Categoria Discos

The Beach Boys – Pet Sounds

Publicado el Domingo 25 junio 2017

The Beach Boys
Pet Sounds
Capitol 1966

Hablar de “Pet Sounds” es meternos de lleno en uno de los discos mas ambiciosos de la historia, en el mayor esfuerzo que ha realizado nunca ningún músico por alcanzar la absoluta perfección.
La leyenda nos cuenta que Brian Wilson quedó impresionado por el “Rubber Soul” de los Beatles, que descubrió con ese disco que él tenia que hacer algo mas grande, mejor, algo inmensamente hermoso, el disco que cambiase para siempre la vida de la gente.
Las sesiones de grabación fueron demenciales, Wilson era un tirano que manejaba cada elemento que entraba en el estudio, y no fueron pocos, para este disco se utilizaron todo tipo de instrumentos y toda la tecnología posible por entonces, se grabaron orquestas enteras, instrumentos Arabes, theremines, timbres de bicicleta, campanas, miles de coros, botes y botellas de Coca-cola, ladridos de perro.
El concepto que tenia Brian Wilson era el de crear un disco total, donde todo encajase perfectamente como parte de un todo indivisible, donde todo se fusionase abarcando todos los estilos.
Todo esto generó muchas tensiones entre los hermanos Wilson, y entre los Beach Boys y su compañía que veían el proyecto como otra excentricidad del ya de por si problemático músico.
“Pet Sounds” debe ser considerado mas una obra de Brian Wilson en solitario que un disco de los Beach Boys, Wilson manejo a su antojo todos los elementos de la grabacion, añadiendo miles de detalles y de matices en cada toma, en cada sesión, hasta obtener un resultado que colmase sus amplísimas expectativas, el resto de la banda se limitó a cantar y a añadir coros a última hora.
Todo este gran castillo de naipes hubiese caído rápidamente si detrás de todo no hubiese habido grandes canciones, pero es que en “Pet Sounds” las había, muchas y muy buenas.
El disco sigue una vaga línea argumental que une todas las canciones, se trata de abordar una relación amorosa analizando todos los momentos que se dan a lo largo del tiempo, de la celebración inicial: “Wouldn’t it be nice”, a la amarga despedida: “Caroline No”, este hilo argumental sirve de excusa para incluir algunas de las canciones de amor mas bellas de la historia: “I Know there’s an answer”, “God only Knows”, “Here Today”.
El disco Pop perfecto, una autentica joya que 30 años después de su publicación sigue sonando exactamente igual de bien.
Dice también la leyenda que Wilson enloqueció definitivamente al escuchar el Sgt. Pepper de los Beatles, para mi los de Liverpool no fueron nunca capaces de igualar esas cotas de inspiración.

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Publicado por Luis / Archivado en:Discos
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Loose Fur – Born Again In The USA

Publicado el Viernes 23 junio 2017

Loose Fur
Born Again In The USA
Drag City 2006

Loose Fur está formado por Jeff Tweedy y Glenn Kotche de Wilco y el que ha sido miembro de Sonic Youth e importante elemento creativo en ambas formaciones, Jim O´Rourke, multinstrumentista, cantante, compositor, técnico y productor de carácter vanguardista. Esperando la publicación del nuevo material de Wilco, sobre el que tanta expectación se proyecta, recibimos el nuevo disco del trio, segundo en tres años. A los seguidores de Wilco les encantará, con composiciones de Tweedy a su mejor nivel, algunas de las cuales podrían estar en los discos de su banda. No se trata de material de valor secundario, son todas excelentes canciones. Lo que define el contenido es la colaboración entre O´Rourke y Wilco, estos últimos reducidos a lo esencial: voz acompañada de guitarras y percusión, de estilo folk-rock con una discreta dosis de experimentación propia sobre todo de O´Rourke, con la referencia de su Insignificance (2001) muy presente. Juegan con la ventaja de la ausencia de necesidad de proyección comercial del producto, lo que le aporta una grata dosis de frescura y relax.

Comenzando por el último disco, encontramos por ejemplo una excelente canción en una onda The Kinks firmada por Tweedy que define perfectamente el ambiente de la grabación, al ser una sencilla tonada clásica, de perfecta construcción, con un coro silbado, The running class. El tema de apertura, Hey chicken, podría estar en un disco de Wilco, con un planteamiento rítmico en la onda de los dos últimos trabajos del grupo. En esa misma dirección se sitúa Apostilic, donde predomina lo instrumental, conteniendo breaks y desarrollos de los que probablemente Kotche sea responsable. En otras canciones reconocemos la mezcla total de la parte O´Rourke con la parte Wilco, como Wreckroom, a caballo entre el estilo de ambos, con una huella clarísima del batería, moviéndose entre la tranquilidad del canto de Tweedy y la explosión guitarrística, con un amplio desarrollo en el que el final es una coda ambiental que camina hacia el desvanecimiento.

El disco lo cierra de nuevo un tema de Tweedy, con ese toque beatle que a veces usa. Respecto a los temas cantados por O´Rourke, destacan Answers to your questions, íntima, sencilla y cálida; Stupid as the sun, en el polo opuesto: cortante, eléctrica y nuevamente con una estupenda labor por parte de Kotche que culmina el tema. Entre ambos, Thou shalt wilt, con un estilo pop clásico sostenido por el piano. Hay un tema que resume todos los recursos empleados: An ecumenical matter, que recuerda por momentos el estilo de los instrumentales de Captain Beefheart, con presencia de láminas, cencerro y protagonismo alterno de la guitarra y el piano, construído sobre la alternancia de diferentes partes.

Por otro lado, el primer disco, de menor duración, contiene estupendas composiciones igualmente, ya desde la primera, Laminated cat, con una primera parte estilo Wilco y un desarrollo instrumental característico del combo, sobre un estilo country-folk eléctrico, percusivo y suave. Elegant transaction, canción de O´Rourke clásica, con coros de Tweedy y excelentes partes instrumentales, rítmica y relajada, muy hermosa, también con un amplio desarrollo instrumental ligero, que es la tónica del disco: pocas y largas canciones. Lo mismo ocurre con la siguiente, So long, melancólica, plagada de sonidos y ruidos de guitarras y percusiones, pero con un precioso y pegadizo estribillo, nuevamente cantada por O´Rourke. You Were Wrong, preciosa, con el sello de Tweedy, de lo mejor del disco. Semejante es Chinese apple, también suya, completamente Wilco. Acústica, comedida, íntima y sobria. Es notable el buen equilibrio entre lo eléctrico lo acústico y el davaneo experimental, acercandose por momentos a ambientes propios de banda sonora, sencillos y minimalistas, siendo por ello paralelo al trabajo de Tweedy y Kotche en el soundtrack Chelsea Walls (2002).

En resumen, dos discos deliciosos que gustarán mucho a los que conozcan la obra de las personalidades que los integran, pasando desapercibidos para el gran público. Las portadas rematan la faena.

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Publicado por teresa / Archivado en:Discos
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Bandini – It Ain’t No Love

Publicado el Jueves 22 junio 2017

Bandini
It Ain’t No Love
Happytobeme records 2010

Hay personas a las que el amor se les resiste, una sensación, un Nirvana que buscan desesperadamente en los sitios mas insospechados e inhóspitos, experiencias que, las mas de las veces terminan tras unos cuantos besos vacíos, unos cuantos polvos, tristes despedidas y montañas de amargura.
Bandini llevan desde su creación ahondando en la herida del desamor, porque saben que lo único que se puede hacer tras un descalabro es encerrarse a tocar, aferrarse a ese mástil de la guitarra que simboliza mejor que ninguna otra cosa la enorme mentira que sustenta aquello que llamamos Rock and Roll. Una gran mentira que, al igual que ocurre con la religión, solo se sustenta a base de fe, y la fe de Bandini en el rock and roll es de aquellas capaces de mover montañas, muy meritorio en estos tiempos de crisis, malos tiempos para la lírica.
Tras un primer doble álbum llamado “The Sunny Album”, publicado en 2007, Richard Ruiz se ha tomado un tiempo para dar forma a las canciones de este segundo disco, sarcásticamente titulado “It Ain´t No Love”, y es que no, no hay amor, pero eso no puede impedirnos seguir con nuestra búsqueda.
Con una producción bastante mas trabajada y pulida que la de su debut “It Ain´t No Love” presenta a unos Bandini pletóricos, en estado de gracia, inspirados y furiosos. Lo que en “The Sunny Album” era un susurro lastimero se vuelve aquí un formidable rugido surgido de lo mas profundo de sus (rotos) corazones. Las dentelladas guitarreras son la norma en este disco, formando en ocasiones paisajes sonoros cargados de furia y desolación, a destacar el excepcional trabajo a la guitarra de David Guinea, poseedor de un exquisito talento para enturbiar composiciones en principio amables. Ejemplos de este sonido torrencialmente eléctrico sería en primer lugar la excepcional “4 AM”, las inquietantes y perturbadoras “Made Of Cristal” y “Deadlines” o ese oscuro y dramático corte que abre el disco: “You Make Me Feel All Down”.
Bandini, revestidos ahora de un infranqueable manto eléctrico, no han perdido no obstante ni un ápice de su excepcional sentido melódico, aquel que ya aparecía en aquellos cortes ya clásicos de “The Sunny Album” y que aquí vuelve a surgir en bellísimas canciones adornadas con mareas de dibujos acústicos y ensoñadores teclados. Lo mejor de este lado amable lo encontraríamos en cortes como “Dry But Not Confused”, “Don´t Make Promises That You Can’t Keep” o “Marble Moon”.
“It Ain´t No Love” multiplica por mil las incontables virtudes de su anterior trabajo, y nos muestra a una banda en estado de gracia, un grupo robusto, rocoso, que baraja con singular maestría las cartas de la obra maestra, del disco total. Once llaves que despertarán de su letargo al corazón mas negro, once pruebas de que, después del tormento nos espera la gloria, a todos nosotros, aún en estos tiempos de mierda que nos ha tocado vivir.

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Publicado por Luis / Archivado en:Discos
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The Roots – The Tipping Point

Publicado el Sábado 17 junio 2017

The Roots
The Tipping Point
Geffen 2004

Jo, jo, jo, como me gusta este disco. Despues de un corto periodo de negación y rechazo por fin veo claro la intención de The Roots al grabar este discazo; dar una vuelta por estilos musicales asociados con el hip hop pero que “oficialmente” no son parte de este. “The Tipping Point” es un ejercicio de eclecticismo y autocontrol bastante opuesto a su entrega anterior, “Phrenology”, que pecaba de cierto descontrol tanto en la ejecución como en la dirección musical. The Roots escapan del neo-soul reinante en “Phrenology” entregandose a una visión menos comercial y más entretenida.
El álbum tiene un comienzo funky sobre el que Black Thought hace de verdadero maestro de ceremonias presentando al disco y a la banda y demostrando su flow. En “I don’t Care” la cosa se pone aun más funky si cabe con Black Thought rimando de nuevo. El tercer corte y primer single, “Don’t Say Nuthin'”, parece ser la primera incursión del grupo en bases programadas, muy moderno y efectista. En “Guns Are Drawn” el grupo entra en el terreno del reagge que combina perfectamente con el ligero toque del medio oriente reinante en “Stay Cool”, la siguiente pista, muy relajada y “laid back”.
“Web” y “Boom” son una vuelta al estilo old school de sus primeras grabaciones. El flow de BT tiene una velocidad y ligereza increibles que si no fuera por haberlo podido escuchar en directo diría que son imposibles. “Somebody’s Gotta Do It” vuelve a frenar el tempo del disco que se acelera de nuevo con “Duck Down”, un verdadero guiño al gansta rap. El final del disco repara sorpresas, sobre todo para el público europeo.
A destacar el duo en el que se han convertido The Roots, Questlove y Black Thought, sobre los que se articulan todos los temas y que llevan el peso compositivo e interpretativo del disco. El grupo demuestra su control total sobre todos los estilos y prima un intento de mantener la sencillez en la ejecución de las canciones, las primeras escuchas hacen que incluso parezca simple. No es un disco facil de digerir, y no llega a la genialidad demostrada en “Things Fall Apart”, sin duda su mejor trabajo, pero The Roots demuestran su intención de progresar y evolucionar musicalmente.

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Publicado por Edu / Archivado en:Discos
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Slayer – Reign In Blood

Publicado el Viernes 9 junio 2017

Slayer
Reign In Blood
American 1986

Reign_In_BloodCampos de exterminio nacis, mutilaciones, trepanaciones, satanismo, mucha, pero mucha velocidad y mucha, pero que mucha mala leche es lo que este “Reign In Blood” escupe en la cara del oyente. Sinceramente, recomiendo pasar primero por Metallica o Sepultura (parecen a su lado Spandau Ballet) para acomodar el cerebro a esta autentica catarsis de odio que es por derecho propio uno de los pilares del metal moderno.
Publicado en 1986, la salida del quinto disco de estudio de Slayer supuso una autentica bofetada de aire fétido en el a menudo inmovilista mundo del heavy metal. Tras aquellos primeros discos que anticipaban el caos, Rick Rubin cogió aquí las riendas de la producción para conseguir, según sus palabras, que se escuchasen todos los instrumentos dentro de aquel gigantesco muro de sonido. El conjunto quedo comprimido en apenas media hora, 30 minutos que servirían perfectamente para lobotomizar al bacala mas recalcitrante.
Tom Araya y los suyos, con especial mención al INCREIBLE batería Dave Lombardo, están aquí perfectamente sincronizados, tocan rápido, si, extremadamente rápido, pero todo esta en su sitio, cada riff, cada solo, cada golpe de caja esta donde tiene que estar, y todo el conjunto fluye con un único fin que es el de horrorizar y escandalizar al oyente. El tema inicial, ese “Angel Of Death” que es todo un himno, es una canción dedicada al criminal naci Joseph Mengele y la letra cuenta, con todo lujo de detalles, las abominaciones perpetradas en su nombre en Auswitch.
No hay pausas, y los diez temas se suceden uno tras otro mostrándonos nuevos horrores a toda velocidad, hasta cerrar con esa magistral “Raining Blodd” que acompañan en sus conciertos con una lluvia de sangre.
Este disco es considerado el iniciador del llamado Speed Metal, y es por derecho propio (a base de ostias) uno de los pilares del rock extremo moderno.
Un disco en definitiva que todo aquel fan de la música rock con amplitud de miras debería escuchar al menos una vez en su vida. Aunque cuidado, duele…

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Publicado por Luis / Archivado en:Discos
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