El Hombre del Brazo de Oro

Miércoles 26 noviembre 2014

El Hombre del Brazo de Oro
The Man with the Golden Arm (1955)

Director: Otto Preminger
Interpretes: Frank Sinatra, Kim Novak, Eleanor Parker

Hace unos meses vi “Requiem por un sueño”, una película durísima que me impactó profundamente y me puse a buscar atraido por el tema de las drogas películas de corte similar, una noche, en una conversación nocturna de fin de semana, un amigo (saludos Roberto) sugirió un titulo: “El Hombre del Brazo de Oro”, una antigua película protagonizada por Frank Sinatra que según el era de las primeras películas que abordaban con seriedad el tema.
Con la recomendación en mente, pero sin demasiada urgencia se me fue pasando un poco el interes por las “peliculas de yonkis” y poco a poco todo aquello fue cayendo en el olvido.
Ultimamente sacan bastantes promociones de películas clásicas a buen precio, un dia en un Vips, vi que vendian packs de tres peliculas en dvd a 10 Euros, en uno de esos packs venía esta película y picado por la curiosidad lo compré.
Lo cierto es que no esperaba gran cosa, esperaba un acercamiento mas bien anecdótico al mundo de las drogas y una interpretación mas o menos lineal de Sinatra que, no nos engañemos, siempre fue mucho mejor cantante que actor, una vez mas, me equivocaba.
“El Hombre del Brazo de Oro” fue dirigida en 1955 por Otto Preminger, basada en una novela de Nelson Algren el film tuvo que superar bastantes obstáculos para superar la imperante censura del Hollywood de la época, al mostrar en toda su crudeza el descenso a los infiernos de la heroina de un jugador de pocker que vuelve a su barrio tras pasar una temporada en una clínica de desintoxicación y que verá como la desesperante realidad le ira sumiendo de nuevo en su adicción abortando todos sus deseos de empezar una nueva vida trabajando como músico de Jazz.
La vida de Frankie Machine se ve fuertemente condicionada por dos mujeres, de un lado su mujer Zosch (Eleanor Parker), postrada en una silla de ruedas a raíz de un accidente provocado por su marido, al que presiona para que permanezca a su lado, y de otro Molly (Kim Novak), enamorada de Frank y realmente interesada en ayudarle a cambiar de vida.
El entorno juega un papel importante, la adicción de Frank y la necesidad de conseguir dinero provocaran que vuelva a implicarse en las partidas ilegales y que vuelva a depender de la gente de la que quería distanciarse, todo un surtido conjunto de personajes marginales y oscuros.
Sorprende sobre todo la crudeza del film, realmente dramático y duro en muchos momentos, como cuando Frank se encierra para pasar el mono, escenas retratadas en toda su magnitud y con las que Frank Sinatra redondea una actuación realmente sublime, describiendo de forma precisa la degradación física y emocional a la que es sometido a medida que avanza por el camino de la droga.
La película retrata fielmente las condiciones, el caldo de cultivo del yonki: la vida sin expectativas, los personajes miserables sin futuro, la marginación.
Hoy día quizás la película no resulte tan impactante como en el momento de su estreno, pero sin duda sigue resultando un acercamiento realista y nada complaciente al siempre complicado mundo de las drogas, en parte empañado por un final “made in Hollywood” que fue la única concesión que tuvieron que admitir para eludir a los censores, aunque la verdad es que casi lo agradezco, no creo que hubiese sido capaz de soportar otro desenlace como el de “Requiem por un sueño”.

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Wilco – A Ghost Is Born

Martes 25 noviembre 2014

Wilco
A Ghost Is Born
Nonesuch 2004

El nuevo disco de Wilco da una nueva vuelta de tuerca a la revolución que inició la banda con su anterior largo “Yankee Hotel Foxtrot”, definiendo muchas de las vías que se abrieron en aquel momento y traduciendo el trabajo realizado en un envidiable conjunto de magnificas canciones.
La evolución de la banda de Jeff Tweedy es sin duda una de las mas radicales y atrevidas de toda la escena Rock americana, Wilco han pasado de facturar un Country-rock hereditario de Uncle Tupelo a desarrollar una inteligente y emocionante fusión de multiples referencias clásicas aunadas con los mas atrevidos experimentos sonoros.
A pesar de lo dicho, “A Ghost is Born” no es un disco experimental como tampoco lo era su antecesor, las canciones siguen siendo la prioridad absoluta de la banda, es una cuestión mas de vestir las canciones que de deformarlas, y ahí, en las canciones es donde está la verdadera grandeza de Wilco, todos los cambios que mencionamos han venido, mas que por otra cosa, por las diferentes circunstancias que ha ido pasando la banda, con multiples deserciones de sus miembros y los serios problemas discográficos tras la concepción de “Yankee Hotel Foxtrot” que les obligaron a refugiarse en una pequeña compañía independiente.
Jeff Tweedy es, de hecho, el único miembro original que permanece en la banda, la dolorosa y polémica salida de Jay Bennet en el 2002 sembró de dudas el futuro de la formación, formación que se reforzó con Nels Cline y Pat Sansone, músicos de experiencia provenientes de circuitos jazz y con la importantísima aportación de Jim O’Rourke, productor del disco y convertido en esta ocasión en casi un miembro mas de la banda, resultando clave para la adopción de claves de sonido cercanas a sus proyectos tanto en solitario como junto a la banda en la que actualmente presta sus servicios: ni mas ni menos que los mismisimos Sonic Youth.
Afortunadamente, por encima de cualquier tormenta o nueva tendencia estilística esta siempre el talento incontestable de Jeff Tweedy, que en su manera de componer e interpretar mantiene siempre las lineas clásicas de los grandes magos del rock y el pop del siglo XX, y que ahora con estas nuevas premisas tiene mas espacio para abarcar muchos y variados estilos.
La variedad precisamente es uno de los puntos fuertes de “A Ghost is Born”, un disco que pasa con pasmosa naturalidad de trallazos rockeros como “I’m a Wheel” o el desenlace de “At Least That’s What You Said”, a delicadas melodias pop como “Muzzle of Bees” o la deliciosa “Hummingbirds”, encontrandonos tambien temas abiertamente experimentales como “Spiders” (con esa base rítmica cercana a Stereolab) o “Less Than You Think”, construida sobre un infranqueable muro sónico, hay también espacio para melodías en apariencia mas sencillas, mas desnudas como “Company in my Back” o “Theologians” que suenan a gloria en los oidos del fan clasico de Wilco, sonando tremendamente naturales y frescas.
Lo cierto es que es dificil destacar canciones en un disco que no tiene desperdicio alguno, un disco que satisface por igual a amantes del rock clásico como a entusiastas de lo alternativo, un disco que suena tremendamente actual dentro de su innegable concepción clásica, resultando perfectamente disfrutable por gente de todo tipo, a los que el tono experimental del disco no tendría que suponer ningún obstáculo.
A menudo se ha citado a Wilco como “los nuevos REM”, y ciertamente hay razones que sustentan esta afirmación ya que la banda de Jeff Tweedy ha alcanzado tal nivel de excelencia que no resulta posible aventurar donde estará su límite.

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Simon And Garfunkel – The Sounds Of Silence

Lunes 24 noviembre 2014

Simon & Garfunkel
The Sounds Of Silence
Sony (1966)

Paul Simon y Art Garfunkel se conocieron en la adolescencia, coincidieron en sus periodos de estudios en un colegio mayor donde ya formaron su primer grupo, llamado “Tom and Jerry”, un grupo amateur sin grandes aspiraciones, muy influido por las melodías de los Everly Brothers.
Ya en su etapa universitaria Simon y Garfunkel volvieron a coincidir y publicaron su primer trabajo, ya como dúo en 1964, un disco llamado “Wednesday Morning, 3 AM” que les supuso cierto reconocimiento dentro de la incipiente escena folk de Nueva York, escena que un jovencisimo Bob Dylan estaba popularizando.
La musica de Simon & Garfunkel discurre en ese primer disco por las sendas clásicas del folk, bellas armonías, guitarras acústicas y hermosas letras que ya anticipaban las dotes poéticas de Paul Simon.
Tras ese primer disco el dúo se separó, y Paul Simon se fue a vivir a Inglaterra, allí conectó con la música de grupos folk británicos como Fairport Convention al tiempo que recibía tambien el influjo de los grupos de la costa oeste norteamericana, principalmente de mano del folk-rock de los Byrds o Buffalo Springfield.
Durante su estancia en Inglaterra Paul Simon compuso la mayoría de los temas que luego irían incluidos en “The Sound of Silence”, temas como “I am a Rock”, “Leaves that are green“, “Kathy´s Song” o “April come she will” que se publicaron en su primer disco en solitario “The Paul Simon Songbook”, fue precisamente el éxito que obtuvo con aquellas canciones lo que hizo volver a Simon a los Estados Unidos y reunirse de nuevo con Art Garfunkel, volviendo a grabar el dúo todo el material que éste trajo de Inglaterra.
“The Sound of Silence” es pues, una colección de canciones, canciones que acompañaron a Simon en su peregrinaje y que captan perfectamente las inquietudes y temores de su juventud, sentimientos que calaron hondo en toda una generacion de jóvenes desencantados que hicieron suyas esas canciones, canciones que hablan del paso del tiempo, de dolorosos recuerdos, de buscar refugio en la poesía a la crueldad del mundo, letras que describen certeramente todo un abanico de emociones juveniles.
En lo musical, Simon & Garfunkel fueron en este disco un poco mas alla de sus planteamientos iniciales, añadiendo matices e instrumentos diversos para enriquecer su sonido, adornando las composiciones originales de Simon para dotar al conjunto de una sonoridad mas actual, mas contemporanea. Este trabajo dio como resultado un disco que se salia ya claramente de las directrices clasicas del folk adentrandose en un ambito mas abierto, mas comercial.
Hoy día el sonido de aquel disco esta claramente superado, y algunas de sus ideas pueden sonar incluso desfasadas y pueriles, lo que lo no ha perdido un ápice de su vigencia es la amplitud emocional de los temas, poemas que describen con nitidez problemas de juventud que están igual de presentes hoy en día.
La música de Simon & Garfunkel ha influido a multitud de músicos a lo largo y ancho del planeta, aunque pocos han sabido extraer la esencia de su música, generando una pleyade de insufribles imitadores entre los que se encuentran los “Cantautores” que tanto nos hicieron (y nos hacen) sufrir en nuestro país.
Por encima de cualquier otra consideración “The Sound of Silence” es un expléndido disco que aguanta con solvencia el paso del tiempo apoyandose en unas palabras que no han perdido su significado en estos albores del siglo XXI.

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Jesucristo Superstar

Domingo 23 noviembre 2014

Jesucristo Superstar
Jesus Christ Superstar (1973)

Director: Norman Jewison
Interpretes: Ted Neeley, Carl Anderson, Yvonne Elliman, Bob Bingham

Posiblemente la opera-rock mas conocida, Jesucristo Superstar sigue manteniendo intacta, 31 años despues su fuerza dramática y expresiva, Algunas canciones siguen poniendo los pelos de punta.
Recuerdo que vi esta película por primera vez con apenas ocho o nueve años, no me enteré de nada, pero quedaron grabadas en mi memoria cantidad de imágenes y sonidos; hoy en día, bajo una visión mucho mas crítica, el film sigue resultando tremendamente poderoso, la ambientación, la música, la interpretación y todos los elementos conforman una película extraña, original y emocionante, aunque sin duda habra quien la tache de hortera, desfasada y cutre, depende sin duda del punto de vista de cada uno.
Jesucristo Superstar fue dirigida en 1973 por Norman Jewison, responsable entre otras de obras maestras como “En el calor de la Noche” (1967) o “El violinista en el tejado” (1971), aunque su naturaleza musical confiere quizas mayor importancia al trabajo del compositor Andrew Lloyd Webber y del letrista Tim Rice, responsables de toda la música de la película, Lloyd es a su vez el autor de musicales importantes de Broadway como por ejemplo Cats.
La idea de crear un musical a partir de la vida de Jesus de Nazareth en principio no resulta una idea demasiado sugerente, no lo es ahora y supongo que tampoco lo fue en el momento de su planteamiento inicial, son ingredientes complicados, comprometidos y peligrosos, ingredientes que normalmente generarian un subproducto de dudoso interes.
El Exito de Jesucristo Superstar, su gran virtud, es una sabia y mesurada combinacion de todos sus elementos, el valor de conjunto mas allá de cada cosa concreta, un conjunto que resulta ciertamente compacto y serio.
El argumento impone un prudente distanciamiento respecto a las tipicas películas bíblicas, desde el primer momento se deja claro que el film no es la vida de Jesus, sino una interpretacion realizada por unos actores, así al principio de la película vemos llegar el autobus con todos los personajes, que se visten con los trajes para iniciar su representación de la pasion de Cristo, esta circunstancia permite añadir un elemento muy interesante que es la exagerada simplicidad de la puesta en escena (apenas unos cuantos trapos y unos cuantos escenarios esqueléticos) y su impactante belleza, ya que todo se rodo en un desierto en Israel, escenario natural perfecto para la historia.
El peso de la narración recae sobre Judas (Carl Anderson), el amigo de Jesus de Nazareth (Ted Neeley) que no ve con buenos ojos el giro que estan tomando los acontecimientos, que teme por la vida de su amigo y que duda de su condición divina. Judas introduce o interviene en gran cantidad de numeros musicales, algunos realmente memorables. Otros personajes como Maria Magdalena (Yvonne Elliman), Caifas (Bob Bingham) o Poncio Pilato (Barry Dennen) tienen tambien mucha importancia, estableciendose a lo largo de la película interesantísimos duelos interpretativos entre todos los personajes, manteniendo soberbiamente la tensión dramática, cuestion siempre comprometida en un musical.
En el aspecto musical, sin duda el mas importante, todas las composiciones se mueven entre riffs guitarreros muy de los setenta y orquestaciones luminosas y psicodélicas muy conseguidas, hay algunos temas que destacan por derecho propio y que son los que dan la verdadera medida de la pelicula, “Heaven on their minds”, el espectacular tema de Judas con el que se abre la película, “Everything’s Allright”, “The Temple” o “I Don’t Know how to love him” son canciones ciertamente impagables.
Ademas de todo lo dicho, Jesucristo Superstar tiene, desde nuestra óptica actual, un impagable aroma retro, un encantador toque hippie que la hace ciertamente irresistible, un punto de inocencia e ingenuidad que la convierte en una obra única e inimitable.

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Zatoichi

Sábado 22 noviembre 2014

Zatoichi (2003)

Director: Takeshi Kitano
Interpretes: Takeshi Kitano, Tadanobu Asano, Michiyo Okusa

Zatoichi es un personaje muy conocido en la cultura japonesa, las historias del samurai ciego han estado presentes en multitud de novelas, cómics, representaciones teatrales o series de televisión a lo largo de las últimas décadas en el país asiático, Takeshi Kitano aceptó por encargo realizar una reinterpretación del personaje atraído por la estética del Japón clásico, abordando una temática hasta ahora inédita en su ya extensa filmografía.
Takeshi Kitano es uno de los directores actuales mas originales y característicos, el rotundo ritmo de todas sus películas y su peculiar forma de abordar la violencia han hecho de el uno de los directores mas aclamados del cine actual, aunque su cine siga pasando practicamente desapercibido en su país.
El primer referente obvio de Zatoichi son las historias de samurais de Akira Kurosawa, en especial Yojimbo y Sanjuro, Kitano en ningun momento niega esa influencia e incluso homenajea al maestro en algunas secuencias, como la de la lucha bajo la lluvia.
La historia tampoco abandona los cánones del género, Zatoichi es un masajista ciego que llega a una ciudad donde un clan impone su ley, sometiendo a todos sus habitantes al pago de fortísimos impuestos y sembrando el terror en las calles, pronto se descubrirá que el recien llegado no es un simple masajista y el clan verá su autoridad amenazada.
Junto a Zatoichi confluyen en la ciudad una serie de extraños personajes: una pareja de hermanas en busca de venganza con un oculto secreto, un jugador de dados, un samurai sin trabajo con una mujer enferma, y toda una colección de secundarios curiosos y extraños.
El gran logro de Kitano en Zatoichi, como en la mayor parte de sus películas, es el carácter y la profundidad que imprime a todos esos personajes, aportando pequeños apuntes biográficos que se diluyen con naturalidad en la trama pero que aportan datos clave para entender las acciones de cada uno de ellos, acciones y personalidades que entran en inevitable conficto.
La realización, la puesta en escena, la fotografía y todo el apartado técnico en general es otra vez sobresaliente, Kitano maneja a la perfección todos los recursos del cine moderno, y Zatoichi es buena muestra de ello, visualmente es impecable, impactante y realmente bella. El peculiar tratamiento de la violencia, presente en muchas películas del cineasta, convierten tambien a Zatoichi en una película dura, cruda, a veces incomoda, pero siempre interesante e impactante.
Zatoichi es un proyecto extraño, casi una anomalía, una película planteada como obra menor que sin embargo tiene argumentos suficientes para figurar entre lo mejor de la obra de Takeshi Kitano, un director en su mejor momento que convierte en oro todo lo que toca.

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