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Rick Wright, “La Gran Actuación En El Cielo”

Publicado el viernes 11 mayo 2018

Richard William Wright, más conocido como Rick Wright, teclista y cantante del grupo Pink Floyd, falleció anteayer, 15 de septiembre de 2008, “después de una corta lucha contra el cancer”, según una breve nota de su portavoz para informar a los medios. Aunque siempre estuvo en un segundo plano fue miembro fundamental del grupo Pink Floyd desde sus orígenes. Junto a Roger Waters y Nick Mason, a los que conoció en la Universidad como estudiantes de arquitectura, fueron los tres integrantes que se mantuvieron unidos tras las diferentes transformaciones, desde la primera banda que formaron en 1964 de rythm and blues llamada Sigma 6 y sus diversos cambios de nombre, miembros e instrumentos, hasta la incorporación en 1965 de Syd Barret y Bob Klose en el nuevo proyecto Tea Set, nombre que cambiaron al coincidir en un concierto con otra banda llamada igual, sugiriendo Barret el de The Pink Floyd Sound, más tarde The Pink Floyd y finalmente Pink Floyd.
Entre las aportaciones más importantes de Wright están las atmósferas y sonidos de órgano Hammond y sintetizadores tan característicos del grupo, además de la participación en la voz y en la composición de las canciones en todos los discos fundamentales, canciones firmadas bien en colaboración, bien en solitario (las más recordadas suelen ser las del álbum “Dark Side Of The Moon” por su trascencencia, “The Great Gig in the Sky” -Wright-, “Us and Them” -Waters/Wright- y “Breathe” -Gilmour/Waters/Wright-, así como el “Shine On You Crazy Diamond” -Gilmour/Waters/Wright- del disco “Wish You Were Here”), hasta la edición del disco “Animals” en 1977 donde el protagonismo de Roger Waters y en menor medida David Gilmour acapararon todas las composiciones. Problemas irreconciliables con Roger Waters acabaron con la salida de Rick Wright de la banda (aunque siguió como músico de sesión), hasta que marchó Waters y volvió a integrarse paulatinamente con los demás miembros. Si bien en los últimos años, tras coincidir con Waters en el concierto “Live 8” en 2005, volvieron a reconciliarse.
En solitario grabó tres discos, el primero cuando todavía estaba con el grupo (los problemas ya bullían en el ambiente), en 1978, el titulado “Wet Dream”, del que nunca se sintió orgulloso por considerarlo amateur y con una producción pobre, aunque al final le cogería cariño (personalmente me parece un buen disco, pop-sinfónico con acercamientos ocasionales al jazz, sencillo e íntimo y con melodías muy agradables). En 1984 editó un trabajo electrónico alejado de todo lo anterior, “Identity”, junto con Dave Harris con quien formó el grupo para la ocasión bajo el nombre de Zee (en palabras de Wright: “un error experimental”). Y en 1996 el considerado por sus fans como el álbum más logrado de los componentes de Pink Floyd en solitario, “Broken China”, recuperando el modo de disco conceptual, en esta ocasión tomando como temática la depresión y la lucha por superarla, dedicado a la que poco después sería su tercera mujer, Millie (contó con la colaboración de Sinead O’Connor en dos canciones destacadas, “Reaching for the Rail” y “Breakthrough”).
Sirva este breve recuerdo como homenaje a un artista que aunque le toco vivir el éxito más entre sombras fue uno de los pilares fundamentales sobre los que el sonido de Pink Floyd se erigió.

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Barzin – My life in rooms

Publicado el jueves 10 mayo 2018

Barzin
My life in rooms
moonpalace / monotreme 2006

Barzin Hosseini compaginaba los estudios de Literatura inglesa con tocar la batería en diferentes grupos de Toronto (Canadá), instrumento que iría abandonando, junto con los estudios, al sentirse más atraído por la composición de canciones, que le permitía unir su pasión por la música y la poesía. Decidió emprender un proyecto en solitario en 1995. De los compañeros que participaban en las grabaciones y actuaciones se irían sumando, pasando a formar parte fundamental del proyecto, Mike Findlay (multiinstrumentista, diseñador de páginas web y miembro también del grupo ‘the kramdens’), Suzanne Hancock y Tony Dekker (alma mater del maravilloso grupo ‘Great Lake Swimmers’). El primer álbum, “Barzin” (Moonpalace Records – Ocean Music) fue editado en 2003, considerado como uno de los grandes trabajos de ese año y con muy buenas críticas. En 2004 un disco con menores pretensiones “Songs for Hinah” fue publicado por el sello frances ‘Hinah’, combinando temas instrumentales y cantados, siendo una de las composiciones de Suzanne Hancock y otra de Tonny Dekker. Ya en 2006 se publicó “My life in rooms”, compuesto en su mayoría por Barzin, excepto “Take this Blue” y “Heart Strings” (Barzin y Tony Dekker), y “Acoustic Guitar Phase” (M. Lightburn). Todos los instrumentos están tocados en este álbum por Barzin, Suzanne Hancock, y Tony Dekker, contando con puntuales colaboraciones de diferentes músicos que aportan una especial elegancia añadiendo sonidos de vibráfono, piano, corno francés o pedal steel guitar, corriendo los arreglos de cuerda de la mano de Karen Graves.
Cantaba en el primer disco “es la misma canción / siempre la misma canción / y tú te buscas a ti mismo / esperando en la ventana / con toda esta música / en tus brazos” (“Autumm and moon”), definiendo perfectamente su estilo, canciones que no se basan en una excesiva investigación ni excesiva originalidad, pero sí mucha intimidad y un tono confesional que alcanza facilmente el corazón del oyente, buscan disfrutar de la sencillez, sacar fuerzas de las experiencias tristes, olvidarse de lo externo y mirar al interior intentando quedarse con lo verdadero y esencial. Recuerda a otros grupos también amantes de la intimidad y la introspección (mojave 3, sparklehorse, low…), no es ninguna isla solitaria en medio del mar, sino una más del archipielago formado por tierras con poca luz, dominadas por las sombras, pero que una vez te adentras en ellas descubres que cada una tiene sus paisajes, su propio sol y su microclima en los que encontrar placeres y descubrir nuevas sensaciones, que cada una es diferente y te ofrece inexploradas visiones. Lo primero que te encuentras al penetrar en el territorio de Barzin es que todo transcurre a cámara lenta, como sin gravedad, variando muy poco la velocidad en todo el recorrido. Te obliga a dejar las prisas aparcadas y mirar todo lo que ocurre a tu alrededor con minuciosidad, o bien, si lo prefieres, intentar olvidarte por completo de todo y de que existes y dejar que las sensaciones fluyan solas y te vayan embriagando. En cualquier caso, lo que sí tienes asegurado es un viaje al interior de la melancolía, cruzando campos de belleza, montañas de desolación y ríos de esperanza escondida entre las alas rotas de los pájaros que sobrevuelan el espacio personal con extrema suavidad.
Las canciones con ritmo más alegre son dos rescatadas del ‘Songs for Hinah’, ‘Just more drugs’ y el sencillo instrumental ‘Sometimes the night’, junto con ‘Won’t you come’ que, aunque lentas, no llegan a ser letárgicas como las demás. Entre las más inspiradas personalmente me quedaría con las que abren el disco ‘Let’s go driving’, ‘So Much Time To Call My Own’, y la que lo cierra ‘My life in rooms’, siendo las demás igualmente disfrutables.
Encuentro sin embargo un problema en este disco que me impide apreciarlo en su plenitud, y es el exceso de efectos en la grabación de la voz, haciendo que la comunicación pierda naturalidad, que la intimidad y acercamiento que emanan el resto de sonidos se encuentren con una invisible barrera, un elemento que parece crear distancias donde no debiera haberlas, una escalera hacia la emoción a la que le falta un pequeño peldaño.

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Lou Reed and John Cale – Songs For Drella

Publicado el sábado 5 mayo 2018

Lou Reed / John Cale
Songs For Drella
Sire-Warner 1990

Songs
Después de veintidos años Lou Reed y John Cale olvidan sus rencillas y vuelven a juntarse para dedicar un sincero homenaje a su amigo, manager y padrino de la ‘Velvet Underground’ Andy Warhol, fallecido en 1987 (también conocido entre ellos como “Drella”, contracción de Dracula y Cinderella).
Se trata de una obra sentida, íntima, solemne, con instantes oscuros y tensos, la visión de unos amigos que recuerdan los buenos y malos momentos al lado de uno de los artistas más influyentes del siglo XX, centrándose principalmente en el lado más humano, sin olvidar la cara expuesta a la galería, mezclando verdad y ficción.
Drella
Sus sueños sus realidades
sus deseos sus fobias
sus virtudes sus debilidades
Hacen un recorrido por su vida, desde que nace en Pittsburgh (‘Smalltown’), su estudio, la ‘Factory’, en Nueva York (‘Open House’), su obsesión por el trabajo (‘Work’), su paso por el cine (‘Starlight’), elucubraciones como qué pasaría si todos tuviesemos el mismo nombre y rostro (‘Faces and names’, maravillosa), la repetición de imágenes tan característica en sus obras (‘Images’), el atentado sufrido en 1968 (‘I believe’), un largo y sentido recitado de John Cale basado en los miedos de Warhol entre tensos efectos sonoros de guitarra y piano (‘A dream’) y una bella despedida (‘Hello it’s me’).
Songs
Voy a aprovechar una entrevista que un gran admirador suyo, el excelente periodista musical Rafa Cervera, consiguió realizar con éxito en 1990, para dejar que sea el mismo Lou Reed quien nos explique el proceso de este álbum:
– “En el funeral de Andy Warhol, un amigo sugirió que John Cale y yo escribieramos algo en su memoria. Después yo compuse una canción sobre Andy, ‘Dime story mistery’, aparecida en “New York”. John y yo habíamos reanudado nuestra amistad; él estaba trabajando en unas músicas instrumentales inspiradas en Andy. Me telefoneó para pedirme mi opinión sobre algo, así que fui al estudio donde estaba grabando. A través de aquel encuentro surgió la idea de olvidar las composiciones de John y escribir una obra sobre Andy Warhol, canciones sobre Andy Warhol.
Supongo que realizar esto fue posible gracias a que ambos habíamos estado tocando anteriormente en un pequeño estudio, sólo para divertirnos. La experiencia había sido muy gratificante… muy divertida. Pensé que las canciones de ‘Drella’ debían aparecer en orden cronológico, como algo más que una colección de temas en torno a Warhol. Se trataba de que la gente pudiese conocer los mismos aspectos de Andy que nosotros habíamos conocido. Queríamos hacer un retrato positivo, desde un punto de vista totalmente opuesto a todos esos libros tan negativos que se han publicado sobre su persona”.
For Drella
Aparte del disco se lanzó también un vídeo con las canciones en el mismo orden, aunque con ligeros cambios en la interpretación e instrumentación, grabado en la Academia de Música de Brooklyn en Diciembre de 1969, totalmente austero, solos en el escenario John Cale y Lou Reed, sus rostros, los instrumentos y micrófonos (J.Cale teclados y piano salvo en dos temas que toca la viola eléctrica y L.Reed a la guitarra eléctrica), sentados, con fondo negro en el que aparecen ocasionalmente proyecciones sobre Andy Warhol y sus obras.
Songs
– “Pensamos que para ‘Songs for Drella’ era importante no contar con otros músicos, que no hubiese mucho… mucho ‘overdubbing’, que no hubiesen demasiados instrumentos. Queríamos un sonido muy enfocado, muy claro, poderoso, que fuese fácil distinguir las diferentes partes. Es muy importante que la gente pueda escucharnos a John y a mi tocando juntos, sólo con los instrumentos imprescindibles”.
El mayor protagonismo en el número de canciones cantadas corresponde a Lou Reed, diez sobre cinco que canta John Cale, siendo las de este en general las más melódicas.
– “Elegimos cantar las canciones con las que nos sentíamos más cómodos. Esencialmente, si a alguno de los dos le apetecía cantar algún tema en especial, lo hacía. En algunos temas ocurre que alguno de los dos está tocando algún instrumento y eso nos delimitaba para cantarla porque era imposible hacer las dos cosas a la par… Me refiero a que, por ejemplo, yo estuve cantando durante mucho tiempo ‘Faces and names’, en las primeras representaciones… entonces tenía unos arreglos diferentes, así que un día, mientras la tocábamos en un ensayo, John decidió que el arreglo no le gustaba y empezamos a hacerla del mismo modo que está en el elepé. Entonces fue cuando John decidió también que quería cantarla”.
For Drella
Este disco forma parte de la considerada excelente trilogía de la madurez de Lou Reed, junto a “New York” (Sire-Warner 1989) y “Magic And Loss” (Sire-Warner 1992).
– “Con New York fue la primera vez que logré controlar la tecnología, la consola del estudio. La producción, el control de la producción. Cuando nació este proyecto sabía de antemano como quería que sonase, que era lo que quería hacer, con quien quería trabajar, el tipo de mesa de controles que íbamos a necesitar. Utilicé mi propio equipo; fue como una extensión de la filosofía, por llamarlo de alguna manera, de producción utilizada en “New York” y aplicada a “Drella”. Había participado en un elepé con ‘Rob Wasserman’, sólo bajo y guitarras, llamado “Duets”. Fue fabuloso; en mi show sólo utilizábamos bajo y guitarras, no había batería; grabamos unas cintas y sonaban fantásticas, así que tenía claro que lo que hiciésemos John y yo no necesitaría de una batería, porque podíamos grabar nuestro disco así y conseguir que sonase ‘terrific'”.
Songs
Salvo cuatro actuaciones, previas y durante la grabación del vídeo, no realizaron ninguna gira con este disco: – “Sería difícil tocarlo siempre con la misma emoción, la obra completa, interpretarla honesta y correctamente, con energía, y eso no se puede hacer cuando estás viajando continuamente. Lo realmente importante para nosotros consistió en poner en escena las canciones cuando estaban frescas, descansar un día, volver a tocarlas para filmar el concierto durante un día y una noche. Después volvimos a tomarnos dos días libres y nos metimos en el estudio para intentar la mejor versión de cara al disco y al CD. Pero no deseaba hacer una gira con ‘Drella’. Como bien podrás imaginar, rapidamente nos hicieron todo tipo de ofertas para tocarla en varios sitios, pero esa no es la razón por la cual decidimos sacar adelante este proyecto, sino mostrar a la gente al Warhol que conocimos, con respeto y admiración. Aunque la gente podrá verlo todo en el vídeo”.
Drella
Personalmente me parece una obra de dos artistas en estado de gracia, John Cale canta mejor que nunca y Lou Reed vive un proceso de desarrollo y sabiduría envidiable.
Andy Warhol no podía tener mejor homenaje musical.
‘Nobody but you’
‘Goodbye Andy’.

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The Sleeping Years – We’re Becoming Islands…

Publicado el sábado 7 abril 2018

The Sleeping Years
We’re Becoming Islands One by One
Talitres, Rocketgirl 2008

the-sleeping-yearsA estas alturas de la película el calificativo que acude con más facilidad a mi mente cuando escucho a Dale Grundle es el de la honestidad. Si a ello le sumamos unas dotes y sensibilidad especiales para cantar y componer, el goce de los sentidos está asegurado.
Si en su día he tenido especial debilidad por los Catchers, una isla peculiar dentro del entramado indie, con The Sleeping Years mi fascinación es todavía mayor al ver que la evolución y madurez de Dale han sido fruto de una auténtica búsqueda personal, con un admirable control de todo lo que rodea a la producción, actuaciones y edición discográfica, tanto de las grabaciones o el diseño, como del exquisito trato cercano ante cualquier comentario o petición.
The Sleeping Years es el actual proyecto del ex-Catchers Dale Grundle. Antes de este disco editó en 2007 tres EPs, básicamente acústicos, en edición limitada (los dos primeros agotados) con cuidadísimas portadas hechas a mano (diseñadas por pika pika), numerados y firmados por el propio Dale. Todas las composiciones eran suyas, encargándose él mismo de toda la instrumentación y grabación.
En este primer álbum, “We’re becoming islands one by one”, de nuevo es el autor de todos los temas y el encargado de interpretar la mayoría de instrumentos (voces, guitarras, bajo, piano, teclados, e-bow, percusiones), contando con la colaboración de Michelle So (violonchelo, piano, percusiones), Tom Page (batería percusiones) y Ben Eshmade (trompa en “Human Blues”). Fue grabado en Londres a finales de 2007, producido por el propio Dale Grundle y editado en 2008 por el sello Talitres Records en Francia y por el sello Rocketgirl en UK e Irlanda. Si bien ya se puede comprar sin problemas el disco por internet , está prevista su publicación oficial en España y Portugal para marzo de este año, mes en el que ya están anunciadas dos actuaciones suyas (el 19 en la sala Apolo de Barcelona y el 20 en la sala El Sol de Madrid, acompañado exclusivamente de un pianista, si los planes no cambian).
De las 10 canciones del disco, 6 de ellas ya habían aparecido en los EPs, si bien han sido regrabadas para este álbum con interesantes aportaciones de los nuevos componentes. Algunas apenas han sufrido variaciones, otras han tomado más cuerpo de banda con el añadido de batería sobre todo, resultando el chelo uno de los mejor integrados en el reservado y personal mundo sonoro de Dale. En general suenan más limpias y cristalinas (tal vez sean manías mías por las preferencias de lo simple y casero, pero me resultan más personales y profundas algunas versiones de los Eps), aunque no pierden en ningún momento ese halo de intimidad, delicadeza, soledad y magia características de las canciones de Dale. Me cuesta decidirme por alguna en concreto porque todas me parecen especiales, pero si tuviera que elegir alguna me quedaría con “Macosquin Coleraine” (homenaje al lugar donde nació: Coleraine, Irlanda del norte,), “The Lockkeepers Cottage”, “Dressed For Rain” y “Islands”.
Melancolía y belleza, pérdida y búsqueda. Sensibilidad y honestidad a raudales.

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Young Marble Giants – Colossal Youth

Publicado el jueves 5 abril 2018

Young Marble Giants
Colossal Youth
Rough Trade 1980

Colossal YouthO como dar con la piedra filosofal que convierta una grabación practicamente casera en importante influencia musical y competir en número de ventas con discos de producción millonaria.
A finales de los ’70 en una ciudad de Gales llamada Cardiff el joven Stuart Moxham considera que tras el paso por la banda True Wheel (liderada por Matthew Davis, con un repertorio basado sobre todo en versiones y en la que Stuart aprende a dominar la guitarra), sería buena idea formar un nuevo grupo en el que poder cantar sus propias composiciones. Cuenta para ello con la colaboración de su hermano Phil Moxham, que tocaba el bajo en la misma banda. Atraídos por la actitud del punk, mucho más que por su música, y repelidos por los sonidos de baterías y de arreglos grandilocuentes, creen que con un ritmo atrayente de bajo y escasos acompañamientos se podrían hacer buenas canciones. Stuart no es partidario de integrar en el grupo a Alison Statton (compañera también en True Wheel, haciendo voces), no le gusta como canta, pero su hermano acaba de comenzar una relación sentimental con ella e impone la condición de aceptarla como cantante. Hay que poner nombre a la nueva formación y se inspiran en una escultura de marmol griega que representa a un Kouros (joven) que aparece en un libro de arte de Alison. Como acompañamiento rítmico construyen su propia caja de ritmos. Y con unas apañadas reparaciones a un viejo teclado italiano ya tienen las herramientas necesarias para construir el sonido peculiar que les caracterizará.
Geoff Travis, jefe de Rough Trade, queda prendado al oir sus dos primeras canciones aparecidas en un recopilatorio y decide ficharlos, proponiéndoles grabar directamente un LP. En cinco días tienen completados para editar los quince temas de “Colossal Youth”, compuestos la gran mayoría, letra y música, por Stuart, salvo ‘Choci Loni’ por su hermano Phil, ‘Eating Noddemix’ por Alison y ‘Salad Days’ en el que la letra es autoría también de Alison. Amantes de la música de Can, Kraftwerk o Brian Eno, sorprenden por la simplicidad en la instrumentación, inteligencia en las letras y el encanto de una voz sin pretensiones en las maneras pero muy efectiva en los resultados. Comienza el disco con un rudimentario sonido de tren que se acerca (caja de ritmos) y que es la única percusión de todo el tema, la guitarra entra con un ritmo de acompañamiento simple, Alison canta ‘Searching For Mr. Right…’ y el bajo se suma a contratiempo e igual de sencillo que la guitarra, con ligeros y escasos adornos. En ‘Include Me Out’ un ritmo más acelerado con un ‘solo’ peculiar de guitarra y un ‘oh oh uh ouh’ contagioso de Alison. En el instrumental ‘The taxi’ de nuevo la caja de ritmos es de lo más básico (todos los ritmos del álbum se grabaron en un casete mono), hace su aparición el teclado, con un sonido ‘casio’ característico de los aparatos más baratos, y una melodía elemental a años luz de cualquier atisbo de virtuosismo. Y a partir de aquí ya han mostrado toda la munición de la que disponen, el que ganen la batalla con armas de plástico y de madera sólo se puede explicar basándose en una enorme dosis de originalidad y una ejecución perfectamente planeada aliados con el factor sorpresa. Han logrado crear un sonido propio (algo tan buscado y tan díficil de encontrar), han conseguido que haya que recurrir al término ‘sonido Young Marble Giants’ para explicar el sonido de múltiples discos con influencias más o menos conscientes (y eso es uno de los motivos más valorados para pasar a la historia de la música). El compendio guitarra-bajo es realmente admirable, destacando joyas del calibre de ‘N.I.T.A.’, ‘Music For Evenings’, ‘Choci Loni’, ‘Wurlitzer Jukebox’, ‘Salad Days’, ‘Credit In The Straight World’, o ‘Brand-New-Life’ (`Me quedé tan mal cuando te fuiste/ nada que pudiera hacer o decir/ ahora somos dos solitarios/ sentados en casa y mirando la televisión’).
El álbum sería de los más vendidos para Rough Trade, pero unido al éxito comercial iría el deterioro de las relaciones entre los componentes. Llegaron a grabar dos Ep’s más, una gira por U.S.A. en la que Phil y Alison rompen como pareja y la disolución del grupo no se hace esperar. Reivindicados y reconocidos como influencia por multitud de artistas, podemos encontrar entre los que han hecho versiones de sus temas a gente como The Magnetic Fields, Hole, Adam Green, Galaxie 500 o Belle & Sebastian. De los diferentes proyectos en los que se han involucrado posteriormente el que mayor repercusión ha tenido es el del grupo Weekend, y aunque han hecho por separado cosas interesantes y dignas de mención parece que siempre serán recordados fundamentalmente por su trabajo como Young Marble Giants.

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