Categoria Discos

Queens Of The Stone Age – QOTSA

Publicado el Martes 12 septiembre 2017

Queens of the Stone Age
Queens of the Stone Age
Roadrunner Records 1998

Hacia mediados de los 90’s Josh Homme decidio dejar a los incasillables Kyuss, su grupo desde la adolescencia y se convirtio en mercenario de las seis cuerdas a las ordenes de Mark Lanegan en los Screaming Trees.
Las razón que dio Homme para acabar con uno de los grupos más influyentes a la par que desconocidos de los 90’s fue que Kyuss limitaba sus posibilidades de crear un rock mas ecléptico, ya que el sonido de Kyuss estaba limitado enormemente por la percepción de grupo heavy/stoner que sus seguidores tenian de este. Habia que matar a la criatura antes de crear una nueva.
En 1997 se unio a otro exiliado del stoner rock, el ex-Monster Magnet John McBain y con el Soundgarden Matt Cameron para crear Gamma Ray. Esta banda duro poco, especialmente por la amenaza de los rockeros europeos del mismo nombre. Despues de varios conciertos McBain dejará el grupo por considerar que dos guitarras solistas tienden a pisarse y segun el porque ambos eran demasiado educados a la hora de los solos “no por favor, tocalo tú”. Homme se queda solo y ha de recurrir a su compañero en Kyuss, el batería Alfredo Garcia, para tener una formación más o menos estable. En ese momento nace Queens of the Stone Age.
Despues de dos magnificos “splits”, uno con Kyuss, con el que enterraron definitivamente a esta banda, y otro con los holandeses Beaver, graban en 1998 el album “Queens of the Stone Age”, uno de los trabajos más demoledores del rock actual. La intención de Josh Homme era establecer la base de lo que el llamaba “Robot Rock”, un tipo de rock donde bien las guitarras, la batería o la percusión mantenian un esquema repetitivo y machacón mientras los otros instrumentos creaban una gruesa cortina musical alrededor de esta base, buscando de esta forma un efecto psicodelico de desplazamiento rítmico. La voz de Homme ayuda en gran manera por su despreocupado falsete.
El disco abre con “Regular John”, el unico crédito compositivo que se le da a McBain. Homme usa la guitarra dejando caer notas sueltas en aparente desorden mientras la canción crece en intensidad. Los riffs son repetitivos y dan una sensacion de urgencia muy acorde con la letra. “Avon”, “If Only” (rescatado del split con Kyuss) y “Walkin on the Sidewalks” (dixit) siguen la misma tónica. Es al llegar a “You Would Know” cuando el robot rock se percibe en su máxima intensidad con los riffs más cuadrados que nunca y una letra acorde a este.
A partir de la sexta pista, “How to Handle a Rope”, se observa un desarrollo más normal de las canciones. “Mexicola” le lleva a uno bajo el poniente sol de la frontera californiana muy efectivamente. Sigue el instrumental “Hispanic Impresions”, un despliege de virtuosismo destinado a exacerbar al oyente y llevarle a traves de la repetición al paroxismo.
Sin embargo el punto alto del disco es el psicótico “You can´t Quit me Baby”. El título lo dice todo, es la historia de un acoso enfermizo y trágico. El acelerado y violento final da la idea de una violación con asesinato y suicidio incluido.
“Give the Mule what he Wants” parece un guiño a las Fundaciones de Asimov. La pista final “I was a Teenage Hand Model” empieza con un sonido de meada cervecera en algun garito de mala muerte. Uno se llega a imaginar a cierto secundario de lujo sentado en una barra de un bar oscuro en la película “Magnolia” viviendo de los recuerdos de su infancia como niño prodigio televisivo.
El album esta coproducido por Homme y Joe Barresi y comienza la tradición de las múltiples colaboraciones que seguiran en sus siguientes albums.

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Paul Simon – Surprise

Publicado el Sábado 9 septiembre 2017

Paul Simon
Surprise
Warner Bros. 2006

“Al universo le gusta el drama” “Damas y caballeros aquí está el show” (‘I don’t believe’).
Paul Simon se adapta también, para nuestro disfrute, a los nuevos tiempos y nos permite escuchar el álbum en internet para decidir si nos interesa (comprarlo) o no. Podemos asimismo leer las letras mientras escuchamos las canciones (aunque a diferencia del último de Neil Young unicamente ofrece cuatro temas enteros, del resto sólo ‘samples’).
Paul Simon nunca ha tenido miedo a la mezcla de diferentes estilos musicales y cocinarlos a su gusto. Le atrae experimentar y si bien tras los resultados da la impresión de que no corre excesivos riesgos, creo que ahí radica precisamente uno de sus mayores méritos, lograr obras con sonidos en principio chocantes que sean facilmente asimilados por la mayoría de la gente, lograr un sabor natural, quedando los diferentes ingredientes perfectamente diferenciados pero integrados de modo excelso en el sabor general.
Este disco es un plato que gustará y hará disfrutar a los que agrade su cocina, pero los que no hayan encontrado placer en sus anteriores recetas seguirá resultándoles indigesto.
Paul Simon ha caido en un pequeño pozo en los últimos años y Brian Eno podría ser un buen apoyo para empezar a salir de él (“Eno y yo apostamos por ese público exigente que está cansado de lo convencional, tanto en sonidos como en estructuras y en letras”). Además de Eno, buscó colaboradores con solera, entre ellos el guitarrista Bill Frisell, el batería Steve Gadd o el pianista Herbie Hancock. La producción corre a cargo de Paul Simon, aportando Brian Eno lo que denominan en los créditos ‘Paisaje sónico’ (“texturas y espacios, aparte de la manipulación electrónica de sonidos convencionales”). La impronta de este gurú de la electrónica se deja notar aportando sonidos, atmosferas y ritmos en los que es maestro, perfectamente encajados entre las logradas guitarras, resto de intrumentación y voces. Fue grabado en el estudio de Eno en Londres (“Yo viajaba a Londres y le presentaba lo que tenía y él añadía su electrónica”), así como en Nueva York y Nashville. Abandona practicamente por completo los ritmos étnicos y vuelve a la música americana (pop, folk, rock, electrónica…) Es un disco vestido con nuevos sonidos, en ocasiones pasados ya de moda, así como una vuelta a sus primeras obras en solitario. Un avance ilusionado en el camino, pero con la mochila cargada de experiencias y recuerdos. Obra de una mente lúcida y juguetona, donde se mezclan la niñez con la madurez. “Nada es diferente, pero todo ha cambiado” (‘Once Upon A Time There Was An Ocean’). Hay letras personales, sobre el paso de los años, sobre el amor, padres e hijos, dificultades de superación, búsqueda de una vida mejor, y hay letras fuertemente politizadas, como está siendo costumbre en tantos autores norteamericanos, plasmando la fuerte preocupación que sienten por el estado actual de la sociedad y los gobiernos, con menciones especiales a los problemas de Nueva Orleans o de Iraq. Aunque bien es cierto que en un poeta de la talla de Paul Simon adquieren matices e interpretaciones múltiples, plagadas de reflexiones paradójicas, de confusión, de desilusión, de esperanza y de complejidad. Profundas pero facilmente disfrutables gracias a su capacidad de extraordinario narrador uniendo sencillez con perfeccionismo.
Como single de presentación salió la canción menos experimental y que cierra el álbum ‘Father and Daughter’ grabada en 2002 para la película de animación ‘The Wild Thornberrys Movie’ y candidata a un Oscar (la única que no cuenta con la colaboración de Brian Eno, pero sin duda el marketing se impuso). Entre los temas con mayor influencia de Eno destacan ‘How can you live in the northeast’, ‘Everything About It Is A Love Song’, ‘Sure Don’t Feel Like Love’, ‘Wartime Prayers’, ‘Another Galaxy’, ‘Once Upon A Time There Was An Ocean’ o ‘That´s me’. Los demás conservan el espíritu musical de obras anteriores, aunque sobrevuelan claramente los efectos y espacios sonoros (‘Outrageous’, ‘Beautiful’, ‘I don’t believe’).
No lo situaría entre lo mejor del año, ni creo que Paul Simon lo pretenda. A pesar de la experimentación da la impresión de que quiere escapar de modas y buscar su propio espacio. Pero sin duda se trata de un buen disco de Paul Simon, y a nivel personal aportará mucho más que muchos de los que vayan a entrar en las listas de mejores…
“Pide un deseo y cierra tus ojos: sorpresa, sorpresa, sorpresa” (‘Everything About It Is A Love Song’). A veces hace falta volver a ser niño para sentir como nueva experiencia algo que se ha convertido en rutina, o bien para conseguir ver las otras caras de la tragedia.

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Publicado por jose / Archivado en:Discos
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Love – Forever Changes

Publicado el Viernes 8 septiembre 2017

Love
Forever Changes
Elektra/Warner 1968

“forever changes” es citado a menudo como “el disco hippie”, el disco que mejor resume el espíritu de aquellos años confusos e inocentes. Efectivamente, “forever changes” es eso, pero también es mucho, muchisimo mas.
Love son ante todo Arthur Lee, un excéntrico genio que deambulaba por el San Francisco de 1966 envuelto en una nube tóxica, Lee ya había militado en varias bandas, en una escena inundada de grandes talentos, Jimi Hendrix entre ellos, pero seria con Love donde mostraría todo su potencial, toda su magia.
“Forever Changes” es un viaje alucinante por la América de la época, un país confuso, contradictorio, ahogado en su propia existencia, y es también un viaje por la música creada en esas contradicciones; Love combinan Rock, pop, Psicodelia, Folk, Rocabilly, de una forma única, nunca vista hasta entonces, las canciones inundan el espacio sonoro de una forma incendiaria, explosiva.
“Alone again or..” es la turbadora declaración de amor que abre el disco, y que prepara al oyente para lo que viene después, ya se oyen los vientos, las guitarras eléctricas, las acústicas. Sigue “A house is not a motel” con un dinamismo difícil de describir, una tensión fácil de palpar, de hecho las tensiones en el seno de Love marcarían el resultado de este disco, ultimo de la formación original.
“and more again” deliciosa melodía directamente emparentada con el “pet sounds” de los Beach boys, y tras ella, la sucesión de canciones mas increíble que se pueda encontrar en disco alguno: “The daily planet”, “old man”, “the red telephone”, “maybe the people would be the times or between Clark and Hilldale”, “live and let live”… se van desgranando con una majestuosidad única.
Un disco irrepetible, clásico entre los clásicos.

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Sufjan Stevens – Illinoise

Publicado el Jueves 7 septiembre 2017

Sufjan Stevens
Come On Feel The Illinoise
Ashmatic Kitty 2005

Sufjan Stevens - IllinoiseTenía ciertas dudas sobre si escribir o no este artículo, no se trata de un disco nuevo (se editó en 2005) ni se trata de ningún clásico atemporal (aún) pero que demonios, llevo mas de dos semanas enganchado a estas canciones y que mejor lugar para soltar mis impresiones que en esta humilde página.
Para quien no conozca a este particular sujeto decir que Sufjan Stevens es un compositor, cantante y multiinstrumentista (se dice que toca mas de 20 instrumentos) nacido en Detroit en 1975 y que este “Illinoise” es su quinto disco de estudio, el segundo (tras “Greetings from Michigan: The Great Lake State”) de su ambicioso proyecto “estatal” que incluye un disco por cada uno de los 50 estados de Norteamérica.
No resulta sencillo resumir en unas lineas la extraordinaria riqueza sonora que consigue Stevens en sus composiciones así como tampoco lo es comparar su obra con la de nadie mas. Por ambición necesariamente tendríamos que recurrir al símil con el Brian Wilson de “Smile” y es que la concepción de temas como “Chicago”, “Come on! Feel the Illinoise!: Pt. 1: The World’s Columbian Exposition” o de la monumental “Jacksonville” no está muy alejada de esa locura megalómana del creador de “Good Vibrations”.
Con los pies mas en la tierra y analizando mas fríamente los temas (22) que componen este “Illinoise” lo cierto es que es innegable que Sufjan Steven tiene un talento especial para las melodías, para los arreglos y para cuadrar unas riquísimas instrumentaciones (piano, violines, bajos, vientos) en canciones absolutamente redondas que no puedes dejar de escuchar y de tararear una y otra vez.
Buscando referentes actuales, encontramos temas como “The Man Of Metropolis Steals Our Hearts” que recuerdan al pop dinámico de Arcade Fire o al folk alucinado del último disco de Iron & Wine, todo en la misma canción, o temas mucho mas intimistas como la deliciosa “John Wayne Gacy, Jr” que a mi personalmente me recuerda al mejor folk de Jackson Browne.
A destacar sobre todo la exquisita variedad de sabores y aromas que se pueden disfrutar a lo largo de este generoso disco, con cortes de todo tipo y condición y con unos textos originales y emocionantes.
Tras este disco Sufjan Stevens entregó un disco temático sobre la Navidad en el 2006 “Presents Songs For Christmas” mas los outtakes de este Illinoise (“The Avalanche: Outtakes & Extras from the Illinois Album”) y desde entonces todo el mundo espera el nuevo movimiento de este auténtico mago. ¿Un nuevo estado para este 2008? aun quedan 48…

Escucha: Sufjan Stevens – Jacksonville

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Grace Cathedral Park – In The Evening Of Regret

Publicado el Martes 5 septiembre 2017

Grace Cathedral Park
In The Evening Of Regret
La Verdad 2004

Bautizarse con el nombre de una de las canciones mas sombrías y turbadoras de Red House Painters es toda una declaración de intenciones, intenciones que se ponen claramente de manifiesto en el debut de esta banda norteamericana: “In The Evening Of Regret”, todo un recorrido turístico por los pasajes mas desolados y turbios de la soledad y la desesperación.
Grace Cathedral Park son un enigmático (apenas hay información suya en Internet) colectivo compuesto por nueve músicos que entienden la creación musical como un proceso pausado y natural, donde las emociones fluyen poco a poco, ganando progresivamente intensidad, como en la vida misma. Algunos cortes de este primer disco, instrumental, superan ampliamente los diez minutos de duración, lo que de entrada lleva a situar a este grupo cerca de todos esas bandas no ya post-rock, sino mas bien post-Mogwai que no muestran reparos en emplear todo el tiempo necesario para explicar su mensaje, por arduo y tortuoso que sea; Explosions In The Sky, Mono y Friends Of Dean Martinez serían tres buenos ejemplos, aunque cada uno en su ambito bien diferente.
El homenaje o referencia a Red House Painters no se limita a adoptar como nombre una de sus canciones, muchas de las atmósferas de este disco se pueden encontrar también en algunos de los pasajes mas inspirados de la banda de Mark Kocelek, Grace Cathedral Park es un grupo que recurre con insistencia y gusto a la tradición de la música americana, adoptando sonidos cercanos al folk o al country mediante la elegante y precisa utlización de guitarras acústicas, lap-steel, cuerdas y todo un abanico de elementos que dotan a sus canciones de un majestuoso aroma clásico.
El album se abre con “Play Delicate, Desire Quiet”, un magnífico y delicado tema que fluye alrededor de un pausado ritmo de guitarra acústica al que se le van sumando certeros arreglos de cuerda, el segundo tema, “It’s All Well Above Wonder Anyway”, uno de los que supera los quince minutos, se mete ya de lleno en terrenos mas pantanosos y oscuros, acercándose al espectro de Mogwai para dibujar esos ambientes angustiosos tan característicos, aunque de nuevo el contrapunto de cellos y violines añade un matiz de melancolía que añade cierta dulzura al resultado final, Grace Cathedral Park no se ven en la necesidad de desatar tormentas eléctricas de gran calibre, lo que obliga a estar mas pendientes de los sutiles matices de su música, que los hay, y muchos. El resto del álbum discurre por sendas similares, dibujando imágenes que sugieren grandes espacios abiertos, paisajes desolados alimentados de tormentosos recuerdos en los que, sin embargo, sigue habiendo espacio para la esperanza.
El tema que cierra el álbum, un épico esfuerzo de veinte minutos, “Latter Day Love Affairs And Everything Else You Would Hope To Forget”, resume mejor que cualquier otro la filosofía de este grupo, embarcado con decisión en un proyecto que comercialmente es casi un suicidio pero que es capaz que despertar tremendas emociones.
Grace Cathedral Park añaden un componente cálido y acustico a los ambientes habitualmente brutales, fríos y desesperados de los grupos actuales de rock instrumental, un giro interesante que convierte a este disco sin duda en un magnifico debut.

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