Mystic River

Sábado 1 noviembre 2014

Mystic River (2003)

Director: Clint Eastwood
Interpretes: Sean Penn, Tim Robbin, Kevin Bacon, Marcia Gay Harden, Laura Linney

La faceta de Clint Eastwood como director quizás es mas desconocida para el gran público que su amplia carrera como actor, pero desde luego no es una faceta nueva, Eastwood lleva dirigiendo películas desde los 70, y lleva ya unos cuantos años ganándose la merecida acreditación de ser un gran director, quizás de los mas grandes del cine actual.
Mystic River, basada en la novela de Dennis Lehane, donde Eastwood, además de dirigir aporta la (magnifica) banda sonora, es una muestra mas del talento del director estadounidense detrás de las cámaras, abordando un tenebroso drama urbano con una solvencia que no deja de asombrar.
Jimmy Markum (Sean Penn), Sean Devine (Kevin Bacon) y Dave Boyle (Tim Robbins) son tres amigos que de niños fueron marcados por un terrible acontecimiento, cuando jugaban en la calle, Dave fue secuestrado y violado por unos desconocidos, la vida ya no sería igual para ninguno de los tres, sobre todo para Dave.
Años mas tarde, perdida casi por completo la relación entre los tres sus vidas se volverán a cruzar por otro suceso trágico: Katie, la hija de Jimmy desaparece y es encontrada asesinada, Sean, que es ahora policía, se encarga de la investigación, Dave, perseguido aún por los fantasmas del pasado se perfila rápidamente ante todos como el principal sospechoso, Jimmy busca venganza, Sean justicia y Dave se busca aún a si mismo.
Mystic River es una pelicula larga, mas allá de las dos horas, pero sabe mantener la atención durante toda la proyección, sin duda gracias al buen hacer de Eastwood que construye una película de una factura muy clásica provista de una irresistible carga emocional y dramática, sin duda la banda sonora, compuesta por el propio director contribuye a acentuar ese dramatismo. El argumento peca quizás de ser un tanto previsible lo que no empaña el resultado final, mas centrado en el desarrollo de las vidas de esos personajes marcados por el destino y la tragedia.
La película profundiza en la idea de la perdida de la inocencia, en la inefabilidad del destino, en la búsqueda del amor y la amistad, en un relato Dramático, sombrío, emocionante.
Destaca el trío protagonista, Sean Penn está sublime en su papel de padre destrozado, anhelando la venganza pero temeroso de perder a su familia, Tim Robbins resulta conmovedor encarnando a una persona a la que se le escapó la vida años atrás, y Kevin Bacon firma una gran interpretación dando vida a ese policía hundido tras las separación de su esposa.
Una película inapelable, rotunda, dura, de una belleza deslumbrante y de una perfección exquisita.

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Beastie Boys – Licensed To Ill

Viernes 31 octubre 2014

Beastie Boys
Licensed to Ill
Def Jam, 1986

Principios de los ochenta, tres jóvenes que parecen sacados de “La Venganza de los Nerds”, blancos, judios, de clase acomodada, y de Manhatan forman parte de un grupo punk underground que ya ha afilado los colmillos en los principales locales de la movida de Nueva York. Un día comienzan a hacer burla del floreciente movimiento rap que llevaba más de una década gestándose en la costa este americana y descubren que ellos lo hacen tan bien o mejor que muchos de los componentes de este movimiento y que la respuesta del público supera a la que obtienen tocando temas punk.
Como en realidad tanto el punk como el movimiento hip-hop nacen de la falta de medios y la necesidad de buscarse la vida el paso dado por los BB no fue nada traumático. La única falta que tenían era la de su discoteca, en vez discos de James Brown, Cool and the Gang o Earth, Wind And Fire ellos tenían albums de Led Zeppelin, The Clash, Black Sabbath y AC/DC, de forma que las bases de sus rimas y el esquema de sus canciones eran diferentes de las que usaba cualquier otro grupo.
Rick Rubin les firmó para su discográfica, Def Jam, y compuso y produjo con ellos uno de los albums más influyentes de los 80’s, “Licensed to Ill”. No esta claro si esta joyita puede considerarse un simple disco de hip-hop o de rock, pero ciertamente fue la primera piedra de lo que acabo degenerando en la mezcla rap/rock tan en boga hoy en día.
“Rhymin & Stealin” abre el disco como solo abren los grandes, marcando diferencias. Si la moda y el estilo de rap de aquellos años exigían velocidad y rimas aceleradas lo que se encuentra el oyente es un tema exageradamente ralentizado con una base rítmica muy simple, sobre la que los BB riman de la más difícil de las maneras, despacio. El disco sigue con temas mucho más cercanos a los estándares rap del old school, demostrando la versatilidad de los tres componentes a la par que su descaro. Pero son las cuatro canciones del ecuador del disco las que convierten a esta obra en un clásico. “Girls” “Fight for Your Right”, “No Sleep ’till Brookyn” y “Paul Revere” fueron verdaderos bombazos en la confundida cultura de su década. Los dos primeros, con su pegadizo estribillo, se convirtieron en himnos populares de la juventud y de la rebeldía ante la sosería impuesta por la era Reagan. Si ya Hollywood marcaba la pauta con películas como “Footloose”, “Flash Dance” y “Girls Just Want to Have Fun”, el vídeo musical de “Fight for Your Right” se coló en los hogares de todo el mundo inundando las pantallas de calcetines blancos y de chicas frescales.
“No Sleep ’till Brookyn”, con sus afiladas guitarras puede considerarse como el germen del rap-metal y “Paul Revere” devuelve a los BB a su versión más gamberra y rapera.
No es justo dar todo el crédito a los BB, Rick Rubin se debería al menos la mitad, pero la cara, las rimas y el gamberreo lo ponían el grupo. MTV hizo el resto.

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Led Zeppelin – Coda

Jueves 30 octubre 2014

Led Zeppelin
Coda
Swan Song 1982

El 25 de septiembre de 1980 es una de las fechas marcadas en rojo en la historia del rock, John Bonham moría y con él desaparecía uno de los grupos más importantes de la historia del rock.
Aun así, en 1982, Jimmy Page sorprendía publicando una recopilación de 8 temas ineditos, grabados desde enero de 1970 hasta finales de noviembre de 1978 bajo el sugestivo, musical y relevante nombre de Coda. Dependiendo de a quien se pregunte este disco es considerado bien la obra menor de Led Zeppelin, bien una simple recopilación. Lo que ciertamente puede considerarse a ciencia cierta es la recuperación del carácter blues-rock de la banda, muy alejado de los planteamientos místicos, celtas y de experimentación que marcaron su discografía desde el mítico cuarto álbum. Coda esta más cercano al Led Zeppelin II de 1969 que al “In Through the out Door” de 10 anos después.
Esta compuesto por temas que no encajaban en sus anteriores trabajos y a los que se podía dar salida aprovechando el tirón de la banda. A pesar de la diferencia de tiempo entre las grabaciones el álbum mantiene una increíble coherencia, haciéndose difícil ubicar temporalmente estas grabaciones. El sonido Zeppelin, misticismos aparte se mantiene de principio a fin, incluso en las dos canciones no compuestas por ellos.
“We’re Gonna Groove” abre el disco, y lo primero que queda patente es la presencia que va a tener Bonham tanto en esta pista como en el resto del disco. Los redobles imposibles y los trucos de caja enmarcan el fantástico trabajo guitarristico de Page demostrando el porque del título de la canción.
“Poor Tom” abre de la misma forma, simplemente Bonzo y Plant hasta que Page se les une tras el doceavo compás de una forma minimalista. La canción solo se complica con la entrada de la armónica de Plant, dándole un precioso toque blues.
La tercera pista “I can’t Quit You Baby” es otra confirmación de los orígenes blues de la banda y sorprende comprobar que fue grabada en una prueba de sonido antes de un concierto en el Royal Albert Hall de Londres, dando idea de la calidad musical en directo del grupo.
“Walker’s Walk” es posiblemente la pista mas roquera del disco, notándose especialmente en el poco detallista pero efectista solo de guitarra de Page. La apisonadora sigue con la repetitiva “Ozone Baby” donde las guitarras, al igual que en la pista anterior sientan las bases en las que se educaran las nuevas generaciones del hard rock moderno especialmente del genero “stoner rock”.
“Darlene” es más inclasificable que las anteriores pistas, es blues, es rock y se convierte en swing por la deliciosa e inesperada pista de piano de John Paul Jones en la única oportunidad que le da Page de lucirse.
La siguiente canción es toda una demostración de John Bonham sobre como se toca la batería. “Bonzo’s Montreux” son cuatro minutos cargados de fuerza y dinámica. Bonzo no solo golpeaba con fuerza los parches sino que sabía usar las dinámicas y los desplazamientos rítmicos a la perfección. Solo por esta canción este disco se hace imprescindible para todo batería.
El disco termina con “Wearing and Tearing” gran titulo para finalizar, más que un disco, toda una época. Coda fue de las últimas bocanadas que pudo dar el rock setentero. Despues de 1982, y hasta el fin de la década, el relevo del rock lo tomarían las bandas de Hair-metal y las nuevas formaciones de grupos establecidos que acabarian vendiendo su alma al EMO por el vil metal. Jimmy Page es una de esas personas que dan gracias a por haber podido sacar el máximo provecho económico de su carrera antes del advenimiento de Internet y Napster, y la tacañeria que demuestra al poner solo ocho temas ineditos en un album de este tipo es la razón por la que la gente se baja canciones de Internet.

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Public Enemy – It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back

Miércoles 29 octubre 2014

Public Enemy
It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back
Def Jam 1988

En 1988 Rick Rubin, un pirado del metal y del punk rock, ya había producido dos clásicos del rap; Raising Hell de Run-D.M.C. y sobre todo Licensed to Ill de Los Beastie Boys con el que habia logrado vender 5 millones de copias. Esta vez dio un giro más de tuerca y dejando aun más continuidad a las guitarras electricas, presentes en esos discos, no solo insertando riffs sueltos aqui y alla, sino dejándolas sonar de principio a fin.
En este album, Public Enemy, Rubin y The Bomb Squad, se empeñaron en arruinar los sueños de los blanquitos WASP de los años Reagan haciendoles ver que sus peores pesadillas podian hacerse realidad en cualquier momento. El explosivo estaba en los ghettos y la mecha era este disco.
Siguiendo la filosofía punk de toma lo que tengas a mano y arrasa el resto, Public Enemy no deja títere con cabeza y afronta los problemas a los que el hombre negro se enfrenta a diario, enseñando a su raza el orgullo que han de mostrar en todo momento. Public Enemy da al negro americano lo mismo que Farrakhan y Malcom les dieron veinte años atras pero de una forma más convincente, atrayente y cercana, aqui no hay sitio para Martin Luther.
El disco nunca baja en intensidad. “Bring the Noise” es la primera roca a tragar que prepara para el himno “Don’t Believe the Hype”. Flavor Flav arrasa en “Cold Lampin’ With Flavor” y Terminator X hace lo propio en “Terminator X to the Edge of Panic”, dando un pequeño respiro antes de pasar al corazón del disco.
Es ya en la pista 12, ” Black Steel in the Hour of Chaos” donde Chuck D. deja caer la bomba, rimando en contra de la situación de esclavitud a la que se enfrenta el negro pobre, forzado a dar su vida por una patria que le oprime y le niega su libertad y su apoyo. La rima lenta, casi como un cuento, va desgranando la apatía que siente el narrador ante su situación. “Rebel Without a Pause” es la mejor canción del disco, y seguramente de la historia del rap, puro old school. Chuck D. se deja la lengua en las rimas y Terminator X causa la misma impresión que Van Halen tocando “Eruption”.
Por último Public Enemy retoman el reciente exito de los Beastie Boys “Fight for Your Rigth” y lo convierten en “Party for Your Right to Fight” con Chuck predicando y Flav contrapunteando. Musicalmente hablando el disco es mucho más cuadrado que los previamente producidos por Rubin, que incluso canibaliza a bandas anteriormente producidas por el -Slayer en “She Watch Channel Zero”- ó simplemente retoma standars rap – el omnipresente “Apache” de Michael Viner en “Security of the First World”-.
It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back inició el camino de lo que sería el rap combativo. Considerado como el mejor disco de rap de la historia, meritos no le faltan.

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Trono de Sangre

Martes 28 octubre 2014

Trono de Sangre
Kumonosu Jo (1957)

Director: Akira Kurosawa
Interpretes: Toshiro Mifune, Isuzu Yamada, Minoru Chiaki

Una auténtica obra maestra, un film referencial de uno de los mas grandes genios del cine de todos los tiempos, Trono de Sangre es la adaptación que realizó Akira Kurosawa del “Macbeth” de Shakespeare, influido tal vez por las adaptaciones del poeta inglés que estaba realizando otro gran monstruo del cine como Orson Welles, la idea de Kurosawa, que puso también en practica en su “Rey Lear” particular años mas tarde (Ran – 1985), era la de trasladar el dramatismo y la vitalidad de la obra de Shakespeare al escenario del Japón feudal del siglo XVI, interpretando con éxito los paralelismos entre ambos mundos y ofreciendo al tiempo una actualización al drama clásico japonés.
La historia transcurre en un Japón asolado por guerras civiles entre distintos reinos, los Generales Washizu (Toshiro Mifune) y Miki (Minoru Chiaki) vuelven a casa tras una batalla cuando cruzando un bosque se encuentran con una bruja que predice el futuro de Washizu, diciéndole que será primero señor de la Casa del Norte y mas tarde señor del Castillo de las Telarañas. Se inicia entonces una lucha feroz por el poder en los reinos vecinos y poco a poco Washizu, guiado por la insaciable ambición de su esposa irá viendo como se cumplen una a una todas las predicciones.
Realizada en un sobrio y elegante blanco y negro (Kurosawa tardó en decidirse por el color), Trono de Sangre ofrece una ambientación sublime, con gran profusión de detalles y unas secuencias de una belleza extraordinaria donde la lluvia, la niebla y la noche se utilizan de manera excepcional para otorgar dramatismo a una historia ya de por si cargada de simbolismo y magia.
Toshiro Mifune, actor casi insustituible para Kurosawa realiza aquí uno de sus mejores papeles, mas comedido que de costumbre, sublime representando las contradicciones entre la ambición y el honor, entre la lealtad y la traición; destaca también la interpretación de Isuzu Yamada, en el papel de la mujer de Washizu cuya ambición no conoce limites.
Trono de Sangre, a pesar de su origen literario es una autentica película de acción, una película que absorbe e hipnotiza, con multitud de batallas épicas, con traiciones, asesinatos y momentos de una expresividad brutal como el trágico final de Washizu en la famosa escena de la lluvia de flechas.
Toda la obra de Akira Kurosawa es de una importancia capital, y Trono de Sangre es el perfecto ejemplo, una película que sin duda ha dejado una profunda huella.

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