Categoria Discos

Jennifer Gentle – Valende

Publicado el Martes 25 abril 2017

Jennifer Gentle
Valende
Sub Pop 2005

Jennifer Gentle es el personaje de una antigua canción navideña, personaje que sin motivo evidente aparecía en “Lucifer Sam”, un enloquecido tema de Syd Barrett de sus tiempos junto a Pink Floyd, aunque el nombre ahora también sirve para referirse a este extraño grupo italiano formado por Marco Fasolo y Alessio Gastaldello.
Sin duda la referencia a Syd Barrett no es casual, en la música de Jennifer Gentle encontramos bastantes elementos de esa peculiar forma de composición, desquiciada y genial del británico, aunque en la música de los italianos hay muchos mas elementos interesantes, explorando con devoción todos los variados recovecos de la psicodelia.
Valende es el tercer trabajo de la banda, el primero para Sub Pop después de autoproducirse en Italia sus primeros discos, el mayor presupuesto ha dado la oportunidad al grupo para explorar nuevas posibilidades y nuevos límites, introduciendo toda clase de sonidos e instrumentos extravagantes y curiosos como sitares, globos de helio o glockenspiels.
Aunque el sonido del disco es bastante retorcido muchas canciones se construyen sobre sencillas y bucólicas guitarras acústicas, con melodías y coros que podrían recordar por momentos a los mejores Gorky’s Zygotic Mincy, aunque siempre esta presente esa voluntad casi enfermiza de contorsionar y desdibujar sus canciones, una voluntad inherente a la obra de otros destacados alquimistas como The Incredible String Band, Family o The Soft Machine, con los que Jennifer Gentle comparten mas de una obsesión.
“I Do Dream You” es el single nato del álbum, un enloquecido y genial tema que podría funcionar de maravilla en la MTV, con una vibrante melodía repetitiva y contagiosa; mas marciano aún es el tema que cierra el disco, “Nothing Makes Sense”, una delirante extravagancia cargada de encanto.
El resto de álbum se mueve por terrenos mas inseguros e incómodos, buscando definir retorcidas atmósferas mas turbias y oníricas, en temas como “Hessesopoa”, “Golden Drawings” o “Liquid Coffee” esta búsqueda alcanza sus mayores éxitos, Los temas mas abiertamente influidos por Barrett y los primeros Pink Floyd, como la inicial “Universal Daughter” o “Tiny Holes” suenan, dentro de esas similitudes, muy personales gracias sobre todo a la peculiar voz de Marco Fasolo.
Este “Valende” es un disco mas que notable, una revisión actualizada y acertada de la psicodelia mas lisérgica de los 60 que adquiere mayor dimensión si cabe al venir de Italia, un país en tan alejado en principio de los canales habituales y al que habrá que prestar mas atención a partir de ahora.

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R.E.M – Automatic For The People

Publicado el Viernes 14 abril 2017

R.E.M
Automatic For The People
Warner Bros 1992

Automatic For The PeopleQuizás hoy en día no este muy de moda hablar de R.E.M, quizás haya quien piense que es un grupo caduco, devorado por el “Mainstream”, un simple divertimento para masas, y puede que no les falte razón, aunque hubo un tiempo, no demasiado lejano, en el que R.E.M fueron sencillamente los mejores. Vamos a hablar de esos tiempos.
“Automatic For The People” fue publicado en 1992, justo despues de la revolución que supuso para la banda ese “Losing My Religion” que no paro de sonar en la emisoras de medio mundo.
Quizás tanto éxito hizo plantearse muchas cosas a la banda, quizás confluyeron otra serie de circunstancias que nunca conoceremos, el caso es que “Automatic For The People” se convertiría en el mejor disco posible de R.E.M, una autentica obra maestra que ellos mismos nunca han podido superar.
Comercialmente “Automatic For The People” tuvo un papel simplemente discreto. Los grandes capos de la Warner pretendían continuar la fiebre iniciada con “Out Of Time” y cuando los dolares tardaron en llegar tildaron el nuevo disco de los de Athens de aburrido y sin garra.
Lo cierto es que las canciones de este disco no fueron hechas como producto de consumo masivo. En cierta forma supusieron un homenaje a los fans de siempre de la banda, un punto y aparte en su carrera, y es que Michael Stipe y los suyos sabían que había un antes y un después a este disco, como así fue.
De entrada decir que resulta verdaderamente difícil destacar alguna de las increíbles doce canciones que componen este álbum, pero empezaremos simplemente por el principio, por ese “Drive” que se convirtió en el primer single del álbum, un tema oscuro, siniestro, enigmático y de una belleza inigualable. Los otros dos singles, “Man On The Moon” y “Everybody Hurts” transitaban también por caminos muy ásperos, muy alejados del optimismo de su anterior trabajo.
Todo el álbum esta articulado alrededor de unas composiciones muy sencillas en clave folk a las que se les añaden unos arreglos simplemente exquisitos, este marco es el ideal para la voz de Michael Stipe, que suena aquí cómoda y sincera en las historias sobre muerte, perdida y el paso del tiempo que se van desgranando lentamente como capítulos de una novela de Raymond Carver.
“Automatic For The People” es uno de esos discos que crece con el tiempo, uno de esos albums a los que, por mas tiempo que pase, siempre se acaba volviendo una y otra vez.

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Probot

Publicado el Lunes 10 abril 2017

Probot
Probot
Southern Lord 2004

¿Cuantos años llevo esperando este bendito album?. Ni yo mismo lo sé.
Dave Grohl cuenta que era un chavalín de lo más normal hasta que a la tierna edad de 13 años una prima suya, metida en el mundillo punky, paso a visitarle durante un verano. A partir de entonces la vida de este joven se torcio para siempre, empezo a escuchar música heavy, hardcore, punk, rock de todo tipo y se convirtio en un freaky de lo underground.
20 años despues, convertido en un batería, vocalista y guitarrista de renombre y cargadito de millones tras su paso por Nirvana, por los Foo Fighters y más recientemente por Queens of the Stone Age, decidio que quería llevar adelante su sueño adolescente de tocar con los vocalistas de los grupos metal y hardcore que alegraron su juventud. Como ademas de rico Dave debe ser majete obtuvo una respuesta positiva de la gran mayoría de los cantantes, asi al final cantan Cronos, Mike Dean, King Diamond, Lee Dorrian, Lemmy, Snake, Wino, Eric Wagner, Kurt Brecht y Max Cavalera. Matt Sweeney y Kim Thayil (casi nada) tocan la guitarra y el bajo cada uno en una canción, pero el resto del disco es absolutamente Dave Grohl.
En sus propias palabras Dave pretendía hacer un “Supernatural” (por el disco de Santana) pero en metal. El disco es de lo mas interesante por varias razones, la primera es el impresionante reparto de voces, simplemente contar con las de Lee Dorrian, King Diamond, Lemmy, Max Cavalera, y Wino, por hablar de los que conozco, es un lujazo. Otra razón es poder reafirmarme en que Grohl es un fuera de serie, las partes de batería en todas las canciones son salvajes y muy lejanas de ser sencillas, ademas de adecuarse al estilo de cada uno de los vocalistas. La última razón que se me ocurre es lo gracioso que resulta observar la mezcla del estilo metal de estas canciones con la sapiencia pop que Grohl ha venido demostrando es los dos últimos albumes de los Foo Fighters, conviertiendo estas en un metal de lo más digerible. ¿Que no es un disco de metal? verdadero, pero es rock puro y duro con un toque “stoner” bastante marcado.
Del disco destacaría las canciónes de Max Cavalera, Lemmy, Wino y la de Snake “Dictatosaurus”, tremendamente parecida al estilo de los Smashing Pumpkins (Matt Sweeney, ex-Zwan toca la guitarra en esta). “My Tortured Soul”, con Eric Wagner tiene un sonido a lo Stone Temple Pilots que le deja a uno pensando donde ha oido antes ese riff de guitarra. Por supuesto King Diamond tambien brilla.
Pero el momento estelar llega con la pista escondida, “I am the Warlock”, en la que el vocalista es ¡¡¡¡ Jack Black !!!!, el actor y miembro de Tenacious D, para los que Grohl tocó guitarra y batería en su disco de debut.
Nunca me ha gustado el metal y lo más lejos que he llegado en este genero es al “Turbolover” de Judas Priest, pero Grohl consigue hacer entretenido el paseo que da por el género, sobre todo manteniendo la intensidad de principio a fin. Nada nuevo bajo el sol, pero el concepto es inteligente, esta bien producido y sirve de acercamiento al underground metalero de los 80 que no nos dejaban ver los teñidos pelos de las “hair bands”.

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Paul Kelly and the Messengers – Comedy

Publicado el Jueves 6 abril 2017

Paul Kelly and the Messengers
Comedy
Mushroon Records 1991

Conocí a Paul Kelly por dos canciones del disco “Under the sun” (1987) que se incluían en una cinta que acompañaba al fanzine ‘La línea del arco’ (editada por Luis Calvo allá por 1990, en lo que serían los inicios de Elefant records). El primer disco suyo que logré encontrar en una tienda por aquellas fechas fue este “Comedy”, desde el principio me pareció un gran disco, y todavía hoy, a pesar del tiempo que ha pasado, sigue sonándome fresco y gustando igual que el primer día.
Aunque en su país está considerado como uno de los más importantes compositores y cantantes, en España es difícil encontrar datos sobre su trayectoria. Echando mano, sobre todo, de su página oficial he podido obtener la siguiente información: Paul Kelly nació en Adelaida (Australia) en 1955. El primer grupo con el que grabó a finales de los ’70, influenciado por la oleada punk, se llamaba Paul Kelly and the Dots, pronto tuvieron éxito local como banda de guitarras aceleradas, grabando dos álbumes ‘Talk’ y ‘Manila’. Se separaron en 1982; dos años más tarde se mudó a Sydney, donde con un grupo de amigos como el guitarrista Steve Connolly y el bajista Ian Rilen, grabaron ‘Post’, disco que representó un gran cambio y avance en Kelly como compositor y cantante de melodías de tono agridulce, con claras referencias a temáticas australianas en sus letras. Fue considerado el mejor disco de 1985 por la revista Rolling Stone de Australia. Formó una banda completa, integrada por Steve Conolly, el batería Michael Barclay, el bajista Jon Schofield y el teclista Peter Bull. Bajo el nombre de Paul Kelly and the Coloured Girls entraron en el estudio con el productor Alan Thorne en marzo de 1986, lanzando un mes más tarde el notable doble álbum ‘Gossip’, una colección de 24 canciones que cimentaron la reputación de Kelly como un compositor a la altura de los mejores. Editado como álbum único con 15 canciones por A&M Records en 1987, ‘Gossip’ fue el disco que lo introdujo en el mercado americano (aunque en este país se editó bajo el nombre de Paul Kelly and de Messengers). Obtuvo buenas críticas, mientras en Australia no paraba de dar conciertos. Ese mismo año volvió a entrar en el estudio con el mismo productor (Alan Thorne) para grabar ‘Under The Sun’. Cambiaron el nombre a Paul Kelly and the Messengers y tuvieron su primera gira por Norteamérica. En 1989 graban el álbum ‘So Much Water, So Close To Home’, producido por el americano Scott Litt. Antes de disolver la banda graban en 1991, de nuevo bajo la producción de Alan Thorne en colaboración con Paul Kelly, el disco ‘Comedy’; dieciocho canciones, todas compuestas por él excepto tres: “Leavin Her For The Last Time” una triste y preciosa canción con acústica y armónica compuesta por Steve Connolly; una buena versión del maravilloso tema de John Cale “Buffalo Ballet”; y una canción co-escrita con el compositor aborigen Kev Carmody, ‘From Little Things Big Things Grow’, de estilo dylaniano, dedicada a Vincent Lingiarri y los ocho años de lucha por la tierra de la gente Gurindji al norte del pais. Las canciones propias oscilan entre baladas (unas con arreglos de cuerdas, otras más folk: “Wintercoat”, “Take Your Time”, “You Can Put Your Shoes Under My Bed”, “Invisible Me”), enérgico power-pop (unas más acústicas otras más eléctricas: “Don’t Start Me Talking”, “Stories Of Me”, “It’s All Downhill From Here”, “Your Little Sister” “Blue Stranger”) y discreto rockabilly-folk (“Sydney From A 727”, ”I Can’t Believe We Were Married”, “Little Boy Don’t Lose Your Balls”), con perfectas armonías vocales y un sonido dominante de guitarras acústicas que nadan entre piano, teclados, algún instrumento de viento australiano y punteos eléctricos, para contar curiosas historias que logran conquistar los más duros corazones.
Como curiosidad, escondida y tras finalizar la última canción hay una breve y simple improvisación titulada “David Gower” (antiguo capitán de la Selección inglesa de Cricket), cantada con la melodía del Guantanamera.
Una gira australiana en 1991 marcó las apariciones finales de Paul Kelly and The Messengers, cuyo canto de cisne fue ‘Hidden Things’, una compilación de 18 rarezas y caras-B grabadas en los seis años anteriores.
Siguió componiendo para series de televisión y películas de cine (participando incluso como actor), produciendo y componiendo para otros artistas, se publicó en libro una selección de sus canciones, y por supuesto siguió (y sigue) editando buenos discos en solitario o en compañía de otros músicos, abordando diferentes estilos, desde el pop-soul de ‘Wanted Man’, hasta el tono intimista de ‘Deeper Water’ (en el que explora las más maduras cuestiones de paternidad y mortalidad -Kelly dedicó este álbum a su viejo amigo Steve Connoly, muerto tras complicaciones inesperadas después de una operación-), acercándose en la actualidad al surf o al homenaje a ‘Suicide’ que se pueden escuchar en el último proyecto del que forma parte, ‘Stardust Five’, y que me parecen una maravilla (‘Zoe’ me tiene encandilado).

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Beck – Que Onda Güero!!

Publicado el Miércoles 29 marzo 2017

Beck
Que Onda Güero!!
Interscope 2005

No resulta fácil analizar la figura de Beck, uno de los músicos mas populares y controvertidos de nuestra época, desde que se presentó hace ya una eternidad con aquel himno generacional que fue “Loser” el artista estadounidense ha ido generando uno de los catálogos mas heterogéneos y personales de los últimos tiempos.
Realmente no me empecé a interesar en serio por Beck hasta “Sea Change”, su anterior disco del 2003, que fue recibido por la crítica con opiniones diametralmente opuestas, obra maestra absoluta para algunos, aburridísimo bodrio infumable para otros, a mi “Sea Change” me pareció una sublime exhibición de sensibilidad, sensibilidad que siempre habia sido precisamente lo que mas había echado en falta en su obra.
Parece que a medida que Beck ha ido creciendo, sobre todo despues del disco comentado, ha ido perdiendo ese aura de autor estrafalario, freak y marciano, perdiendo esa originalidad que le hizo famoso en sus inicios pero ganando mayor profundidad en su discurso, cosa que no ha sido siempre bien recibida por críticos y fans, parece que este “Guero” del 2005 busca en cierto sentido recuperar ese tono alocado, experimental y desenfadado que tuvo la música de Beck en sus inicios, volviendo a retomar sus recursos basados en el Rock y el Hip-hop para generar canciones de efecto inmediato.
Aunque el resultado parece que no convence a casi nadie, “Que Onda Guero” es un buen disco que contiene algunas canciones realmente potentes. A priori “Girl” debería ser el tema estrella del disco, un tema verdaderamente adictivo y dinámico, aunque es quizás en otros cortes como “Brazilica”, con esos extraños ritmos de Samba, o en “Black Tambourine” donde encontramos los mejores momentos y la verdadera miga del disco. Es cierto que la calidad del álbum no es homogenea y hay temas que no mantienen el nivel (“Guero”, “Chain Reaction”, “Rental Car”) aunque la nota final se eleva con los interesantes experimentos de “Scarecrow” o “Nazarene”, donde Beck explora texturas difíciles y poco habituales.
En definitiva este “Que Onda Guero” no es el mejor disco de Beck, pero si un disco bastante notable que demuestra la facilidad del artista norteamericano para resultar siempre imprevisible.

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