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This Is Spinal Tap

Publicado el domingo 14 octubre 2018

This Is Spinal Tap (1984)

Director: Rob Reiner
Interpretes: Rob Reiner, Michael McKean, Christopher Guest

Si has estado en alguna banda no puedes dejar de ver esta película, la verdadera biblia del músico y del pipa. “Spinal Tap” es un rockumental acerca de las vicisitudes de una banda inglesa, Spinal Tap, durante su postrera gira por los U.S. de A. Nada mas empezar te llevas la grata sorpresa de que es un film americano protagonizado por los actores de “Saturday Night Live” de la era dorada, el famoso show de la NBC de donde han salido cómicos como Chevy Chase, Dan Ackroyd, Billy Crystal y demas. Los protagonistas de la película, Michael McKean, Christopher Guest y Harry Shearer no son tan famosos pero son mas que conocidos, raro es el dia en que no aparezcan en cualquier serie o película siestera de algun canal, y lo cuadran.
La cinta se enfoca en forma de falso documental, pero los actores son tan buenos que le hacen dudar a uno más de una vez sobre si Spinal Tap no existe de verdad. En realidad la banda, despues del exito de la película, se mantuvo e hizo alguna gala que otra gracias a las cualidades musicales de los protagonistas, verdaderos interpretes de las seis cuerdas y autores de las canciones. Los temas musicales se adaptan perfectamente a la temática de la película, las ejecuciones son perfectas y solo en las letras se ve que son composiciones cómicas que se burlan de canciones de grupos “hair metal” del momento. Entre los baterias del mundo la posición más peligrosa es sin duda estar detras del kit de esta banda, ninguno dura mas que unos pocos conciertos. Sirva como ejemplo hace que unos años pusieron un anuncio en una revista buscando batería, el texto era escueto y decía: “Batería muerto, se busca uno nuevo”.
Durante esta gira la banda se enfrenta a todo lo que puede ir mal, la gente no les conoce, se pierden de camino al escenario, situaciones a lo Yoko Ono, ser teloneros de los Teleñecos, baterias que perecen por combustión expontanea, etc. Ademas se burla de todos los artificios e invenciones de las bandas de rock como el maquillaje, guitarras estrambóticas (un bajo de dos mastiles, por dios), escenarios ridiculos, el spandex.
Al final es como juntar lo peor de KISS, Jefferson Airplane, Black Sabbath y otras bandas míticas. No he parado de reirme, y lo hubiera hecho más de no ser por la falta de subtítulos, y porque los protagonistas imitan a la perfección el acento ingles y las expresiones de ese pais. Por si fuera poco las canciones se dejan oir y los actores ponen los dedos en los trastes correctos.
Para el que quiera saber más de este grupo, Spinal Tap.

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Anonimos

Publicado el lunes 8 octubre 2018

Anonimos
Masked And Anonymous (2003)

Director: Larry Charles
Interpretes: Bob Dylan, Jeff Bridges, Jessica Lange, John Goodman

Nunca me ha gustado Dylan, siempre le he visto pomposo dentro de su aparente recato. Pero una película llena de buenos actores y en la que Dylan tiene que hacer algo más que cantar resulta interesante.
“Anónimos” parece estar ambientada en un desmembrado Estados Unidos de América, presuntamente separado de nuevo entre norte y sur y con más aspecto de pais centroamericano que de la potencia mundial que estamos acostumbrados a ver en televisión. Esta ambientación es un acierto, ya que se acerca mucho a la América verdadera que solo vemos en los documentales de la 2, caminos de tierra, gente sin zapatos ni techo y polvo, mucho polvo flotando en el aire.
Dylan encarna a Jack Fate, un músico que acaba de salir de la carcel para cantar en un concierto benéfico que busca restaurar la unidad política y social del pais. A Fate le importa bastante poco lo que pasa a su alrededor, es más, parece tener el mismo interes que el verdadero Bob Dylan pone en la película. Lo que no se puede negar es que Dylan cambia totalmente cada vez que interpreta un tema, la banda que le acompaña, “Simple Twist of Fate”, resulta impresionante al menos en lo que respecta al batería, por lo que interpolando los otros miembros han de ser igual de buenos. Los temas estan grabados en directo y son demoledores.
La película falla estrepitosamente en la intención de hacer que cada linea del diálogo deba ser un monólogo merecedor de un Oscar. Los actores son maravillosos, pero tratar de que todos sean protagonistas, tengan profundidad y una historia completa detras no deja de ser ridículo. Mencion especial a Val Kilmer por el monólogo que suelta por más que tampoco se salve de la sobreactuación.
Si eres fan de Dylan la película te va a encantar. Solo por las canciones que interpretan en directo vale la pena verla. La versión de Dixie hace saltar las lágrimas y trata de recuperar esta maravillosa canción tan denostada por su relacción con el esclavismo de 1860 y con el racismo de hoy en día. En este caso es el sur la tierra de la libertad que lucha contra la opresión de norte.
“Anónimos” se deja ver y tiene puntos interesantes. Si te gusta Dylan o el cine independiente la disfrutaras, si no te gusta nada de eso puedes entretenerte un ratito, por muy sobreactuados que esten los personajes resultan interesantes.

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Martin Luther – The Calling

Publicado el martes 2 octubre 2018

Martin Luther
The Calling
Orchard 2000

Cuando descubres algo bueno y sabes que poca gente lo sabe ¿a que te sientes genial?. Martin Luther es el guitarrista que acompaña a The Roots durante sus giras y a la vez es artista en solitario. Me gusto tanto cuando lo vi tocar con los de Philadelphia que me compre su CD, “The Calling”, al salir del concierto e incluso me lo firmó. No tenia una idea exacta de como sería, pero me gusto tanto que me pase medio viaje de vuelta desde Barcelona escuchandolo. Obviamente si The Roots te eligen como musico en directo sera por algo. Simplemente decir que en el directo canto la parte de Erykah Badu en “You Got Me” del album “Things Fall Apart” y los pelos se me pusieron como escarpias.
“The Calling” es un disco muy sorprendente por varias razones, la principal es por lo poco estridente que resulta. Acostumbrados como estamos a guitarras estridentes, efectos electrónicos y bases pegadizas, Martin Luther se dedica a crear preciosas melodias que van del r&b al soul y al rock con un toque gospel que dice mucho de las influencias de este autor.
No hay muchos autores con quien compararlo. Luther es mucho más articulado que Lenny Kravitz, más rockero que Cody Chestnutt y mucho menos ñoño de lo que es Ben Harper. “Black Eyed Susan” y “Soul Assassinator” son las mejores canciones de un disco tremendamente atractivo y que no tiene desperdicio, el disco perfecto para hacer el amor. Gran debut.

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Kiss

Publicado el viernes 14 septiembre 2018

KISS
KISS
Casablanca, 1974
No os dejeis engañar por su imagen ni por su afectación; KISS fue un gran grupo de rock. Paul Stanley y Gene Simmons tenian muy claro desde jovencitos que querian triunfar a cualquier precio. Ambos formaban parte de Wicked Lester, un grupo de rock con buenas perspectivas pero que no llego a nada. Un día echaron malamente al resto de la banda por estorbarles en su camino al no ser lo suficientemente “cool”. Decididos a ser famosos y conocidos comenzaron a buscar un batería y un guitarrista que ademas de poder tocar tuviesen la imagen que buscaban. A Peter Criss lo contrataron (dice la leyenda) sin ni siquiera oirle tocar, simplemente por la ropa que llevaba, algo mezcla de ABBA y pimp del Bronx. A Ace Frehley lo escogieron en el último momento, Stanley ya parecia haberse decidido por Bob Kulick (hermano mayor de Bruce Kulick, que sí sería miembro de KISS entre 1984 y 1996) pero de pronto aparecio Ace, un loco creido con una zapatilla roja, otra naranja, que podía tocar cualquier cosa y lo sabía, y les encantó su imagen y su actitud.
Wicked Lester pasó a la historia y a Criss se le ocurrio el nombre de KISS. Ace (colecionista de parafernalia nazi y descendiente de alemanes) diseñó el logo, en el que incluyó las SS de la Schutzstaffel alemana y que fue aceptado tanto por Stanley como por Simmons. Que dos judios, uno de ellos (Simmons) nacido en Israel de padres exiliados, aceptaran o no se dieran cuenta de lo ridídulo de la situación es un misterio.
Comenzarian a buscar discográfica ya como KISS, y no tardaron en encontrarla. La recien creada Casablanca les acogio, en la esperanza de Neil Bogart, su dueño, de vivir una vida de estrella de rock & roll. Bogart y el representante de la banda, Bill Aucoin, comenzarian a moverse rapidamente, buscando a la banda actuaciones importantes y haciendoles entrar en el estudio para grabar KISS incluso antes de haber firmado su contrato.
Tanto el grupo como la compañía de discos deseaban que el sonido del disco fuese el mismo que KISS lograba en vivo, duro y directo. La producción resulta bastante sencilla y rápida por la colaboración del grupo y por su profesionalidad. Desde los primeros mordentes de Criss a las últimas notas de guitarra de Frehley el disco es poderoso y transmite el buen hacer como músicos del cuarteto. KISS es rock con profundas raices blues y mucho “feeling”. Strutter y Nothing to Lose subian el ambiente en los conciertos y son sin duda un gran comienzo, apagado por la más lentas Firehouse y Col Gin, que dan a Frehley la oportunidad de lucirse en el agudos solos. Let Me Know se acerca a la ética de The Beatles de componer canciones que iban dirigidas expresamente a las fans y con un importante toque pop. Es ademas el primer ejemplo de que KISS combina magistralmente la mezcla de partes de diferentes estilos en una misma canción, la entradilla de la canción es totalmente pop y de pronto entra un puente del más puro hard rock con un riff aplastante. Kissing Time tiene un toque californiano que no parece encajar demasiado con la banda, pero Criss consigue un groove muy interesante con los platos que salva la canción. Los siguientes temas, excluyendo el instrumental Love Theme from Kiss suben la intensidad del disco y son sin duda tres de los más importantes del grupo. Deuce tiene un ligero sonido a The Stooges y la fuerza de la voz de Simmons se mezcla con los punteos de Frehley. 100,000 Years es sin duda mi favorita, la linea de bajo y las notas sincopadas en la caja de Criss consiguen un groove muy intenso y efectivo. Por último Black Diamond es una verdadera muestra de hard rock y de perfecta compenetración de guitarras.
La grabación terminó a principios de Noviembre de 1973 y el album sería lanzado en Febrero de 1974, alcanzando el puesto 87 en la lista de ventas de USA. Mientras tanto la banda continuaba girando y tocando sin parar, logrando el reconocimiento de los fans pero no de crítica ni de ventas.
KISS refleja el poder de la banda en sus comienzos, algo que se ira diluyendo lentamente con los años. No hay ningun himno rock, aparecerian en trabajos posteriores, pero KISS es sin duda el mejor y más honesto disco de la banda. Destroyer será el único album que llegara a hacerle sombra y el primero en alcanzar el éxito de ventas. Los buenos discos de KISS se encuentran entre 1974 y 1977, 7 albumes, algo desiguales pero todos buenos. A partir del Alive II todo cambiaría y en el siguiente disco de estudio, Dinasty en 1979, KISS daría un giro tanto en calidad compositiva como en estilo, abrazando abiertamente la comercialidad del pop rock y cometiendo el sacrilegio de quitarse el maquillaje.

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John Coltrane – A Love Supreme

Publicado el viernes 7 septiembre 2018

John Coltrane
A Love Supreme
Impulse! 1965

En los años cincuenta John Coltrane era un músico en sus veintimuchos con un gran talento y un problema aun más grande, su afición a la heroina. Su adicción le llevaba de una banda a otra, de despido en despido y la edad no ayudaba. Casi en los treinta nunca había destacado y dificilmente llegaría a hacerlo de seguir en el pico. La heroina era el azote del mundo del jazz, la verdadera música del diablo, y los músicos de este género eran muy comunmente victimas de esta adicción. Uno de ellos, el gran Miles Davids, había conseguido rehabilitarse y dio una oportunidad a Coltrane para hacer lo propio. Fue en la banda de Miles donde Coltrane comenzo a brillar y a ser llamado para más y más sesiones de grabación como freelance, haciendose cada vez más importante en el mundo del jazz. Fruto de la relacción con Davids y de hacerse imprescindible como músico de sesión llamo la atención de Impulse! para que grabara ya bajo su nombre.
De toda su discografía su disco más conocido es sin duda “A Love Supreme”, catalogado por muchos como el mejor disco de toda la historia, dificilmente podría lograr este puesto, pero seguro que es el más inspirado. Sin palabras, A Love Supreme es un mini-opus jazzistico dedicado por John Coltrane a Dios en agradecimiento por la iluminación espiritual que salvó su vida. En realidad apenas logró vivir dos años más, hasta 1967, cuando murio a los 41 años de edad seguramente por el castigo al que la droga sometio a su cuerpo. Si alguna vez una obra hace a su autor inmortal este es uno de esos casos.
“A Love Supreme” son solo 33 minutos de placer divididos en 4 partes; “Acknowledgement”, “Resolution”, “Pursuance” y “Psalm” (los dos últimos en el mismo corte). Los títulos hacen referencia a los pasos dados por Coltrane en su acercamiento a Dios y su salida de la droga. Temas muy intensos pero nada recargados cuya escucha exige una dedicación exclusiva. Emociones que se agarran al pecho y te elevan del suelo. Coltrane contó para la grabación con el que era su cuarteto, Elvin Jones a la batería, McCoy Tyner al piano y Jimmy Garrison en el contrabajo. Con este personal sentando las bases Coltrane era libre para improvisar a su gusto. Los momentos más intensos del disco son la parte final de “Acknowledgement”, la única parte vocal, en la que la banda acepta finalmente el hecho de que hay algo más grande que ellos al pronunciar repetidamente la frase que da nombre al disco, “A Love Supreme”. La tensión a la que ha logrado llevarle a uno la canción es grande y ese final termina por relajar al oyente. El comienzo de “Pursuance” es precioso, haciendo Elvin Jones un solo impresionante al que poco a poco se suma la banda.
El disco, escuchado apropiadamente, es simplemente precioso e inspirador. Una de las grandes obras del jazz.

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