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Beastie Boys – Licensed To Ill

Publicado el lunes 11 diciembre 2017

Beastie Boys
Licensed to Ill
Def Jam, 1986

Principios de los ochenta, tres jóvenes que parecen sacados de “La Venganza de los Nerds”, blancos, judios, de clase acomodada, y de Manhatan forman parte de un grupo punk underground que ya ha afilado los colmillos en los principales locales de la movida de Nueva York. Un día comienzan a hacer burla del floreciente movimiento rap que llevaba más de una década gestándose en la costa este americana y descubren que ellos lo hacen tan bien o mejor que muchos de los componentes de este movimiento y que la respuesta del público supera a la que obtienen tocando temas punk.
Como en realidad tanto el punk como el movimiento hip-hop nacen de la falta de medios y la necesidad de buscarse la vida el paso dado por los BB no fue nada traumático. La única falta que tenían era la de su discoteca, en vez discos de James Brown, Cool and the Gang o Earth, Wind And Fire ellos tenían albums de Led Zeppelin, The Clash, Black Sabbath y AC/DC, de forma que las bases de sus rimas y el esquema de sus canciones eran diferentes de las que usaba cualquier otro grupo.
Rick Rubin les firmó para su discográfica, Def Jam, y compuso y produjo con ellos uno de los albums más influyentes de los 80’s, “Licensed to Ill”. No esta claro si esta joyita puede considerarse un simple disco de hip-hop o de rock, pero ciertamente fue la primera piedra de lo que acabo degenerando en la mezcla rap/rock tan en boga hoy en día.
“Rhymin & Stealin” abre el disco como solo abren los grandes, marcando diferencias. Si la moda y el estilo de rap de aquellos años exigían velocidad y rimas aceleradas lo que se encuentra el oyente es un tema exageradamente ralentizado con una base rítmica muy simple, sobre la que los BB riman de la más difícil de las maneras, despacio. El disco sigue con temas mucho más cercanos a los estándares rap del old school, demostrando la versatilidad de los tres componentes a la par que su descaro. Pero son las cuatro canciones del ecuador del disco las que convierten a esta obra en un clásico. “Girls” “Fight for Your Right”, “No Sleep ‘till Brookyn” y “Paul Revere” fueron verdaderos bombazos en la confundida cultura de su década. Los dos primeros, con su pegadizo estribillo, se convirtieron en himnos populares de la juventud y de la rebeldía ante la sosería impuesta por la era Reagan. Si ya Hollywood marcaba la pauta con películas como “Footloose”, “Flash Dance” y “Girls Just Want to Have Fun”, el vídeo musical de “Fight for Your Right” se coló en los hogares de todo el mundo inundando las pantallas de calcetines blancos y de chicas frescales.
“No Sleep ‘till Brookyn”, con sus afiladas guitarras puede considerarse como el germen del rap-metal y “Paul Revere” devuelve a los BB a su versión más gamberra y rapera.
No es justo dar todo el crédito a los BB, Rick Rubin se debería al menos la mitad, pero la cara, las rimas y el gamberreo lo ponían el grupo. MTV hizo el resto.

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When We Were Kings

Publicado el viernes 6 octubre 2017

When We Were Kings (1996)

Director: Leon Gast
Interpretes: Muhammad Ali, George Foreman, James Brown, BB King

En 1974 nadie le tosía a George Foreman. Despues de haber destrozado a Joe Frazier en 1973 (le tiro 6 veces a la lona y le knockeo en el segundo asalto) la corona de los pesados estaba firmemente plantada en su cabeza. ¿Quien se iba a atrever a enfrentarse a la mayor fuerza de la naturaleza que ha conocido el boxeo?.
En una de sus alocadas ideas a Don King se le ocurrio organizar una pelea entre el más grande, Muhammad Ali, por entonces en horas bajas y la máquina demoledora que era Foreman. Por diversos motivos la pelea se celebro en Zaire, bajo el auspicio del dictador Joseph-Désiré Mobutu, Mobutu Sese Seko, que buscaba proyección internacional para su país. Mobutu construyó un estadio y permitio de todo para que esta pelea saliera adelante.
Leon Gast filmó, no solo la pelea sino todos los preparativos y situaciones alrededor de esta. la película, “When We Were Kings”, tardo 22 años en poder exhibirse por diversos problemas legales pero en 1996 se pudo por fin ver en las pantallas siendo un gran éxito.
Lo mejor sin duda son los protagonistas, verdaderos actores, cada uno metido en su mundo y representando perfectamente su papel. Don King es un “entrepreneur” apasionado por la literatura inglesa que puede recitar de corrido a Hamlet pero que a su vez busca ser más grande que Ali y Malcom juntos. Foreman es el campeón del mundo, sobrio, insultante, callado y arrogante en su distancia. Por supuesto el mejor es Ali, quien no se vea arrastrado por la increible personalidad de este grande esta hecho de piedra. Ali arrasó en el Zaire y se convirtio en un dios ante los ojos de los africanos. Muhammad perdio todo merced a su afan diletante, entregarse tanto a una pasión no es bueno. La película se mantiene objetiva, dentro de la realidad y hace un uso extenso de entrevistas a testigos del evento.
“When We Were Kings” es apasionante, da lo mismo lo que a uno le guste u odie el boxeo, toda lo que significó esta pelea en el campo político, cultural, social y deportivo es presentado por el director para que sea el espectador quien saque sus conclusiones. Genial.

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Toro Salvaje

Publicado el jueves 17 agosto 2017

Toro Salvaje
Raging Bull (1980)

Director: Martin Scorsesse
Interpretes: Robert DeNiro, Cathy Moriarty, Joe Pescy

Jake LaMotta puede ser uno de los mayores cabrones a los que el cine ha convertido en protagonista de una película. LaMotta fue uno de los mejores boxeadores de la decada de los 40 y 50, baste decir que fue el primero en tumbar al gran “Sugar” Ray Robinson. Pero en lo personal Jake LaMotta era un ser agresivo, misógino y egoista que obtenía lo que deseaba a base de fuerza bruta e intimidación.
LaMotta escribio su autobiografía, de la cual se enamoró Robert De Niro y que presentó a Martin Scorsese como un proyecto a desarrollar para una película. Scorsese estaba pasando por un momento personal bastante dificil que sumado a lo esceptico que se mostró United Artists acerca del proyecto hizo que este se retrasara varios años. Solo cuando United Artists quiso hacer la secuela de la exitosa Rocky pudo Scorsese ejercer presión para que tambien se produjera “Raging Bull”. Resulta que el tandem de productores de “Rocky”, Robert Chartoff e Irwin Winkler estaban encantados con la idea de una película de boxeo dirigida por el maestro Scorsese, de forma que se negaron a producir “Rocky II” hasta que el estudio aceptara hacer “Raging Bull”, United Artist dobló la rodilla y acepto las posibles pérdidas que el film pudiera tener. Scorsese consiguio, como favor personal, que el guionista de Taxi Driver, Paul Schrader, se encargara de dar forma de guión a la biografía del boxeador.
De Niro se dedicó entonces a prepararse para el papel, Jack LaMotta fue contratado para preparar fisicamente al actor y lo convirtio en una verdadera máquina de boxear. Esta preparación boxística le sirvio a De Niro para copiar los gestos y actitudes del verdadero LaMotta, convirtiendose en un verdadero calco de este.
Por su parte Scorsese y su equipo se dedicaban a planificar cuidadosamente cada plano. El director se empapó del ambiente de este deporte y decidio que la única forma de realizar esta obra sería rodarla en blanco y negro. El estudio se sobresalto ante la posibilidad de tener que defender ante el público y la crítica una obra que no fuera en color y en la cual no creía desde el principio. La fotografía resultante es una de las más bellas de la historia del cine y ayuda enormemente a centrarse aun más en la magnífica interpretación de los actores. Hay que observar cuidadosamente los cambios de ambiente durante las escenas de boxeo, en estas Scorsese creó una verdadera coreografía, imitando exactamente los golpes dados en las peleas reales.
La actuación de De Niro es inmensa, el retrato que hace de LaMotta, convirtiendolo en un ser inseguro, violento y totalmente creible merecio un Oscar. De Niro tiene verdaderos duelos interpretativos con sus partenaires, haciendo grandes a estos, Joe Pesci y Cathy Moriarty, ambos nominados ese año (1980) por sus papeles al Oscar por actor y actriz secundarios. Pesci te mantiene dudando sobre su bondad o maldad durante toda la película y Moriarty consigue mantenerse arrebatadora y creible en un papel que requiere dosis de femme fatale y de esposa maltratada al mismo tiempo.
El resultado final es que sea considerada como la mejor película de los años 80 y una de las mejores de todos los tiempos, con una producción sólida, un montaje soberbio (Oscar a la edición) y un trabajo actoral simplemente sorprendente.

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The Roots – The Tipping Point

Publicado el sábado 17 junio 2017

The Roots
The Tipping Point
Geffen 2004

Jo, jo, jo, como me gusta este disco. Despues de un corto periodo de negación y rechazo por fin veo claro la intención de The Roots al grabar este discazo; dar una vuelta por estilos musicales asociados con el hip hop pero que “oficialmente” no son parte de este. “The Tipping Point” es un ejercicio de eclecticismo y autocontrol bastante opuesto a su entrega anterior, “Phrenology”, que pecaba de cierto descontrol tanto en la ejecución como en la dirección musical. The Roots escapan del neo-soul reinante en “Phrenology” entregandose a una visión menos comercial y más entretenida.
El álbum tiene un comienzo funky sobre el que Black Thought hace de verdadero maestro de ceremonias presentando al disco y a la banda y demostrando su flow. En “I don’t Care” la cosa se pone aun más funky si cabe con Black Thought rimando de nuevo. El tercer corte y primer single, “Don’t Say Nuthin'”, parece ser la primera incursión del grupo en bases programadas, muy moderno y efectista. En “Guns Are Drawn” el grupo entra en el terreno del reagge que combina perfectamente con el ligero toque del medio oriente reinante en “Stay Cool”, la siguiente pista, muy relajada y “laid back”.
“Web” y “Boom” son una vuelta al estilo old school de sus primeras grabaciones. El flow de BT tiene una velocidad y ligereza increibles que si no fuera por haberlo podido escuchar en directo diría que son imposibles. “Somebody’s Gotta Do It” vuelve a frenar el tempo del disco que se acelera de nuevo con “Duck Down”, un verdadero guiño al gansta rap. El final del disco repara sorpresas, sobre todo para el público europeo.
A destacar el duo en el que se han convertido The Roots, Questlove y Black Thought, sobre los que se articulan todos los temas y que llevan el peso compositivo e interpretativo del disco. El grupo demuestra su control total sobre todos los estilos y prima un intento de mantener la sencillez en la ejecución de las canciones, las primeras escuchas hacen que incluso parezca simple. No es un disco facil de digerir, y no llega a la genialidad demostrada en “Things Fall Apart”, sin duda su mejor trabajo, pero The Roots demuestran su intención de progresar y evolucionar musicalmente.

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Probot

Publicado el lunes 10 abril 2017

Probot
Probot
Southern Lord 2004

¿Cuantos años llevo esperando este bendito album?. Ni yo mismo lo sé.
Dave Grohl cuenta que era un chavalín de lo más normal hasta que a la tierna edad de 13 años una prima suya, metida en el mundillo punky, paso a visitarle durante un verano. A partir de entonces la vida de este joven se torcio para siempre, empezo a escuchar música heavy, hardcore, punk, rock de todo tipo y se convirtio en un freaky de lo underground.
20 años despues, convertido en un batería, vocalista y guitarrista de renombre y cargadito de millones tras su paso por Nirvana, por los Foo Fighters y más recientemente por Queens of the Stone Age, decidio que quería llevar adelante su sueño adolescente de tocar con los vocalistas de los grupos metal y hardcore que alegraron su juventud. Como ademas de rico Dave debe ser majete obtuvo una respuesta positiva de la gran mayoría de los cantantes, asi al final cantan Cronos, Mike Dean, King Diamond, Lee Dorrian, Lemmy, Snake, Wino, Eric Wagner, Kurt Brecht y Max Cavalera. Matt Sweeney y Kim Thayil (casi nada) tocan la guitarra y el bajo cada uno en una canción, pero el resto del disco es absolutamente Dave Grohl.
En sus propias palabras Dave pretendía hacer un “Supernatural” (por el disco de Santana) pero en metal. El disco es de lo mas interesante por varias razones, la primera es el impresionante reparto de voces, simplemente contar con las de Lee Dorrian, King Diamond, Lemmy, Max Cavalera, y Wino, por hablar de los que conozco, es un lujazo. Otra razón es poder reafirmarme en que Grohl es un fuera de serie, las partes de batería en todas las canciones son salvajes y muy lejanas de ser sencillas, ademas de adecuarse al estilo de cada uno de los vocalistas. La última razón que se me ocurre es lo gracioso que resulta observar la mezcla del estilo metal de estas canciones con la sapiencia pop que Grohl ha venido demostrando es los dos últimos albumes de los Foo Fighters, conviertiendo estas en un metal de lo más digerible. ¿Que no es un disco de metal? verdadero, pero es rock puro y duro con un toque “stoner” bastante marcado.
Del disco destacaría las canciónes de Max Cavalera, Lemmy, Wino y la de Snake “Dictatosaurus”, tremendamente parecida al estilo de los Smashing Pumpkins (Matt Sweeney, ex-Zwan toca la guitarra en esta). “My Tortured Soul”, con Eric Wagner tiene un sonido a lo Stone Temple Pilots que le deja a uno pensando donde ha oido antes ese riff de guitarra. Por supuesto King Diamond tambien brilla.
Pero el momento estelar llega con la pista escondida, “I am the Warlock”, en la que el vocalista es ¡¡¡¡ Jack Black !!!!, el actor y miembro de Tenacious D, para los que Grohl tocó guitarra y batería en su disco de debut.
Nunca me ha gustado el metal y lo más lejos que he llegado en este genero es al “Turbolover” de Judas Priest, pero Grohl consigue hacer entretenido el paseo que da por el género, sobre todo manteniendo la intensidad de principio a fin. Nada nuevo bajo el sol, pero el concepto es inteligente, esta bien producido y sirve de acercamiento al underground metalero de los 80 que no nos dejaban ver los teñidos pelos de las “hair bands”.

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