pronto:
una luz cegadora, un disparo de nieve.
Ojalá por lo menos que me lleve la muerte,
para no verte tanto, para no verte siempre
en todos los segundos, en todas las visiones:
ojalá que no pueda tocarte ni en canciones.

Ojalá que la aurora no dé gritos que caigan en mi espalda.
Ojalá que tu nombre se le olvide a esa voz.
Ojalá las paredes no retengan tu ruido de camino cansado.
Ojalá que el deseo se vaya tras de ti,
a tu viejo gobierno de difuntos y flores.

Director: Richard Attenborough

Intérpretes: Denzel Washington, Kevin Kline, Penelope Wilton, John Thaw, Josette Simon, John Hargreaves, Ian Richardson

A la mayoría de quienes lean este texto y tengan menos de 20 o 25 años, la palabra Apartheid seguro que no les sonará de nada. Hoy día, y por fortuna, este término es un triste recuerdo en el fondo de los libros de historia, pero hasta hace relativamente poco tiempo estaba muy presente en las vidas de millones de personas, para quienes dio nombre a uno de los sistemas de gobierno más infames y miserables jamás conocidos por la humanidad.

Con Nelson Mandela pudriéndose en la cárcel y con la oposición interna (negra o blanca, sin distinción) maniatada por un feroz sistema represor, Steve Biko fue uno de los hombres que más lucharon y arriesgaron para denunciar pública, abiertamente y desde dentro, la opresión de un gobierno que institucionalizaba el racismo convirtiéndolo en una forma de vida. Su detención y muerte a manos de la policía tras días enteros de cruel tortura en 1977, junto con la espantosa matanza de estudiantes de Soweto ocurrida un año antes, terminó despertando la conciencia de un mundo que hasta entonces había ignorado casi por completo lo que sucedía a diario en Sudáfrica.

Es un hecho que el cine es un negocio que se mueve al son de los acontecimientos que le toca vivir, y que por tanto suele apuntarse enseguida a las modas imperantes en cada momento, dejándose “llevar por la corriente” por así decirlo. Desde ese final de los años 70, pero sobre todo a partir de mediados de los 80, el movimiento anti-Apartheid había ido creciendo en Occidente. El cine no fue ajeno a esta masiva manifestación contra el racismo y el “problema sudafricano”, aparte de ser una fuente diaria de noticias, empezó a tener presencia más o menos destacada en multitud de películas. Y Sir Richard Attenborough, uno de los profesionales más respetados del panorama cinematográfico inglés, tampoco quiso perder la oportunidad de denunciar a aquel Gobierno y a su sistema de forma directa.

Más que una biografía del activista negro Steve Biko, Grita libertad es la historia del periodista blanco que lo acompañó durante sus últimos dos años de vida. Donald Woods pasó de enemigo a amigo, teniendo que huir de Sudáfrica al intentar denunciar ante la opinión pública la más que sospechosa muerte de Biko. Tras ello convirtió su pluma en una de las espadas más afiladas en la lucha contra el sistema de segregación racial, que acabaría por desmoronarse finalmente a principios de los años 90.

Siendo quién es, de Richard Attenborough no se podría esperar otra cosa que un producto profesional y bien acabado, y Grita libertad lo es. En 1987 a Attenborough se le recordaba sobre todo por Gandhi, una película buena aunque sobrevalorada, que había arrasado en taquilla y en los Oscar de 1982. Acostumbrado a lidiar con producciones de gran calibre como aquella, sorprende verlo al timón de una película como esta, bastante pequeña en comparación, aunque a mi juicio superior en algunos aspectos. El filme se beneficia de todos los puntos fuertes del veterano realizador británico, como su cuidado a la hora de elaborar las tomas y, sobre todo, la excelente dirección de actores que logra hacer creíble a Kevin Kline en un papel bastante alejado de la habitual vis cómica por la que es conocido, demostrando de paso que es un muy buen actor. Otro tanto se podría decir de Denzel Washington, un actor competente, aunque no un genio. Un tipo que siempre me ha parecido bastante empalagoso, pero que aquí me resulta más convincente que en otras ocasiones, dotando a su personaje de la fuerza de carácter que necesita sin caer para ello en estridencias interpretativas. La duración de la película es algo excesiva, pero se sobrelleva bastante bien, sobre todo durante la última hora de metraje.

Aunque pueda acusarse a Grita libertad de oportunista, en la onda de otros filmes de su época que se aprovecharon en mayor o menor medida del Apartheid para atraer público, y aunque se haya quedado vieja como cinta de denuncia política (el sistema contra el que arremete, afortunadamente, quedó enterrado hace tiempo), tampoco puede decirse que no sea válida para reflexionar sobre la falta de libertades de la gente en general y de la profesión periodística en particular, y no sólo en regímenes considerados “represivos” como pueden ser las dictaduras. Además, esta película constituye una advertencia en medio del actual clima de creciente violencia racial en que vivimos. Es un retrato de hechos pasados, sí, pero quien olvida el pasado está irremediablemente condenado a repetirlo.

Estoy en problemas, y lo se
Como me siento, no lo puedo mostrar
pero estos sentimientos no se van

Te recuerdo, las lineas de tu cara
Compartiendo un momento en el lugar perfecto
Estoy en lo profundo de tus ojos, y dentro de tu cabeza
y trato de alcanzarte, cuando estoy en mi cama

Estoy en problemas, y lo se
Como me siento, no lo puedo mostrar
pero estos sentimientos no se van

No hay elección, en lo que debo hacer
Nada es mas grande que estar contigo

Estoy en problemas, y lo se
Como me siento, no lo puedo mostrar
pero estos sentimientos no se van

Crossroads (1986)

Director: Walter Hill

Intérpretes: Ralph Macchio, Joe Seneca, Jami Gertz, Joe Morton, Robert Judd, Steve Vai

En 1986 Walter Hill era un reconocido director, productor y guionista de cine de acción, gracias a filmes como Límite 48 horas o Calles de fuego; Ralph Macchio estaba en trance de repetir su papel de Daniel LaRusso en la segunda parte de Karate Kid, que sería otro gran éxito de taquilla. Esperando desligarse del corsé que amenazaba con encasillar sus respectivas careras, decidieron unir fuerzas para rodar esta fábula sobre un estudiante de la Juilliard School fanático del blues, que emprende un viaje en busca del mítico cruce de caminos donde se dice que el músico Robert Johnson firmó un pacto con el demonio para convertirse en un prestigioso “bluesman”. Para no despistar demasiado a los fans de Macchio, entonces mundialmente famoso, la película se estructuró como un clon de Karate Kid, incluyendo el imprescindible duelo final en el que esta vez se cambian las patadas cutres con nombre de bicho por agresivos “rifts” de guitarra, y donde el protagonista y su mullet se las verán con el siempre excesivo, egocéntrico y genial Steve Vai, en una secuencia aun más surrealista que su homónima en Karate Kid, pero infinitamente más divertida. Añádanle a todo eso un toque de “road movie” y unos cuantos paletos al más puro estilo rural made in USA para crear ambiente y ya tenemos una película “nueva”, que por desgracia pasó sin pena ni gloria por los cines, aunque sus peculiaridades han acabado por convertirla, con el paso de los años, en una cinta de culto.

¿Y la película en sí?. Pues bien, gracias. Lo cierto es que se deja ver, y aunque el comienzo es particularmente flojo, remonta poco a poco hasta la llegada de ese inconmensurable duelo final que, sin duda, es lo mejor del estofado y no defraudará a ningún “guitar hero” que se precie. Ralph Macchio, fiel a su estilo, sigue ofreciendo esa entrañable imagen de moñas que tanto nos gustó a los que tuvimos la inmensa suerte de ver Karate Kid estrenada en una pantalla grande. A los secundarios que le acompañan en su particular viaje les falta carisma (excepto Steve Vai, por supuesto) y se hecha de menos un poquito más de presencia de la guapa Jami Gertz (que venía de rodar otra peli de culto, Quicksilver, con un jovencísimo Kevin Bacon). Pese a todo, el balance final es resultón, aunque por poco. Tras esto, las carreras de Walter Hill y el bueno de Daniel LaRusso (perdón, Ralph Macchio) habrían de quedar definitivamente predestinadas.

Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo
Le gustaría venir y encontrarse con nosotros
Pero cree que eso haría explotar nuestras mentes.

Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo
Nos dijo que no las haría explotar
Porque sabe que es lo más valioso

Me dijo:
Deja que los niños la pierdan
Deja que los niños la usen
Deja que todos los niños bailen

Tuve que telefonear a alguien, así que te escogí a ti.

-Hey, esto es alucinante, ¿lo oíste tú también?-

Enciende la tele, quizá podamos pillarlo en el canal 2
Mira por tu ventana, puedo ver su luz
Si nosotros podemos brillar, quizá aterrice esta noche…
No se lo digas a tu padre o nos encerrará del susto.

Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo
Le gustaría venir y encontrarse con nosotros
Pero cree que eso haría explotar nuestras mentes.

Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo
Nos dijo que no las haría explotar
Porque sabe que es lo más valioso

Me dijo:
Deja que los niños la pierdan
Deja que los niños la usen
Deja que todos los niños bailen

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Finalmente llegamos a la conclusión del reportaje sobre los Beatles que hemos venido publicando por entregas a lo largo de las últimas semanas. Al principio tenía pensado dividir esta última en dos partes separadas, pero he decidido publicarlo todo en un único capítulo. Aunque con ello resulte un texto un poco más largo respecto al resto de entregas, creo que según vayáis leyendo entenderéis por qué lo publico entero. Os aseguro que merece la pena, porque esta parte final es realmente hermosa, y es la que marca la diferencia definitiva entre un buen reportaje sobre los Beatles y la inmensa mayoría de lo que se ha publicado sobre ellos en Internet. Espero sinceramente que lo disfrutéis como seguramente lo habréis hecho hasta ahora.

Autor original: Agustín Sánchez Vidal
Publicado en Muy Interesante, número 77. Octubre 1987
www.muyinteresante.es

Comentarios al texto (en negrita) por Leo.

ABAJO: La figura de John Lennon, idealizada por su trágico final a manos del fan Mark David Chapman en 1980, se destaca fácilmente del resto del grupo. Su relación con Yoko Ono le llevaría a divorciarse de los Beatles, algo que no le perdonarían ni sus fans ni sus propios compañeros.

En Mayo de 1970, coincidiendo con el lanzamiento del último álbum del conjunto, Let it be, Paul comunicó oficialmente la separación de los Beatles. John ya llevaba algún tiempo trabajando por su cuenta con Yoko Ono en álbumes más experimentales que los de los Beatles (y, en ocasiones, también bastante más insoportables), y terminaría emprendiendo una cruzada por la paz y el desarme que le llevaría a estar fichado por el FBI y dificultaría su asentamiento en Nueva York, donde se establecería para criar a su hijo con Yoko, Sean, nacido en Octubre de 1975. Sería asesinado a la puerta de su casa de varios tiros a bocajarro el 8 de Diciembre de 1980. Un desequilibrado admirador, Mark David Chapman, le esperaba a su regreso del estudio de grabación, donde él y Yoko daban los últimos toques al álbum que suponía su regreso a la música, Double fantasy.

Paul terminó casándose con Linda Eastman, heredera del imperio Kodak, una hogareña mujercita que empezó a llenarlo de hijos y de chalecos a rayas. Su música se volvió una pizca hortera (más si cabe de lo que fue en su última etapa con los Beatles), pero tuvo el coraje de empezar desde cero con su grupo Wings, tocando en pequeñas salas. Muerto John, ha sido el único de los Beatles capaz de retomar éxitos multitudinarios, y hoy se le calculan unos ingresos de unos 130 millones diarios (en pesetas de 1987, se entiende). Su canción más difundida, Yesterday, ha alcanzado las 1500 versiones, y suena un promedio de una vez por minuto en todo el mundo. A finales de los 90, y coincidiendo con la enfermedad y muerte de Linda a causa del cáncer, su estrella comenzó a declinar. Los avatares de su vida privada han hecho que su nombre termine ocupando más espacios en las páginas de sociedad y en los temibles tabloides ingleses que en las listas de ventas, aunque gracias a su hija Stella, que ha logrado hacerse un hueco como diseñadora de moda, el lugar de la familia entre las personalidades de éxito parece estar a salvo.

George tuvo un brioso arranque con su triple LP, All things must past, luego ensombrecido por la condena por plagio de su single más famoso, My sweet lord, idéntico al He´s so fine de los Chiffons. El concierto benéfico por Bangla Desh fue su momento estelar antes de pasar a una discreta penumbra. Discreta penumbra de la que nunca salió Ringo Starr, que hizo sus versiones más o menos simpáticas y frecuentó más que sus compañeros las aventuras cinematográficas. En 2001 George también perdería una larga batalla contra el cáncer. Desde años antes de aquel triste suceso muchos fans de los Beatles se han esforzado por revindicarlo como el “cerebro en la sombra” de la banda y como un instrumentista y compositor más que competente. Muchos cinéfilos también le tienen un hueco reservado gracias a su productora Handmade Films, responsable entre otras de todo un clásico como La vida de Brian, la mejor película de los geniales Monty Python. En cualquier caso, su saldo en solitario en modo alguno puede compararse al legado que han dejado como grupo.

La química de los Beatles funcionaba como una extraña amalgama de personalidades. Su productor, George Martin, definió el ajuste entre John y Paul comparándolo con la mezcla entre el vinagre y el aceite: aislados, pueden resultar demasiado ácidos o excesivamente untuosos; juntos, se equilibran. Lennon aportaba un innegable desgarro, una fuerza corrosiva y un toque blues que añadían mordiente a las canciones; McCartney proporcionaba la ligereza, el optimismo, la fluidez melódica. Y no hay que desdeñarlos como instrumentistas: John imprimía a su guitarra un ritmo personal e intransferible, Paul introdujo muchas novedades en el uso del bajo y la guitarra solista de George o la batería de Ringo eran justas y eficaces, lejos del exhibicionismo posterior del rock.

Y luego estaban sus personalidades: fáciles de diferenciar, pero, al igual que sus voces, perfectamente capaces de amalgamarse en un todo. No es difícil destacar, con todo, la de Lennon, agrandada por la mitología y la necrofilia. John Winston Lennon era un niño de postguerra, nacido en pleno bombardeo alemán sobre Liverpool. Llevaba como estigma bélico ese segundo nombre en homenaje a Winston Churchill, al igual que la España posterior a 1939 se pobló de significativos Jose-Antonios. “Me nausearon en Liverpool mientras los hitléricos bombardeaban el barrio”, escribía en In his own write.

Su libro preferido era Alicia en el país de las maravillas, y Peter Pan su mito emblemático: el síndrome de quien se negó a crecer. No es que Lennon no quisiera evolucionar: se fue de los Beatles porque no se resignaba a estancarse. Es que no aceptaba los mecanismos iniciáticos por los que alguien deja de ser él mismo para encajar en el molde que a cada uno, como el ataúd, se le tiene preparado: profesión, oficio, talante, personaje, carnet de identidad, libreta militar, permiso para conducir… Por no aceptar, no quiso ni siquiera pasarse la vida siendo un Beatle. Y esa fue su perdición. Uno de sus fans que no aceptó ese cambio acabó con su vida.

Con todo, hay algo que diferencia radicalmente a John Lennon, no sólo respecto a otros hombres ilustres, sino incluso en relación con otras figuras del rock. Él lo tuvo todo a los 25 años: era mundialmente famoso y en su cuenta corriente entraban anualmente 900 millones de los de entonces sin necesidad de hacer nada. Él decía que se alegraba de haber llegado joven a esa situación porque así se sentía completamente liberado. Le parecía terrible luchar toda una vida para situarse, hacerse célebre, ser respetado e influyente, tener pasta. Él ya lo había logrado y se dedicó directamente a ser persona. A ser persona, no a ser adulto. Y a partir de determinado momento quiso utilizar su influencia para arreglar un poco las cosas. No le faltó instinto al abrazar la causa del pacifismo, a la que proporcionó su himno Dad una oportunidad a la paz.

La influencia de los Beatles en la música y en la cultura popular permanece intacta transcurridos casi cincuenta años desde la publicación de su primer single. IZQUIERDA: Portada del LP The black and white album de The Hives (2007), claramente inspirada en la portada del With The Beatles de 1963.

Pero muchas de las características que en John se daban en grado superlativo serían extensibles a los otros Beatles. Ellos surgieron en los años 60 por un cúmulo de circunstancias difícilmente repetibles. Cuando aparecieron en escena, el rock and roll que hoy llamamos clásico, el de los años cincuenta, estaba prácticamente en extinción, con Elvis en la mili, Little Richard en un convento, Chuck Berry en la cárcel, Buddy Holly en la tumba, Jerry Lee Lewis fuera de combate por haberse casado con su primita de 12 años… Los Beatles retomaron esa herencia, la estilizaron, la recrearon, la pusieron al día, la hicieron evolucionar y salvaron todo ese torrente de energía adolescente proyectándolo hacia metas más ambiciosas.

La suerte quiso que todo eso coincidiera con un vasto movimiento de revisión de valores de los que gente como ellos (o Dylan) se convirtieron en portavoces. Como haría notar Lennon, tenían la impresión de ir todos en un mismo barco que navegaba hacia delante; quizá ellos fueran en la proa o en lo alto del palo mayor, pero el barco se movía solidariamente. Con razón los propios Beatles se negaron siempre en redondo al paripé de la reaparición: habría habido que recomponer toda una época para que su vuelta tuviese sentido. Seguramente ha habido momentos más vanguardistas en la cultura del siglo XX, e incluso más comerciales; pero una mezcla tan convincente de profundidad y difusión raramente se ha dado y difícilmente volverá a repetirse.

FIN.

Próximamente publicaremos “11 obras maestras: los álbumes de los Beatles”, breve y muy jugoso anexo publicado en MUY junto a este reportaje.

“Mother” es el estremecedor resultado de esa terapia, una canción donde John Lennon exorciza el peor de sus demonios: La muerte de su madre. El comienzo de la canción, con esa letanía de campanas, simboliza la disolución y muerte de su anterior banda y simboliza también la voluntad de romper definitivamente con el pasado. Lennon llegó a decir que su etapa con el doctor Janov era mas importante que todos los años pasados junto a los Beatles.
“Mother” se grabó en los estudios Abbey Road de Londres con Ringo Star a la batería y Klauss Voorman al bajo, se da la circunstancia de que Voorman, reconocido ilustrador, fue quien diseñó la portada del “Revolver” de los Beatles. El tema fue grabado de forma minimalista, con una instrumentación austera en la que destaca en un primer plano la voz de John Lennon desgranando esas desarmantes confesiones sobre la perdida de sus padres: “Madre, tu me tuviste, pero yo nunca te tuve a ti, te necesitaba pero tu nunca me necesitaste, así que tengo que decirte adiós”. La canción termina con esos estremecedores “Mama Don´t Go” que se van transformando en un grito desesperado hacia el final de la canción.

Conociendo el trasfondo psicológico y las circunstancias que rodearon esta grabación, “Mother” resulta aún mas impresionante en cuanto nos muestra a un hombre, desprovisto de cualquier disfraz o artificio, haciendo frente a sus monstruos.
Este “John Lennon / Plastic Ono Band” contenía aparte de este “Mother” otra buena colección de canciones en el mismo tono confesional y descarnado como “Isolation”, “Working Class Hero”, “Well Well Well” o “God”.
En definitiva, un tema que es una autentica obra maestra dentro de un disco ejemplar, el punto culminante de la carrera en solitario de John Lennon, una carrera cargada de altibajos.

Mother

(clock chiming)
Mother, you had me but I never had you,
I wanted you but you didn’t want me,
So I got to tell you,
Goodbye, goodbye.
Farther, you left me but I never left you,
I needed you but you didn’t need me,
So I got to tell you,
Goodbye, goodbye.
Children, don’t do what I have done,
I couldn’t walk and I tried to run,
So I got to tell you,
Goodbye, goodbye.
Mama don’t go,
Daddy come home.
Mama don’t go,
Daddy come home.
Mama don’t go,
Daddy come home.
Mama don’t go,
Daddy come home.
Mama don’t go,
Daddy come home.
Mama don’t go,
Daddy come home.
Mama don’t go,
Daddy come home…

Soy tu sueño, te hago real
Soy tus ojos cuando debes robar
Soy tu dolor cuando no puedes sentir
Triste pero cierto

Soy tu sueño, mente extraviada
Soy tus ojos mientras estas lejos
Soy tu dolor mientras tu devuelves
Sabes que es triste pero cierto, triste pero cierto

Tu, tu eres mi mascara
Eres mi capa, mi refugio
Tu, tu eres mi mascara
Eres aquel al que culpan
Haz, haz mi trabajo
Haz mi sucio trabajo, chivo expiatorio
Haz, haz mis hazañas
Tu eres quien se avergüenza

Soy tu sueño, te hago real
Soy tus ojos cuando debes robar
Soy tu dolor cuando no puedes sentir
Triste pero cierto

Soy tu sueño, mente extraviada
Soy tus ojos mientras estas lejos
Soy tu dolor mientras tu devuelves
Sabes que es triste pero cierto, triste pero cierto

Soy tu sueño,
Soy tus ojos,
soy tu dolor

Soy tu sueño,
Soy tus ojos,
soy tu dolor

Sabes que es triste pero cierto

Odio, soy tu odio
Soy tu odio cuando quieres amor
Paga, paga el precio
Paga por nada justo

Hey, soy tu vida
Soy el que te llevo allí
Hey, soy tu vida
Y ya no me preocupa

Soy tu sueño, te hago real
Soy tus ojos cuando debes robar
Soy tu dolor cuando no puedes sentir
Triste pero cierto

Comentarios al texto (en negrita) por Leo.

En pleno auge del hippismo, los Beatles se vieron convertidos involuntariamente en oráculos públicos. Sus actitudes y las letras de sus canciones eran examinadas con lupa por seguidores y detractores. DEBAJO: “Todo lo que necesitas es amor”.

La respetabilidad aumentaría de forma alarmante en 1965 al concederles su Graciosa Majestad la Orden de Miembros del Imperio Británico, habitualmente reservada para las hazañas bélicas. Viejos ex combatientes que la guardaban en su baúl de los recuerdos la devolvieron indignados. Mas tarde John comentaría que era más lógico que se la impusieran a ellos, que habían contribuido a divertir al personal, que a quienes se habían dedicado a matar gente. Y lo cierto es que las exportaciones inglesas habían aumentado vertiginosamente gracias a una Inglaterra que se había puesto de moda de la mano de los Beatles: bastaba que ellos rematasen los cuellos de sus chaquetas con terciopelo para que se disparase la venta de este tejido. Con el tiempo, el propio Lennon rechazaría su condecoración como señal de protesta en una de sus campañas pacifistas. Pero en su día la aceptaron más o menos complacidos, aunque poco antes de la ceremonia se encerraron en los lavabos de palacio a fumarse un porro para relajar el protocolo.

También en 1965 probaron la droga que inmediatamente se podrá de moda, el LSD, y con ella aumentó el grado de intelectualización de su obra, especialmente al combinarse con la mística hindú y la meditación trascendental. Los Beatles acabarían renegando públicamente de su relación con el polémico Maharishi. Aun con esto, no se puede negar lo positivo en el aspecto musical que tuvo todo aquello. Sus letras empezaron a ser acechadas como si fueran el evangelio, se les exigía desde todos lados una conducta acorde con sus responsabilidades, y toda esta dinámica que los iba convirtiendo en oráculos públicos terminó siendo muy peligrosa.

El primer aviso llegó en Agosto de 1966 en San Francisco, poco antes de retirarse de los escenarios, cuando John Lennon declaró: “Somos más famosos que Jesucristo”. Nunca debió decirlo. La reacción entre ciertos sectores del público fue tan histérica que estuvo a punto de acabar con la carrera del grupo. Luego llegaron las advertencias por consumo de drogas. Con los Beatles no se atrevieron hasta su separación, pero a los Rolling Stones los sometieron a auténticas sobredosis de policía para que no descarriaran a la juventud.

Hacia 1969 era habitual estudiar escrupulosamente las carpetas letras y microsurcos de los Beatles en busca de mensajes ocultos. Se trataba de construcciones mentales absolutamente paranoides, entre las que se llevó la palma la publicada el 29 de Octubre por una revista estudiantil americana, Rat Magazine. Según su teoría, Paul McCartney había muerto en un accidente de automóvil, siendo sustituído por un doble de aspecto y voz muy parecidos al original. Los Beatles lo habían ocultado, pero dejando pistas en sus discos para el que quisiera entenderlas.

¿Por ejemplo? Pues en la portada del Sgt. Pepper´s, donde aparece una tumba, hay un seto de flores con una guitarra de cuatro cuerdas (esto es, el bajo de Paul); en la cubierta de Abbey Road, McCartney es el único que camina descalzo y con el paso cambiado, mientras que se ve un Volkswagen aparcado cuya matrícula es 28 IF, es decir, 28 si… (Paul hubiera cumplido 28 años si no hubiese muerto en un accidente de automóvil, como suponía esta teoría a partir del análisis de la letra de A day in the life). Además, si se pasaba al revés Revolution No. 9, podía oirse a John diciendo lúgubremente “I buried Paul” (“Yo enterré a Paul”), etcétera. Incluso revistas tan sesudas como Triunfo se hicieron eco en España de elucubraciones de este tipo. Cuando en las conferencias de prensa le preguntaban por su muerte, McCartney respondía con humor que no se había enterado de ella, pero que no le extrañaba nada, porque siempre era el último en enterarse de lo que pasaba en los Beatles. Sobre este divertido tema, en Internet se pueden encontrar todo tipo de páginas. No pocas son dignas de mentalidades oligofrénicas, aunque no obstante no dejan de ser curiosas. En fin, que en esto como en todo “hay gente pa tó”, oigan.

Ya no hubo lugar para bromas, sin embargo, cuando estalló el asunto Manson ese mismo año de 1969. Un psicópata californiano, Charles Manson, que había creado su propia familia (especie de comuna entre mística, hippy y neonazi), también creyó percibir mensajes ocultos en las canciones de los Beatles, particularmente en Helter Skeleter y Piggies. Y con ellas como lema cometió una serie de atroces asesinatos que incluían a la actriz Sharon Tate, embarazada de su marido, el cineasta Roman Polanski. Junto a los cadáveres, escritos con su sangre, aparecieron los títulos de las canciones de los Beatles, y sus autores, John y George, fueron llamados a declarar.

En el libro Curiosidades, gazapos y anécdotas de Hollywood de Eduardo Llorente y David Eraskin, se indica que la motivación principal de la Familia Manson para llevar a cabo la matanza era cargarse a Steve McQueen, a quien Manson al parecer admiraba. Manson era, además de un pésimo cantante, un guionista aun peor, y envió un guión a la productora propiedad del actor, Solar Pictures, con la esperanza de que su ídolo aceptase protagonizarlo. Sin embargo, el texto era tan rematadamente malo que no le prestaron la menor atención. Despechado, Manson empezó a urdir en su cerebro la idea de vengarse, y tiempo después se enteró de que se iba a celebrar una fiesta en la casa de Roman Polansky a la que McQueen había sido invitado. Éste salvó la vida porque decidió pasar la noche a solas con un ligue. De lo que no cabe ninguna duda es de que Manson y sus familiares estaban destinados a cometer una masacre más pronto o más tarde, yendo contra cualquiera que les cayese mal y estuviese a su alcance (Manson también le tenía tirria a Liz Taylor o a Tom Jones, por ejemplo). Lo más triste de todo es que Manson (que continúa encerrado en un presidio para enfermos mentales) se ha hecho millonario al correr de los años, gracias a miles de jumentos empeñados en admirar (!) o ver algo interesante en la figura de este tarado.

Aquello se estaba convirtiendo en una pesadilla, con los Beatles en una claustrofóbica jaula de oro, especialmente desde que su inmersión en el mundo de los negocios con el sello Apple (tras la muerte de Brian Epstein en Agosto de 1967) y la película para TV Magical mistery tour (un absurdo caprichito de McCartney) habían terminado en un sonoro fracaso. Los Beatles no eran infalibles después de todo. Con la madurez vino, además, la diáspora. John había conocido a una artista japonesa de vanguardia, Yoko Ono, en Noviembre de 1966, y su relación con ella le llevaría a divorciarse de su primera mujer, Cynthia, y también de los Beatles. Si el primer divorcio pareció bien a casi todo el mundo, el segundo no se lo perdonaría nadie: ni los otros miembros del grupo ni sus propios fans.

Verano de 1967. En plena fiebre de la psicodelia, la aparición el álbum – suite “Sgt. Pepper´s” deslumbró a los críticos. Pero los Beatles no eran infalibles: su primera inmersión en el mundo de los negocios resultó un fracaso. ARRIBA: la “boutique” Apple, emplazada en pleno centro de Londres.

IR A LA CUARTA Y ÚLTIMA PARTE.

Los políticos se esconden lejos
Ellos solo iniciaron la guerra
¿Por que deberían salir a luchar?
Dejan ese rol a los pobres

El tiempo dirá a sus mentes poderosas
Haciendo la guerra solo por diversión
Tratando a la gente como peones en el ajedrez
Espera hasta que su día del juicio llegue, Si!

Ahora en la oscuridad, el mundo deja de girar
Mientras la maquina de guerra sigue ardiendo
No mas cerdos de la guerra en el poder
La mano de Dios ha fijado la hora
Día del juicio, Dios esta llamando
Arrodillados, los cerdos de la guerra se arrastran
Mendigando clemencia por sus pecados
Satán, riendo, abre sus alas
Todo correcto ahora!!

Deep Purple son considerados toda una institución en el rock duro británico, y uno de los grupos claves para entender la génesis del Heavy Metal. Formados en Hertford, inglaterra en 1968, Deep Purple iniciaron su carrera como una simple banda de músicos de sesión, con una formación inicial que ya incluía al guitarrista Richie Blackmore.

Tras unos primeros años exploratorios y un tanto erráticos en los que los Purple tontearon con la música clásica en el bizarro “Concerto For Group And Orchestra” entra Ian Gillan en la banda, en substitución del vocalista original Rod Evans, conformando la llamada “Formación Clásica” de la banda, o “Mark II”. Blackmore asume el rol compositivo, marcando el rumbo hacia un sonido mas duro, basado en las guitarras y en el contrapunto de la poderosa voz de Ian Gillan.
El primer fruto de estos cambios es este “In Rock”, considerado el mejor trabajo de la banda y una de las piedras angulares del Rock moderno, un trabajo absolutamente demoledor que constituye un autentico “Tour de Force” para el oyente. Desde el extraño inicio distorsionado de “Speed King” hasta la oscura “Hard Loving Woman” no hay apenas momentos de respiro, se desata una autentica orgía de “riffs” cortesía de un inspiradisimo Richie Blackmore sobre los que destacan los aullidos enfebrecidos de un Ian Gillan en estado de gracia.
Temas como “Bloodsucker”, “Into The Fire” o “Living Wreck” resultan, con la perspectiva que da el tiempo, auténticos manuales de estilo, y podemos encontrar la impronta de aquellas guitarras, de aquellos sonidos, en grupos de diversa índole como Queens Of The Stone Age, Pearl Jam, The Cult o Nirvana.

Con este “In Rock” Deep Purple consiguieron un magnifico resultado comercial y crítico, y comenzó para la banda la etapa mas exitosa y popular de su carrera, publicando, en 1974 ese “Smoke On The Water” que es sin duda la canción mas conocida de la banda y uno de los temas mas populares de todos los tiempos.
En ese mismo 1974 sale Ian Gillan de la banda, siendo substituido por David Coverdale, empezando entonces un proceso de innumerables cambios de formación con resultados ciertamente irregulares. Para la historia queda esta formación clásica y este disco como una de las piezas claves del rock moderno.

Articulos Recomendados:
-Descarga del disco en “Rincon Del Rock and Roll”

Azules, ventanas azules tras las estrellas,
Una luna amarilla en el horizonte,
Grandes pájaros cruzando el cielo,
Lanzándonos sombras sobre nuestros ojos.
Nos dejan

Indefensos, indefensos, indefensos
Nena, ¿me puedes escuchar ahora?
Las cadenas están cerradas y atadas a la puerta,
Nena, canta conmigo como sea.

Azules, ventanas azules tras las estrellas,
Una luna amarilla en el horizonte,
Grandes pájaros volando por el cielo,
Lanzándonos sombras sobre nuestros ojos.
Nos dejan

Indefensos, indefensos, indefensos

Comentarios al texto (en negrita) por Leo.

DEBAJO: Cuatro descuidados rockers, convertidos en buenos muchachos. Brian Epstein fue el responsable de la primera imagen del grupo.

Será Epstein quien les consiga una sesión con George Martin, productor de una filial de EMI especializado en grabar a humoristas como Peter Sellers, con fama de arriesgarse con gente nueva. Es así como el 11 de Septiembre de 1962 tiene lugar la grabación de Love me do. En una sesión previa a Martin no le había gustado como tocaba Pete Best, y había sido sustituido por Ringo (quien, para evitar riesgos, cedido a su vez la batería a un profesional en Love me do). El single se coloca entre los veinte superventas. Los Beatles eran ya una celebridad local.

Todo esto nos hace pensar, una vez más, respecto a la cortedad de miras de muchos mandamases a la hora de “destapar genios”; sobre todo en el terreno cultural y, más concretamente, en el musical. Fijémonos en que los Beatles lograron grabar su primer single casi de rebote, teniendo que recurrir para ello a un sello menor y a un productor de segunda fila. Casi nadie fue capaz de ver del diamante en bruto que podía tener entre manos, como por ejemplo los responsables de otras discográficas de mayor categoría que les rechazaron, tal que Decca. Aquellos tipos podrían figurar de forma aventajada entre los más idiotas que jamás hayan pisado este mundo y varios adyacentes.

Estamos en 1963. Please, please me logra el milagro de llevarlos al número uno nacional, graban su primer LP y convierten el estribillo de She loves you en el grito de guerra de toda una generación, un yeah-yeah que dará nombre provisional a este renacer del rock: la música ye-ye. John, que se ha casado el año anterior de penalti con su novia, Cynthia, (matrimonio que fue silenciado temporalmente para no “decepcionar” a las fans y así mantener intacto el tirón popular del músico y de su banda) tiene un hijo al que pone Julian de nombre, en memoria de su madre. Una gira por todo el país y galas con lo más selecto de la sociedad británica ponen punto final a su reconocimiento nacional. El siguiente paso será Estados Unidos.

El single I want to hold your hand allanó el camino y en Febrero de 1964 miles de fans aullaban en el aeropuerto Kennedy ante unos Beatles que traían calentito, recién salido del horno, su segundo álbum. Los yankis no lo sabían, pero el cuarteto de Liverpool estaba reconciliándose con sus propias raíces musicales. Como diría más tarde Lennon, “cuando llegamos a EE.UU. y nos encontramos con que nadie escuchaba rock and roll ni música negra, sentí que veníamos al origen, pero que nadie quería enterarse de ello”.

Ese año de 1964 supuso, también, el triunfo en otros frentes, sobre todo en el cine, de la mano de Richard Lester, un director del floreciente free cinema inglés. En A hard day´s night captaba de un modo casi documental la vida enloquecida de los cuatro Beatles, con insertos muy innovadores en los números musicales que dejan entrever lo que serán los futuros videoclips. Al año siguiente Help! desarrollará esos componentes, mostrándolos como una especie de Hermanos Marx del pop. Hoy día A hard day´s night es un clásico indiscutible del cine contemporaneo

Además, John publica dos libros, John Lennon in his own write y A Spaniard in the work. Todo el mundo se queda sorprendido: el libro es más que aceptable, muestra que hay rockeros que tienen algo más que serrín en la cabeza y que Lennon dibuja y escribe estupendamente. Se le concede el premio Foyle y esta mítica librería londinense da una recepción en su honor. Y no sólo eso: John Lennon in his own write vende 300.000 ejemplares en Inglaterra. En EE.UU. también es un best seller. El rock empieza a gozar de respetabilidad social. El productor de sus películas, Walter Shenson, ha evocado a John Lennon en un banquete en el Festival de Cannes, y aquel luce la mejor de sus sonrisas para la galería mientras por lo bajo le susurra: “Walter, dime si el jodido tenedor que estoy cogiendo es el adecuado para este plato”.

Los conciertos de los Beatles arrebataban al público. En las raras grabaciones que los registran, las canciones apenas son audibles entre el griterío de la audiencia. En la foto, actuación de la banda en Las Vegas, en 1964. Al año siguiente visitaron Madrid y Barcelona y en el verano de 1966 se retiraron de los escenarios. Su música se había vuelto demasiado compleja para ejecutar en vivo.

Con motivo del 30 aniversario de la visita de los Beatles a España Televisión Española editó un magnífico documental titulado ¡Que vienen los Beatles!, en el que se cuenta con todo detalle aquella visita relámpago saboteada de forma más o menos sutil por la dictadura franquista, que veía en aquellos “melenudos” a cuatro peligrosos agitadores de la juventud que para nada convenían a los intereses del régimen. Si podéis echarle el lazo no perdáis la oportunidad, que está muy bien.

IR A LA TERCERA PARTE.

Si en el primer Podcast el hilo temático era el final del verano y el principio del Invierno, aquí hemos decidido recuperar una década, la de los 90, y un sonido, el del noise rock americano, que para mi personalmente definió gran parte de mis años mozos

Grandes grupos y grandes canciones, grabadas de manera casi artesanal y con las guitarras siempre al limite del feedback, indie rock del bueno en este Podcast que contiene los siguientes temas:

-Sebadoh – Gimmie Indie Rock
-Guided By Voices – Motor Away
-Buffalo Tom – Larry
-Built To Spill – Reasons
-Come – Hurricane
-Eric’s Trip – Girlfriend
-Mercury Rev – Young Man’s Stride
-Helium – Superball
-Pavement – Texas Never Whispers
-Dinosaur Jr. – The Wagon
-Sonic Youth – Mildred Pierce

Computer Age Podcast #2

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Neil Young publicó en el 2006 su disco “Living With War”, un disco atípico en la carrera del músico canadiense por varios motivos, un disco que, por encima de cualquier otra consideración musical, era un grito de protesta muy directo contra la guerra de Irak y contra la administración Bush que había metido a los EEUU en ese avispero.
Las canciones de este disco se compusieron y grabaron en un tiempo record, casi con carácter de urgencia, y por primera vez en la trayectoria de Neil Young se ofrecieron para su descarga gratuita desde el propio sitio www.neilyoung.com, creando al tiempo un microsite con apariencia de página de informativos donde se iban colgando vídeos y documentos sobre la guerra y en el que el propio Neil participaba.
La publicación de este disco suscito inmediatamente en Neil Young el deseo de realizar un tour nacional, distinto a todos los que ya había hecho a lo largo de sus 40 años en la carretera, en el que el mensaje primaria sobre sus canciones.
La banda elegida por Neil para esta ocasión fueron sus viejos colegas David Crosby, Graham Nash y Stephen Stills, y es que estos músicos ya acompañaron a Neil en Woodstock, cuando otro mensaje (en aquella ocasión contra la guerra de Vietnam) era necesario.
La película nos narra, a modo de documental, esta gira de CSNY, aunque no es el típico documental de rock ya que en todo momento lo que se intenta destacar es el mensaje político anti belicista, recogiendo testimonios de los asistentes a lo conciertos así como declaraciones de veteranos de ambas guerras (Vietnam e Iraq).
Analizando esta faceta política del film, no sorprende encontrarnos una vez mas con la ya conocida mentalidad cerrada del estadounidense medio, que ve cualquier manifestación política, sobre todo si el mensaje es marcadamente izquierdista, como un ataque directo contra su país y contra el tan manido “American Way Of Life”. La película trata de retratar esa mentalidad pero sobre todo ahonda en la idea profundamente hippie (posiblemente Neil Young sea el ultimo hippie autentico) de que, de alguna manera, como ya ocurrió en los 60, la música puede cambiar las ideas de las personas y en las palabras del propio Neil Young se ve claramente la intención de intentar acabar con esa guerra a través de sus canciones.
Esta es precisamente la magia que hace distinta a esta película, la loca idea de cuatro hippies sexagenarios que se enfrentan a un país cansado, enfermo y ciego y que, curiosamente, parecen obtener ciertos resultados. Es muy curioso ver como va cambiando la reacción del publico según va avanzando la gira, de espectadores que abandonan aireados los conciertos a declaraciones emocionadas en contra de la guerra y como las reseñas periodísticas dan también un giro de 180 grados.
La cinta esta cargada de anécdotas que se fueron produciendo a lo largo de la gira, y se van intercalando también emocionadas declaraciones y recuerdos de los músicos, muy deteriorados físicamente (especialmente David Crosby y Stephen Stills), lo que hace realmente meritoria esta aventura.
Centrándonos ya en lo estrictamente musical, podemos disfrutar de las canciones de ese “Living With War” y alguna del aclamado “Déjà Vu” en las manos de estos auténticos mitos de la música popular en una gira que sin ningún genero de dudas debió ser muy especial, guiados como siempre por un Neil Young que aparece aquí rejuvenecido y con una vitalidad verdaderamente inaudita.
Para finalizar, me quedo con una cita de David Crosby: “Neil Young es el jefe de todo esto, pero no porque lo haya exigido, sino porque piensa en este tipo de cosas todo el rato”.

“El CD fue un desastre pero todo empeoró con el MP3. Es una tragedia que la gente escuche música en los ordenadores o en esos aparatitos. No dan sonido real, son como esos juguetes de plástico que venden en los supermercados. Hemos dejado que las empresas informáticas definan lo que es un buen sonido y han demostrado que no tienen ni idea de alta fidelidad. Hacen máquinas muy bonitas pero suenan a mierda. ¿Sabes una cosa? Estuve en casa de Steve Jobs, el jefe de Apple. Y en su salón tenía elepés y un giradiscos“

(Neil Young a Diego A. Manrique, en El País)

Copypasteado del blog Ya me gustaría.

¿Qué os parece a vosotros?. Puestos a arrastrar los huevos por el suelo hasta hacer un surco (vaguear como un perro, vamos), también copypasteo el comentario que yo mismo dejé en el post original:

“No comparto del todo su radikal opinión: la informática le ha hecho un grandísimo servicio a la música y a su difusión, y eso no puede negarlo nadie.

Hoy que es tan habitual tener que gastar una o más horas de transporte público camino del trabajo o la facultad, tener a mano un dispositivo portátil capaz de llevar tu música favorita a cuestas es algo que no tiene precio. Respecto a la calidad de sonido no puedo opinar porque no soy la persona adecuada para ello, pero apuesto a que sólo los más sibaritas se atreverían a criticar la calidad de la música proveniente de un reproductor MP3 o de un ordenador que esté acoplado a unos buenos altavoces y reproduzca archivos sonoros de calidad. Hace dos décadas la música pasaba de mano a mano en cintas de casette, de calidad generalmente muy discutible, y nadie se quejaba tanto.

El progreso tecnológico no es un error, si no su mala utilización. Esto último puede dar lugar a verdaderos disparates porque errare humanum est después de todo, pero de ahí a tildar la electrónica y el progreso que ha posibilitado como un cáncer…”

Por mi parte yo tengo en el salón de mi casa un ordenador multiusos (hace de TV, de Cibercafé, de cadena musical y centro de ocio videojueguil) y basta una simple Creative Audigy acoplada a unos altavoces decentes para que lo que sale de ahí suene de miedo. A mí al menos me lo parece, que es lo importante ;-).

La idea de reproducir íntegramente este reportaje en Computer Age me vino a la cabeza tras dedicar parte de mi tiempo libre a revisitar la discografía de la banda y volver a ver películas y documentales relacionados con ésta. Recordé la existencia de este excelente trabajo, publicado hace ya más de dos décadas y seguramente desconocido u olvidado por casi todo el mundo. Entendí que valdría la pena ponerlo a disposición de la gente en la Red y me puse en contacto con José Pardina, el director del MUY, que me concedió encantado el permiso necesario para llevar a cabo la idea. Por lo tanto, aquí os dejo una muestra de periodismo del bueno proveniente de una época en que no existía Internet, con su pasmosa facilidad de acceso a cantidades ingentes de datos (con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva), y por tanto había que husmear, y mucho, para encontrar información fidedigna y de calidad, aun tratándose de un grupo como The Beatles. Lo sacaremos a la luz por entregas a lo largo de las próximas semanas, para que no se os haga demasiado pesado, y me permitiré la licencia de insertar algunos comentarios propios cuando lo considere oportuno, debidamente señalados para diferenciarlos del texto original. Espero que lo disfrutéis como merece, porque realmente vale la pena. Os lo garantizo.

Beatles Para siempre: 25 años desde “Love me do”. Primera parte
Autor original: Agustín Sánchez Vidal
Publicado en Muy Interesante, número 77. Octubre 1987
http://www.muyinteresante.es/

Comentarios al texto (en negrita) por Leo.

En 1963 y 1964, los Beatles provocaban estados de histeria colectiva allá por donde pasaban. Antes que su música, ese aspecto escandaloso fue el primero que destacaron los pacatos medios de comunicación de la época. Debajo, los “Fab Tour” en una típica foto promocional de los años gloriosos. De izquierda a derecha: John, George, Paul y Ringo.

Los futuros Beatles nacieron todos en el duro enclave de Liverpool, que a las inclemencias provincianas del cinturón industrial del centro de Inglaterra añadía entonces las impuestas por la Segunda Guerra Mundial. John Lennon y Richard Starkey (más conocido luego como Ringo Starr) nacieron en 1940; Paul McCartney les siguió en 1942, y George Harrison en 1943. Ringo procedía de los arrabales proletarios y el padre de George era el conductor del autobús escolar del centro donde estudiaba. John y su madre, Julia (que moriría en 1957 atropellada por un policía borracho) habían sido abandonados por su padre, un marinero pendenciero que cuando su hijo alcanzase la fama grabaría un disco intentando rentabilizar la situación. Quizá Paul fuera el que disfrutase de una infancia más tranquila y estable, en el seno de una típica familia de clase media – baja con aficiones musicales.

Con el tiempo, Liverpool tendría, sin embargo, sus ventajas: el puerto la mantenía bien surtida de novedades discográficas, la comunicación con sodomas y gomorras como Hamburgo era fluida y la gente sobrevivía gracias a un dislocado sentido del humor del que dan fe los mejores cómicos del país, que proceden de allí. Tras varias formaciones y nombres, John, Paul y George (los tres armados de guitarras, a los que hay que añadir Stuart Sutcliffe al bajo y Pete Best a la batería) se bregan en Hamburgo tocando incansablemente en clubs de mala muerte. Pero también son apreciados por universitarios alemanes como Klaus Voorman, futuro miembro de la Manfred Mann y autor de la portada de su álbum Revolver. Muchos años después, y tras haber colaborado puntualmente con la Plastic Ono Band de Lennon, Voorman sería de nuevo tanteado por los Beatles supervivientes para poner portada al disco recopilatorio The Beatles Antology (1996).

Por aquel entonces, no pasan de ser unos descuidados rockers con las inevitables zamarras de cuero, que han adoptado el nombre de Beatles como un juego de palabras muy de Lennon entre beat (“percusión”) y beetle (“escarabajo”), un guiño a los Crickets (“Grillos”) que acompañaban a Buddy Holly. Pero esta imagen un tanto zafia y trasnochada será pulida por Brian Epstein cuando se haga cargo de su promoción tras escucharles en La Caverna, un antiguo club de jazz donde tocaban en Liverpool a su vuelta, ya sin Stuart Sutcliffe, que se queda en Alemania y morirá algún tiempo después.

En 1993, el director Ian Softley (K-Pax) debutó en el cine con Backbeat, un filme centrado en las correrías de los Beatles en Hamburgo a principios de los 60, aunque Luis (el jefón de este site) no se corta de calificarlo públicamente como “un pedazo de mierda”. Ciertamente no es un filme demasiado brillante que digamos, pero puede constituirse como punto de partida para indagar más seriamente en una etapa de la banda tan poco conocida como igualmente fascinante.

IR A LA SEGUNDA PARTE.

I’m A Gambler”

Páginas que visité con mayor frecuencia para esta reseña (¿weblografía?):

-SonicWave
-Alohapoprock
-Honeybus home page
-En busca del vinilo perdido