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El Apacible Willie

Publicado el Jueves 20 abril 2017

Willie era un marinero,
navegó sobre el mar,
Y Willie dijo: una vida de marinero
es la vida que me gusta.
Pero ellos le enviaron a la batalla
para que entregara su vida,
Y Willie dijo: una vida de marinero no es lo que me gusta

Así que Willie se cambió a las fuerzas aéreas,
allí aprendió a volar,
y Willie dijo: ¡qué felicidad!,
mientras volaba por el cielo.
Pero ellos le enviaron a la batalla
para que entregara su vida,
Y Willie dijo: las fuerzas aéreas no es lo que me gusta

Ahora Willie está pensando
que la gente conspiraba contra su vida,
así que se compró una atalaya
y se encerró dentro.
Pero la torre miraba hacia un campo de batalla
donde los hombres entregaban sus vidas
y Willie tuvo que reirse antes de echarse a llorar.

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Volar es para pájaros

Publicado el Lunes 17 abril 2017

Hace tiempo era un niño bueno y cazador de nubes
y es que al cielo subía por sumas de escaleras
trepando por la hierba de luz del arcoiris
o por los hilos de sol de mis cometas.

Ahora quiero volar, sé que antes del silencio,
antes del bien y el mal, del cruel y del tirano,
pasaba por el mundo sobre ángeles y cosas
un hombre libre con alas en las manos.

Ahora vuelvo a volar, tengo unas alas blancas
con que abrazar el aire, rasgar el horizonte,
llegar hasta ciudades lejanas como sueños
y enseñarles a todos que es posible la vida,
que es posible la vida, que es posible la vida,
que es posible la vida.

Suben a mi ventana gritos alucinados,
chirridos de sirenas arañándome entero
y gritos de “estás loco, volar es para pájaros”,
pero extiendo mis alas, miro hacia el cielo y salto,
miro hacia el cielo y salto, miro hacia el cielo y salto,
miro hacia el cielo y salto,
miro hacia el suelo y caigo.

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Paul Kelly and the Messengers – Comedy

Publicado el Jueves 6 abril 2017

Paul Kelly and the Messengers
Comedy
Mushroon Records 1991

Conocí a Paul Kelly por dos canciones del disco “Under the sun” (1987) que se incluían en una cinta que acompañaba al fanzine ‘La línea del arco’ (editada por Luis Calvo allá por 1990, en lo que serían los inicios de Elefant records). El primer disco suyo que logré encontrar en una tienda por aquellas fechas fue este “Comedy”, desde el principio me pareció un gran disco, y todavía hoy, a pesar del tiempo que ha pasado, sigue sonándome fresco y gustando igual que el primer día.
Aunque en su país está considerado como uno de los más importantes compositores y cantantes, en España es difícil encontrar datos sobre su trayectoria. Echando mano, sobre todo, de su página oficial he podido obtener la siguiente información: Paul Kelly nació en Adelaida (Australia) en 1955. El primer grupo con el que grabó a finales de los ’70, influenciado por la oleada punk, se llamaba Paul Kelly and the Dots, pronto tuvieron éxito local como banda de guitarras aceleradas, grabando dos álbumes ‘Talk’ y ‘Manila’. Se separaron en 1982; dos años más tarde se mudó a Sydney, donde con un grupo de amigos como el guitarrista Steve Connolly y el bajista Ian Rilen, grabaron ‘Post’, disco que representó un gran cambio y avance en Kelly como compositor y cantante de melodías de tono agridulce, con claras referencias a temáticas australianas en sus letras. Fue considerado el mejor disco de 1985 por la revista Rolling Stone de Australia. Formó una banda completa, integrada por Steve Conolly, el batería Michael Barclay, el bajista Jon Schofield y el teclista Peter Bull. Bajo el nombre de Paul Kelly and the Coloured Girls entraron en el estudio con el productor Alan Thorne en marzo de 1986, lanzando un mes más tarde el notable doble álbum ‘Gossip’, una colección de 24 canciones que cimentaron la reputación de Kelly como un compositor a la altura de los mejores. Editado como álbum único con 15 canciones por A&M Records en 1987, ‘Gossip’ fue el disco que lo introdujo en el mercado americano (aunque en este país se editó bajo el nombre de Paul Kelly and de Messengers). Obtuvo buenas críticas, mientras en Australia no paraba de dar conciertos. Ese mismo año volvió a entrar en el estudio con el mismo productor (Alan Thorne) para grabar ‘Under The Sun’. Cambiaron el nombre a Paul Kelly and the Messengers y tuvieron su primera gira por Norteamérica. En 1989 graban el álbum ‘So Much Water, So Close To Home’, producido por el americano Scott Litt. Antes de disolver la banda graban en 1991, de nuevo bajo la producción de Alan Thorne en colaboración con Paul Kelly, el disco ‘Comedy’; dieciocho canciones, todas compuestas por él excepto tres: “Leavin Her For The Last Time” una triste y preciosa canción con acústica y armónica compuesta por Steve Connolly; una buena versión del maravilloso tema de John Cale “Buffalo Ballet”; y una canción co-escrita con el compositor aborigen Kev Carmody, ‘From Little Things Big Things Grow’, de estilo dylaniano, dedicada a Vincent Lingiarri y los ocho años de lucha por la tierra de la gente Gurindji al norte del pais. Las canciones propias oscilan entre baladas (unas con arreglos de cuerdas, otras más folk: “Wintercoat”, “Take Your Time”, “You Can Put Your Shoes Under My Bed”, “Invisible Me”), enérgico power-pop (unas más acústicas otras más eléctricas: “Don’t Start Me Talking”, “Stories Of Me”, “It’s All Downhill From Here”, “Your Little Sister” “Blue Stranger”) y discreto rockabilly-folk (“Sydney From A 727”, ”I Can’t Believe We Were Married”, “Little Boy Don’t Lose Your Balls”), con perfectas armonías vocales y un sonido dominante de guitarras acústicas que nadan entre piano, teclados, algún instrumento de viento australiano y punteos eléctricos, para contar curiosas historias que logran conquistar los más duros corazones.
Como curiosidad, escondida y tras finalizar la última canción hay una breve y simple improvisación titulada “David Gower” (antiguo capitán de la Selección inglesa de Cricket), cantada con la melodía del Guantanamera.
Una gira australiana en 1991 marcó las apariciones finales de Paul Kelly and The Messengers, cuyo canto de cisne fue ‘Hidden Things’, una compilación de 18 rarezas y caras-B grabadas en los seis años anteriores.
Siguió componiendo para series de televisión y películas de cine (participando incluso como actor), produciendo y componiendo para otros artistas, se publicó en libro una selección de sus canciones, y por supuesto siguió (y sigue) editando buenos discos en solitario o en compañía de otros músicos, abordando diferentes estilos, desde el pop-soul de ‘Wanted Man’, hasta el tono intimista de ‘Deeper Water’ (en el que explora las más maduras cuestiones de paternidad y mortalidad -Kelly dedicó este álbum a su viejo amigo Steve Connoly, muerto tras complicaciones inesperadas después de una operación-), acercándose en la actualidad al surf o al homenaje a ‘Suicide’ que se pueden escuchar en el último proyecto del que forma parte, ‘Stardust Five’, y que me parecen una maravilla (‘Zoe’ me tiene encandilado).

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The Millennium – Begin

Publicado el Domingo 19 marzo 2017

The Millennium
Begin
Columbia 1968

Este disco es un premio para amantes de la búsqueda. Es uno de esos cofres escondidos que compensa con creces todos los sinsabores de la aventura y te animan a seguir, convencido de volver a encontrar más tesoros ocultos. En fin, que la escucha de esta gran obra me ha impactado. La considero indispensable, pero aviso: para amantes del pop, más concretamente del ‘sunshine-pop’, del verano del amor, ese pop de finales de los ’60 con profusión de arreglos instrumentales y vocales, experimentación controlada y un prudente chorro de psicodelia. Capaces de alegrarte el día con melodías perfectas, tienen ritmo y energía, pero también dulzura y delicadeza.
The Millennium fue el proyecto más personal y brillante de Curt Boettcher tras haber participado en formaciones como The Goldebriars (grupo folk con el que empezó su carrera en 1964, cantando, componiendo y tocando la guitarra), The Ballroom o Saggitarius (con los que grabó excelentes discos de ‘soft pop’, claros precursores de este ‘Begin’; en estos grupos comenzó y consolidó su relación artística con Gary Usher y Brian Wilson); además de aportar sus avanzados planteamientos en la producción, o bien componiendo, tocando y/o cantando en discos de Summer’s Children, Tommy Roe, The Association, Warren Zevon, Gene Clark, The Hondells o The Byrds. En la década de los 70 aparte de su importante labor como productor y sacar un álbum en solitario, colaboraría con su andrógina voz en multitud de discos, de Beach Boys o Elton John, hasta Eric Carmen, Dennis Wilson e incluso en la banda sonora ‘Grease’.
Tras sus excelentes producciones y el gran trabajo realizado en el disco ‘Present Tense’ de Saggitarius junto a Gary Usher, Columbia le ofreció un estudio propio en el que poder grabar sin limitaciones; llamó a músicos conocidos (Sandy Salisbury, Joey Stec, Lee Mallory, Michael Fennelly, contando también con la colaboración de Gary Usher), y a destacados músicos de sesión de Los Angeles. En términos puramente materiales grabaron el disco más caro de Columbia hasta ese momento y el primero en utilizar 16 pistas. A pesar de los excelentes resultados el trabajo sin embargo no tendría el éxito esperado, achacándolo a la renuencia de Boettcher a ir de gira y a la dificultad para trasladar el complejo sonido del álbum al directo.
Abre el disco un breve y recargado preludio con gotas de música minimal (avanzados que andaban ya), exuberantes percusiones y batería con múltiples influencias, música sinfónica, banda sonora… que da paso, con curiosos efectos (entre ladridos y gemidos mutantes), al primer tema claramente pop, “To Claudia On Thursday” (composición de Joey Stec, dedicada a la mujer de Boettcher), capaz de levantar el ánimo al más deprimido con sus maravillosos coros. “I Just Want to Be Your Friend” se mueve entre la bossa-nova, el pop y el rock de guitarras con toda naturalidad. “5 A.M.” es una canción que tiene la capacidad de llegar a convertir esa hora tan intempestiva en algo milagrosamente precioso y hasta de animarte a dar un baño o un paseo por la playa (sorprendentemente sería un gran éxito en Filipinas). “I’m With You” es pura inocencia y psicodelia pop :“No quiero ser millonario/no quiero volar sobre alas de plata y oro/No quiero subir a la montaña más alta del mundo/para encontrar lo que busco/ Porque está aquí cuando estoy contigo” (de acuerdo que las letras de la época no eran de lo más original, pero lograban que sonaran con encanto, que ya es mucho). “The Island” es perfecta para perdernos en ensoñaciones egocéntricas mecidos por atmósferas y pájaros ficticios. “Sing To Me” podría ser uno de tantos éxitos de la época, comienza con un riff de guitarra mil veces escuchado, posee bonitos acompañamientos de vibráfono y clásicos arreglos soul-pop de viento. “It’s You”, el único tema que llegó a tener éxito, tiene un bajo que te engulle y unos coros que embelesan, con puntuales efectos que te impiden dejar de prestar atención mientras te cuentan “algo está cubriendo mis ojos: eres tú”. (escuchando esta parte, especialmente, me vienen a la cabeza los Stone Roses, ¿por qué será?). Y así siguen, con la misma belleza y elegancia, seduciéndonos sin descanso, entre filosofía “hippie” inicial, efectos psicodélicos y brillantes arreglos y melodías, “Some Sunny Day” (“todo lo que tenemos que hacer es cerrar nuestros ojos y ver que somos libres”), “It Won’t Always Be The Same” (“Un cambio pronto vendrá ¿puedes verlo tú’?”), “The Know It All”, más potente y con unos arreglos de trompeta claramente hispanos (que tan bien estaban integrando ya Love ) , “Karmic Dream Sequence #1”, la más larga y lisérgica. La última gran canción es “There Is Nothing More To Say” con aires entre dulces y épicos, hablándonos una vez más de estar preparados para los nuevos tiempos y del camino…, podría haber sido también nº1 en cualquier lista del momento. Cierra el disco “Anthem (Begin)”, jugando con cintas reproducidas al reves y ruidos varios envolviendo una breve melodía-himno coral. En la primera edición en CD de 1990 se incluyó también un single grabado después del LP, con las canciones “Just about The Same” con bajo funky, cargada de ‘lalalas’, palmas y capacidad irrefrenable para hacerte saltar, y “Blight”, más cercana al folk con mezcla de espirituales, doo wop, swing…
En definitiva, un gran disco, que con el tiempo va ganando en reconocimiento. Todo un trabajo de producción, mestizaje, innovación, talento, grandes músicos y, sobre todo, grandes canciones.

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-The Millennium – Begin

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Leonard Cohen

Publicado el Viernes 17 marzo 2017

De antepasados judios polacos emigrados a Canadá, nace un 21 de septiembre de 1934 en los alrededores de Montreal (Westmount), rodeado de contradicciones, judío en una población mayoritariamente cristiana, de habla inglesa en una comunidad mayoritariamente francófona, se dedicará toda su vida a la búsqueda del equilibrio.

Educado en una escuela judía, queda huerfano de padre muy joven, a los 9 años. A los 15 forma parte de un trío de country “The Bucksin Boys”. A los 16 ingresa en la universidad McGill donde estudia Literatura Inglesa. En 1956 publica el primer libro de poemas ‘Comparemos Mitologías’. En 1957 graba para el sello Folkways unos poemas dentro de un disco dedicado a seis poetas canadienses (‘Six Montreal Poets’).En 1961 se publica su segundo libro de poesía ‘La caja de especias de la tierra’. Gracias a la buena acogida de sus obras consigue una beca y decide viajar por Europa, recalando en Grecia, en la isla de Hydra, donde conoce a la musa de una de sus más conocidas canciones ´So long, Marianne’, con la que tiene un hijo (Alex) y convive ocho años (volviendo de vez en cuando a América para conseguir dinero, a Cuba durante el conflicto de Bahía de Cochinos…)
En este periodo escribió los dos siguientes libros de poemas ‘Flores para Hitler’ y ‘Parásitos del Paraíso’, y sus dos primeras novelas: ‘El Juego Favorito’ y ‘Los Hermosos Vencidos’ considerada por muchos como su mejor obra.
Si bien su intención era dedicarse a la literatura, a finales de los 60 comienza a ser reconocido internacionalmente como cantante (Judy Collins había dado a conocer su canción ‘Suzanne’, es invitado a participar en 1966 en el Newport Folk Festival, donde lo contrata el cazatalentos de la CBS John Hammond para grabar sus propias canciones…) , lo que le anima a seguir en la música, pues le proporciona mayores beneficios pecuniarios (“Tenía un verdadero problema económico, y como siempre había tocado la guitarra y había formado parte de grupos country, decidí intentarlo con la música”).

Su primer disco ‘The Songs Of Leonard Cohen‘ (1967) es sin duda un gran comienzo y ya se perciben claramente muchas de las constantes en su futura trayectoria. El amor y el adios, la santidad y el pecado, la vida y el suicidio, maestros y aprendices, la soledad en medio de los demás o la libertad entre rejas emocionales. En la música se aprecia ya la debilidad que tiene por los ritmos 3/4 y por la aparente sencillez en la instrumentación, nada debe destacar más de lo que le corresponda, conseguir la mayor efectividad con la mayor sencillez posible.
Empieza el disco con el clásico ‘Suzanne’: la música nos invita a dejarnos llevar por la corriente del río, los cantos corales de las sirenas buscan atraernos y conquistarnos, y el mensaje nos informa que nadie ha logrado resistirse a su atracción ( ni siquiera el propio Jesús -la religión siempre rondando sus letras-). Una invitación a no luchar contra el deseo.
Destacan también ‘Winter Lady’, ‘Sisters of Mercy’, ‘So long,Marianne’ todavía sigue siendo una de sus canciones más versioneadas, ‘Hey, that´s not way to say goodbye’ con unos coros pop simples pero encantadores, o ‘One of us cannot be wrong’ con un final que anuncia la primera canción del próximo disco pues recuerda a un borracho en un coro de medianoche.
En 1969 graba su segundo disco en Nashville, ‘Songs from a room‘, con ‘Bird on the wire’ como mayor éxito; Kris Kristofferson dijo de ella que le gustaría que en su lápida escribieran las primeras estrofas, y Joe Cocker hizo una versión que catapultó la canción y a su autor hacia otros paises. Tiene éxito también un hermoso tema que por primera vez no está compuesto por L.Cohen, ‘The Partisan’, con el que se adentra descaradamente en la temática política (“desarrollé la curiosa teoría de que la música acabó con los nazis”); está cantada la primera parte en inglés y la segunda en francés aumentando su fuerza expresiva con el acompañamiento del coro femenino y un sonido de acordeón que nos sitúa entre las tumbas del campo de batalla. Le sigue una de sus más tristes canciónes, ‘Seems so long ago, Nancy’, basada en el suicidio de una amiga. ‘The Butcher’ surgió tras una negra noche en su depresión. Y el resto del disco mantiene la calidad , intimidad y el nivel que de él se esperaba, aunque más crudo y con menos adornos instrumentales que el primero.
Empieza la década de los 70, deja de visitar regularmente Hydra, realiza su primera gira por Europa con la banda del segundo disco “The Army” (el ejército). En 1971 graba también en Nashville y con la misma banda ‘Songs of love and hate‘. En este disco se desnuda hasta límites insospechados. No hay pensamiento , interioridad o problema que se deje guardado. Contiene ‘Avalanche’; ‘Last year ‘s man’ con gran contenido religioso controvertido y un coro de niños al final que logra dulcificarla. ‘Dress rehearsal rag’, canción que se niega a cantar en directo (“A no ser que me encuentre extremadamente feliz. Puede acabar con la vida de cualquiera”). Alegra el disco con ritmo country ‘No diamonds in the mine’. ‘La melancólica ‘Famous blue raincoat’; la desgarradora ‘Sing another song boys’ grabada en directo unos años antes, o ‘Joan of Arc’ buscando el verdadero amor.

En esta época comienza a practicar los ritos del zen (“Siempre he sido muy dado a cosas por el estilo, desconectarme de todo, hacer ayunos sin razón aparente durante una semana… debe ser la parte religiosa que hay dentro de mi, esa parte que parece querer levantar el vuelo y despegarse de la tierra”).
En 1972 publica el libro de poemas ‘The energy of slaves’ (“un cáustico examen de la política y las guerras que había por todo el mundo”). También este año comienza una segunda gira por Europa con su banda de la que saldrán una película ‘Bird on the wire’ (Terry Palmer) y su disco ‘Live songs‘ (1973), coincidiendo con rumores de que abandona la carrera discográfica, problemas con las drogas, ruptura con su pareja (“Sentía que todo estaba contra mí, incluso los instrumentos y micrófonos se estropeaban. Me sentía cansado de todo”). El disco contiene buenas versiones en directo, los coros destacados de Donna Washburn y Jennifer Warren, y como temas no editados anteriormente el que comienza el disco ‘Minute prologue’ a solas con su guitarra española; ‘Passing through’ sobre el paso fugaz por la vida personificado en la figura de Jesucristo, a ritmo de country; el largo ‘Please don’t pass me bay’, en la que parece un predicador que va subiendo en intensidad hasta que acaba con la voz rota acompañado por las palmas del público; aparece también ‘Tonight will be fine’ grabada en su actuación en la Isla de Wight en 1970 a la que añade dos nuevas estrofas; y la última ‘Queen Victoria’ grabada en su casa en un estudio móvil.
En 1974 saca ‘New skin for the old ceremony‘, con cambios en su música gracias a la influencia del productor y arreglista John Lissauer y del violinista Lewis Furey, que aportan nuevas e interesantes ideas tanto a la hora de componer como de grabar. Contiene el famoso tema ‘Chelsea Hotel #2’ dedicado a Janis Joplin, ‘Lover lover, lover’ compuesta con la intención de hermanar arabes y judíos, o el también clásico y basado en una tradición religiosa ‘Who by fire’.

Death of a ladies’ man‘ (1977): Un disco que en principio produce rechazos y saca a la luz una desastrosa relación entre dos personas que eran el agua y el aceite; Phil Spector con su muro de sonido consigue hacer olvidar por completo ese halo de intimidad que siempre arrastraban las grabaciones de L. Cohen.
Sin embargo con el tiempo acaba siendo reconocido como un disco diferente en su carrera pero con sus méritos, como pueden ser el atreverse a cambiar y no quedar anclado en un sonido, el no ceder ni un ápice en la sinceridad y crudeza de sus letras, o porque no, las melodías y estribillos que quizás en otras voces podrían haber sido mayor éxito.
Otra gran contradicción, que sea precisamente un productor de gran éxito en canciones para teen-agers quien mezcle este disco que se basa mayormente en el reconocimiento de la decadencia y declive que la edad causa en el amor y la sexualidad.
Como curiosidad cuenta con la participación de Bob Dylan y Allen Ginsberg en los coros de ‘Don’t go home with your hard-on’.
Recent songs‘ (1979) representa la vuelta a la tranquilidad, con incursión en nuevos sonidos gracias al violín armenio de Raffi Hakopian, el laud eslavo de John Bilekizjian y al grupo tejano de fussion Passenger ampliando los horizontes del country. El ritmo de vals destaca todavía más que en otros discos, comenzando con la preciosa ‘The guests’ y los magistrales coros de Jennifer Warnes; una versión de ‘Un canadien errant’ a ritmo de mariachi; otro precioso vals ‘The traitor’; el lado gitano por el que L.Cohen siente debilidad desde que de joven leyera a Federico García Lorca queda reflejado en ‘The gypsy’s wife’, acompañándole con gran protagonismo un violin al mismo tiempo bello, triste y estremecedor.
Tras la grabación inicia una gira por Europa y Australia con los músicos del disco (“por primera vez me sentía seguro en el escenario… incluso me arriesgué a interpretar un tema de los Bee Gees”). Tiene problemas con la compañia de discos cuando quieren sacar otro recopilatorio de la gira, él se niega por no considerarlo necesario.
De lo que si queda satisfecho es de una película para TV de media hora, ideada y escrita por él y Barrie Wexler, ‘I am a hotel’, con cinco historias de amor basadas en cinco canciones suyas y él aparece como la figura unificadora de todas. Con ella gana en 1984 el primer premio del Festival Internacional de Televisión de Montreaux-Suiza.
Publica un nuevo libro ‘Book of Mercy’ (una colección de salmos), y tras cinco añós de silencio discográfico ve la luz ‘Various positions‘ (1984) con otro pequeño cambio en el sonido, la introducción moderada de teclados caseros a los que se había aficionado y cajas de ritmo. Por primera vez se hace un video-clip para promocinar el disco, la canción elegida es ‘Dance me to the end of love’ y lo realiza Dominique Isserman, quien se convertiría en su compañera sentimental. Jennifer Warnes en los coros suena cada vez mejor. De nuevo mezcla religión y sexualidad consiguiendo otra gran canción ‘Hallelujah’. Y para demostrar en tiempos de pérdida de valores que el plano humano-religioso lo considera fundamental termina con una bella oración muy personal ‘If it be your will’.

Al mismo tiempo que grababa este disco colaboraba con Lewis Furey (músico que participó en el álbum ‘New skin for the old ceremony’), escribiendo las letras de una ópera-pop cuya música había compuesto Furay: Night Magic. Uno de los temas saldría también en ‘Various positions’, la nana ‘Hunter’s lullaby’. La película se estrenó en 1985 y pasó desapercibida, aunque llevó un premio en Canadá: el Premio Juno a la mejor banda sonora.
Leonard Cohen pasa por un buen momento de su vida, disminuyen las tensiones y aumenta el reconocimiemto de su obra. Llega a aparecer en un capítulo de ‘Corrupción en Miami’, recibe un Globo de Cristal por vender más de cinco millones de discos fuera de E.E.U.U., pero su madurez le sirve para seguir con los pies en la tierra y ser más crítico y transparente que nunca (“creo que la poesía es necesaria para el corazón de la persona, pero no creo que con ella o con la canción como arma se pueda cambiar el mundo… El mundo sólo cambia desde dentro de cada uno”).
Participa en una recopilación española dedicada al cincuenta aniversario de la muerte de Federico García Lorca (su admiración por este poeta le llevo a poner el nombre de Lorca a una hija suya), con la canción ‘Take this waltz’, basada en ‘Pequeño vals vienés’, y que acabó siendo la canción más famosa del disco.

Jennifer Warnes saca un disco ‘Famous blue raincoat’ con canciones ya conocidas de L. Cohen y una que es primicia y que este grabará también en su siguiente obra: ‘First we take Manhattan’.
Su estado personal se refleja como siempre en el próximo disco ‘I’m your man‘ (1988) (“el título del álbum no va dedicado a nadie en concreto. Yo soy de quien me acepte”). Esta obra va a representar un gran paso en su carrera y gracias a ella va a ser reconocido y aceptado por las nuevas generaciones . Desaparecen casi por completo las guitarras para dar paso a los teclados, con los que había compuesto sus últimas canciones. La voz y coros adquieren nuevos matices en esta música más maquinal. Es un disco con canciones que acaban siendo éxito la mayoría de ellas: ‘First we take Manhattan’, ‘Ain’t no cure for love’, ‘Everybody Knows’, I’m your man’, ”Take this waltz’, ‘I can’t forget’, ‘Tower of song’.
Dos años más tarde sale un disco homenaje ‘I’m your fan’, con nombres como Pixies, Ian mcCulloch, REM, Nick Cave, John Cale… rindiendo tributo al maestro con versiones, la mayoría de ellas, acertadas.
El próximo disco ‘The future‘ (1992) (“A mi parsimonia habitual se añadieron otras circunstancias, algunas de ellas dramáticas, como el accidente de mi hijo Adam…”) llama la atención por la gran cantidad de gente que aparece en los créditos. El sonido es una mezcla de todos los anteriores, vuelven a aparecer cuerdas, guitarras y vientos, aparte de los teclados.
Tiene menos repercusión, pero también aporta buenas canciones. La que da título al disco; ‘Waiting for the miracle’ compuesta en colaboración con Sharon Robinson; una buena versión del tema soul ‘Be For Real’ de Frederick Knight; el éxito ‘Closing Time’; ‘Anthem’, producida por la famosa actriz Rebeca de Mornay (“Es una buena compositora y su oído es excelente… decidí contar con su opinión para rematar detalles del disco, en cuanto a los arreglos y las melodías”); Democracy (“creo que la democracia es la religión del mundo occidental”).
En 1994 sale una nueva grabación ‘Cohen live in concert‘ con 13 canciones en directo, todas editadas anteriormente en sus discos, procedentes de dos diferentes giras, 1988 y 1993, y con el aliciente de las variaciones con que el autor las interpreta en sus conciertos. Como curiosidad la canción ‘One of us cannot be wrong’ fue grabada el 20 mayo 1988 en su actuación en el Velódromo Anoeta de San Sebastián.

Antes de editarse el disco en directo ya había decidido retirarse a un monasterio ‘zen’ en Los Angeles (California) donde es ordenado monje “Dharma de Jikan” (el silencioso). Aquí sigue una vida austera de orden y disciplina, trabajando en el mantenimiento del monasterio, como cocinero, secretario y chofer en las giras del maestro Roshi. Pero sigue escribiendo poesia y componiendo con el ordenador y teclado en su habitación. El monasterio Mount Baldy tiene su propia página web, donde los monjes hablan de sus vidas y experiencias, venden un CD con grabaciones en el monasterio ‘Daily Sutras’ y, como no, Jikan expone algún poema escrito durante su estancia.
Mientras tanto la compañía de discos quiere rentabilizar su espera y saca un recopilatorio de sus tres últimos discos ‘More best of‘ (1997), con dos temas nuevos ‘Never any good’ y ‘The great event’ que saben a poco a sus fans. Y un directo de su gira en 1979 ‘Field Commander Cohen: Tour of 1979‘ (2001), (en memoria de John Wood, técnico de ‘Passenger’, la banda que le acompañó en esta gira). Ningún tema nuevo. Buenas versiones de una buena época.
Tras seis años de reclusión decide regresar al mundanal ruido y vuelve con un disco ‘Ten new songs‘ (2001), diez canciones nuevas (nueve años habían pasado desde su último disco en estudio). Todas ellas compuestas en colaboración con Sharon Robinson, quien se encarga de los arreglos y la mayor parte de la instrumentación. Vuelve a la sencillez en la instrumentación, colchones de teclado y sencillas percusiones, pero en general todo muy previsible. Es un disco menos personal, cede protagonismo a los acompañantes, de él nos queda su voz cada vez más profunda y al mismo tiempo más débil, pasa a ser más poeta y menos músico. Las letras son más simples y al mismo tiempo más universales, más humanas. ‘In my secret life’, ‘Here it is’, ‘Love Itself’, ‘The land of plenty’ y la mayoría de ellas son canciones bellas y agradables de escuchar pero sin riesgo. En su vida asegura sentirse por fin a gusto consigo mismo, y lo que nos ofrece es precisamente eso, tranquilidad y sosiego. Sinceridad es lo que lo sigue caracterizando.
Similares características pueden aplicarse a su siguiente disco de estudio ‘Dear Heather‘ (2004). En este destaca la aportación de una antigua colaboradora, Anjani Thomas, una voz femenina que encaja a las mil maravillas con la de L.cohen y ayuda asimismo en alguna composición. Hay mayor variedad de estilos e instrumentación y hace que el disco artísticamente sea más rico y se sitúe por encima del anterior. Empieza con un tema escrito por Lord Byron ‘Go no more a-roving’; ‘The letters’ la utilizará Win Wenders en su película ‘Land of Plenty’; opina a su manera sobre el 11 septiembre en ‘On that day’; sorprende en ‘Dear Heather’ por la curiosa instrumentación y modo de cantarla deletreando a ratos; en ‘Nightingale’ vuelve al country-folk en una bella canción dedicada a un íntimo compañero de Anjani Thomas muerto ese año; y finaliza con una versión en directo de un clásico del country-western, ‘Tennesee waltz’, de la gira de 1985, al que le había añadido algunos versos.
Leonard Cohen va envejeciendo con gran dignidad, ha dejado de ser alumno y se ha convertido en maestro, para decirnos que no hay maestros ni alumnos, sólo vida, y todos formamos parte de ella hasta que la muerte llegue.

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