Categoria Discos

John Coltrane – A Love Supreme

Publicado el viernes 7 septiembre 2018

John Coltrane
A Love Supreme
Impulse! 1965

En los años cincuenta John Coltrane era un músico en sus veintimuchos con un gran talento y un problema aun más grande, su afición a la heroina. Su adicción le llevaba de una banda a otra, de despido en despido y la edad no ayudaba. Casi en los treinta nunca había destacado y dificilmente llegaría a hacerlo de seguir en el pico. La heroina era el azote del mundo del jazz, la verdadera música del diablo, y los músicos de este género eran muy comunmente victimas de esta adicción. Uno de ellos, el gran Miles Davids, había conseguido rehabilitarse y dio una oportunidad a Coltrane para hacer lo propio. Fue en la banda de Miles donde Coltrane comenzo a brillar y a ser llamado para más y más sesiones de grabación como freelance, haciendose cada vez más importante en el mundo del jazz. Fruto de la relacción con Davids y de hacerse imprescindible como músico de sesión llamo la atención de Impulse! para que grabara ya bajo su nombre.
De toda su discografía su disco más conocido es sin duda “A Love Supreme”, catalogado por muchos como el mejor disco de toda la historia, dificilmente podría lograr este puesto, pero seguro que es el más inspirado. Sin palabras, A Love Supreme es un mini-opus jazzistico dedicado por John Coltrane a Dios en agradecimiento por la iluminación espiritual que salvó su vida. En realidad apenas logró vivir dos años más, hasta 1967, cuando murio a los 41 años de edad seguramente por el castigo al que la droga sometio a su cuerpo. Si alguna vez una obra hace a su autor inmortal este es uno de esos casos.
“A Love Supreme” son solo 33 minutos de placer divididos en 4 partes; “Acknowledgement”, “Resolution”, “Pursuance” y “Psalm” (los dos últimos en el mismo corte). Los títulos hacen referencia a los pasos dados por Coltrane en su acercamiento a Dios y su salida de la droga. Temas muy intensos pero nada recargados cuya escucha exige una dedicación exclusiva. Emociones que se agarran al pecho y te elevan del suelo. Coltrane contó para la grabación con el que era su cuarteto, Elvin Jones a la batería, McCoy Tyner al piano y Jimmy Garrison en el contrabajo. Con este personal sentando las bases Coltrane era libre para improvisar a su gusto. Los momentos más intensos del disco son la parte final de “Acknowledgement”, la única parte vocal, en la que la banda acepta finalmente el hecho de que hay algo más grande que ellos al pronunciar repetidamente la frase que da nombre al disco, “A Love Supreme”. La tensión a la que ha logrado llevarle a uno la canción es grande y ese final termina por relajar al oyente. El comienzo de “Pursuance” es precioso, haciendo Elvin Jones un solo impresionante al que poco a poco se suma la banda.
El disco, escuchado apropiadamente, es simplemente precioso e inspirador. Una de las grandes obras del jazz.

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Pink Floyd – Dark Side Of The Moon

Publicado el jueves 30 agosto 2018

Pink Floyd
Dark Side of the moon
EMI 1973

Grabado en 1973 en los míticos estudios Abbey Road de la EMI en Londres, “Dark side of the moon” fue el primer disco de Pink Floyd en alcanzar el número 1 en las listas norteamericanas, el disco que les encumbró a las mas altas cotas de popularidad.
La salida de Syd Barrett de la banda, en 1968, marcó unos años de indefinición dentro de la banda, el peso compositivo pasó ahora a Roger Waters y a David Gilmour, quienes poco a poco se fueron desvinculando de los ambientes y sonidos lisérgicos a los que Barrett era tan aficionado, en busca de un sonido propio y original basado sobretodo en las inmejorables aptitudes técnicas de los cuatro miembros del grupo.
No es hasta “dark side of the moon” cuando ese sonido toma realmente cuerpo, configurando un álbum realmente redondo, lleno de canciones míticas, lleno de matices, decantándose por los ambientes oscuros y reflexivos y por las largas secciones instrumentales.
El álbum contiene al menos dos de los temas mas emblemáticos de la banda: “time” y “money”, perfectamente reconocibles por esos desarrollos instrumentales tan trabajados, por ese sonido tan limpio que Alan Parson logra dar a la producción, apostando claramente por los últimos avances tecnológicos.
Todo el disco mantiene un hilo conductor, un áurea mágica que ha llegado a nuestros días, desde el magnifico diseño de la carpeta, los crípticos textos de Waters, los hipnóticos pasajes instrumentales…
Si hay algo criticable en este disco es su exceso de pretenciosidad, la obra destila una autosuficiencia un tanto insana, una pomposidad un tanto fuera de lugar… esta característica no pasa de ser una anécdota en “dark side of the moon”, pero se iría incrementando en las siguientes obras de la banda hasta eclipsar las canciones por completo.

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Publicado por Luis / Archivado en:Discos
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Badfinger – No Dice

Publicado el miércoles 29 agosto 2018

Badfinger
No Dice
Capitol 1970

La historia de Badfinger es la prueba de que la crónica del Rock es una crónica con muchas sombras, con muchos nombres que se quedaron en el camino.
A finales de los 60 unos Beatles a punto de disolverse idearon una compañía discográfica, Apple Records, en la que planeaban descubrir nuevos talentos y lanzarlos al estrellato implicándose personalmente con ellos, el proyecto, como otros tantos que idearon en aquellos años resultó siendo un fracaso comercial, demostrando que los cuatro magnificos de Liverpool eran mucho mejores músicos que empresarios.
Uno de los primeros grupos en firmar con Apple, y uno de los mas exitosos en la breve carrera de la compañía fue Badfinger, un grupo formado por Pete Ham en 1965 que, inicialmente como The Iveys, llamaron la atención de Paul McCartney quien les contrató para grabar un primer disco que recibiría el nombre de “Maybe Tomorrow”. El fracaso comercial de este primer disco llevó a varios cambios en la formación de la banda y a la adopción del definitivo nombre de Badfinger tomando una estrofa de “With A Little Help From My Friends” de los Beatles.
La formación clásica de Badfinger, con Pete Ham, Joey Molland, Tom Evans y Mike Gibbins era un combo curtido ya en multitud de bandas con unos gustos musicales que iban del Rock americano mas rítmico al elegante Pop de finales de los 60, con, por supuesto, los Beatles a la cabeza.
“No Dice” fue el segundo disco como Badfinger para Apple, publicado en 1970, supuso un notable éxito para la banda y una rentable fuente de ingresos para la compañía que ya mostraba sus primeras incongruencias financieras.
Aunque Pete Ham fue el compositor inicial y cantante de The Iveys, poco a poco el resto de miembros de Badfinger se fueron revelando también como excelentes compositores y músicos al tiempo que la banda ganaba día a día consitencia, curtiendose en múltiples proyectos paralelos con George Harrison o John Lennon.
“No Dice” es un inmejorable cocktail de Hard-rock y brillantísimas melodías pop, con al menos tres temas absolutamente redondos e incontestables: “I Can’t Take It”, “No Matter What” y “Without You” y acertadísimas canciones que oscilan entre el folk de “I Don’t Mind” y el country de “Blodwyn” completando un disco realmente brillante que confirmó a Badfinger como uno de los mejores grupos de su tiempo, recuperando la contundencia del Rock and Roll primigenio al servicio de las melodias Pop mas inspiradas.
Badfinger es un grupo en el que cientos de bandas se han reflejado, desde The Posies a Teenage Fanclub, pasando por Gigolo Aunts, Sloan o Fountains Of Wayne, instaurando las directrices de aquello que posteriormente se llamaría Power-pop.
Tras publicar varios brillantes discos en Apple, eclipsados casi siempre por la alargada sombra de los Beatles el grupo se vió sacudido por los problemas que ya empezaban a desmembrar la compañía discográfica y terminaron recalando en la Warner donde los problemas financieros, legales y personales continuaron, culminando con el suicidio en 1975 de Pete Ham y posteriormente con el de Tom Evans en 1981.
Por encima de la leyenda negra que envuelve a Badfinger quedarán siempre las vibrantes, poderosas, enérgicas y vitalistas canciones que el grupo compuso en su breve e intensa carrera, unas canciones y un legado que sigue estando plenamente vigente.

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Pretty Girls Make Graves – The New Romance

Publicado el viernes 24 agosto 2018

Pretty Girls Make Graves
The New Romance
Matador 2003

¿Harto de grupos de medio pelo que creen haber descubierto el rock? ¿cansado de escuchar discos mediocres? ¿crees que nadie es capaz ya de ofrecer nada original ni emocionante?. Tranquilo porque estamos salvados, no todo está perdido aún, al menos mientras Pretty Girls Make Graves sigan publicando discos como este “The New Romance”, una colección de canciones de tal magnitud que creeras que estas soñando. Yo compré este disco hace una semana y no se ha despegado ni un segundo de mi lector de cds.
Seguro que piensas que exagero, que no serán para tanto, yo ahora te voy a contar mis razones pero ten en cuenta que nada de lo que diga podrá siquiera acercarse a la increible realidad del sonido de “The New Romance”.
Podriamos decir que, basicamente Pretty Girls Make Graves sonaría como un inverosimil cruze entre Fugazi y Echobelly, siempre que Sonic Youth, Patty Smith y Big Black se uniesen a la fiesta, pero eso no haría justicia al grupo, porque lo cierto es que no hay nada que suene como lo hacen estas canciones, un auténtico torbellino que no se detiene hasta que el lector ha pasado la ultima canción.
No es casual que el nombre del grupo proceda de una cancion de los Smiths, el instinto pop del grupo es mas que evidente, potenciado ahora en este su segundo disco, el primero grabado para Matador tras sus inicios en el sello Lookout.
¿Contundencia? La de Fugazi o la de Jawbox, mas que Come, Slint o Husker Du. ¿Sensibilidad? A la altura de Buffalo Tom, The Smiths o Joy Division. Guitarras afiladas como cuchillos en unos dibujos increibles, indescriptibles, una voz (La de Andrea Zollo) versatil como pocas, conectando en una canción la historia y la tradición de dos continentes, haciendo que el cruze entre el pop britanico y el post-hardcore americano abandone el terreno de la quimera.
Pero es que hay mas, mucho mas, unas canciones rotundas, potentes, extrañas pero accesibles, experimentales y pegadizas al tiempo, oscuras y luminosas, melancólicas y alegres, todo al mismo tiempo y en el mismo disco, canciones como “The Grandmother Wolf”, “Blue Lights”, “ The New Romance” o “This is our emergency” son desde ya clasicos instantaneos, por derecho propio, himnos de una generación que navega a la deriva y que necesita nuevos idolos, canciones que aun quedarán en la memoria cuando ya nadie se acuerde de los Strokes o de los White Stripes. Pretty Girls Make Graves han entregado con este “the New Romance” el disco que nadie esperaba y que todo el mundo deseaba, el disco que pasa cualquier filtro y cualquier tamiz, el primer gran clásico del siglo XXI.

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Van Morrison – Magic Time

Publicado el jueves 23 agosto 2018

Van Morrison
Magic Time
Geffen 2005

El disco de Van Morrison del pasado 2005, que hace el nº 34 más o menos en su carrera, sigue la linea marcada por su predecesor What´s Wrong with this picture (2003), siendo muy similar estilisticamente, estando al mismo nivel y siendo posiblemente incluso mejor. Representa un verdadero crisol de las músicas afroamericanas del siglo XX, pero no es en absoluto revivalista. Desde su perspectiva personal, el cantante continúa recreando magistralmente los diversos palos de la música negra, desde el blues de Chicago hasta el soul más fino, pasando por cortes de caliente jump blues, tocando funk a su manera moderada e incluyendo increíbles tiempos lentos que en una discografía del nivel del irlandés, sin un disco mediocre en su haber, cuesta ya clasificar de clásicos. El plano en el cual se mueve El Hombre no soporta esas consideraciones. Muchas décadas, demasiadas canciones buenas. Al igual que artistas como Tom Waits o Neil Young, exige ser puesto en una categoría aparte. No pertenece al mundo de la pop music, y como demuestra el contexto en el que son realizados sus recitales. Ha pasado hace tiempo a formar parte de la alta cultura. Seguirá editando discos excelentes hasta que se muera.
Este disco encantará a los que conozcan bien al artista, les gustará sin duda a los amantes de la música negra y será pasado por alto por la mayor parte del público más joven y acostumbrado a lo que la escena pop ofrece habitualmente. Se puede decir que si lo hubiese editado hace 30 años resultaría igualmente natural oirlo tal como es. Su estilo está más que asentado desde hace mucho tiempo, al cual sólo cabe contribuir no con innovación, sino con buenas canciones, como es el caso. No hay un solo tema del que se pueda decir que flojea. Es uno de esos discos que se pueden escuchar al completo, sin sentir la necesidad de saltarse canciones en el reproductor. Es, en ese sentido, un disco unitario. De Van Morrison sólo se espera que sea él mismo en su mejor versión, Magic Time produce esa sensación y posee un título adecuado por ello.
El conjunto de las canciones lo forman composiciones propias junto a versiones de Fats Waller ( la balada Lonely and blue, con coros doo wop ) y dos canciones sacadas del repertorio de Sinatra, This love of mine y I´m confessin, en la cual vuelve a solear con la armónica de la mejor manera, al igual que en algún que otro tema más.
El sonido de la banda y el estilo de los arreglos sigue siendo el de una competente banda de sonoridad jazzística con buena versatilidad a la hora de interpretar blues clásico o soul. Suenan como un moderno combo de música negra tocada por blancos con mucha clase y sentido de la tradición. No faltan arreglos de cuerdas tal como el artista realizara ya en Astral Weeks ( Just like Greta ) ni pinceladas folk del wistle de Paddy Moloney ( Celtic New Year ), con quien ya trabajara anteriormente, que dan ese exclusivo acento soul irlandés del que Morrison es dueño. Tampoco deja de guiñar el ojo a leyendas del blues tradicional, como resulta ser en Keep mediocrity at bay (“I´ve got to fight everyday to keep mediocrity at bay” ), donde realiza el entrañable aullido vocal que caracterizó a Sonny terry, al ritmar la voz en alternancia entre las respiraciones de la armónica y la imitación vocal del arreglo de viento que el cantante americano popularizó y que tan bien sonaba. Un homenaje más que resultón, respetuoso y eficaz. Es de hecho la canción con la que se abren sus conciertos, tras el pase instrumental de la banda.
Por otro lado, también aparece, para completar el abanico estilístico del album, algún corte de funk relajado y mecido como Carry on Regardness, sobre un patrón armónico bluesístico típico, donde el sentido del ritmo mantenido prima, ofreciendo una base cómoda para la declamación vocal, con una guitarra funky soportada por el hammond que se nutre del estilo de James Brown, filtrado a través del de su colega Dr. John, al estilo de Right time Wrong place. El funk de corte latino, a la manera de Ray Charles, lo hallamos en Gypsy in my soul, sobre una típica armonía de blues menor.
Es este disco en definitiva una colección de muy buenas canciones elaboradas sobre ortodoxas bases de estilo afroamericano resueltas con brillantez y mesura, donde la voz es como siempre la protagonista. Es difícil destacar canciones. Rozan todas la perfección. El disco sin duda no figurará entre los mejores discos del año en la mayoría de las listas pop, como tampoco lo hará el de Neil Young u otros registrados por algunos de los clásicos vivos el pasado año. No está de moda.
Un buen complemento a la escucha del disco es la grabación realizada del concierto de presentación del disco para la prensa que se puede descargar de la red, donde se puede ver lo que el artista ofrece en sus shows, con alguna que otra curiosidad, como la incorporación de arreglos sacados de canciones de James Brown o Stevie Wonder, entre otros, ya que a estas alturas una de las funciones de la música de Van Morrison es la de salvaguardar una tradición de la que cada vez quedan menos figuras vivas.

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Publicado por teresa / Archivado en:Discos
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