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Peace Love Death Metal

Publicado el sábado 4 agosto 2018

Eagles of Death Metal
Peace Love Death Metal
Ant Acid Audio 2004

Josh Homme pasará a la historia como uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos y como el tio que se inventa los mejores nombres para sus bandas. Eagles of Death Metal es el último de sus side projects que edita un album. La banda surgio de la grabación de uno de los primeros discos de las “Desert Sessions” y desde ese momento los fans de Homme han estado suplicando por un album del grupo.
“Peace Love Death Metal” (sic), es el resultado de tanta súplica y lloro. La razón por la que Homme no pudo reunirse con su compañero de instituto Jesse “the Devil” Hughes antes fueron los años de intensas giras y grabaciones a los que Homme se ha visto abocado por el relativo exito comercial y gran reconocimiento musical cosechado por Queens of the Stone Age. Una vez terminada la última de las “Sesiones del Desierto” y habiendo despedido de QotSA a Nick Oliveri por sus famosos desfases ha podido tomarse el tiempo necesario, tres dias, para la grabación de las 17 canciones que componen este album.
Pero si Queens of the Stone Age ni eran reinas ni vivian en la edad de piedra, Eagles of Death Metal ni tienen plumas ni tocan riffs satánicos. “Peace Love Death Metal” es una pequeña joyita de r’n’r bien hecho, totalmente bailable, un tanto rarito y sincero. La primera sorpresa es no oir la tan personal voz de Homme ni su aun más personal guitarra, Joshua se pasa en este caso a las baquetas y a los coros. Es Hughes quien se encarga de proveer tanto la voz como los acordes de guitarra y quien hace que no se eche de menos a Homme en estas labores. La voz de Hughes resulta mucho más adecuada para el r’n’r y más versatil, si tenemos en cuenta que el estilo de las canciones van desde lo mas bailable y sexy de “I Only Want You” y “Speaking in Tonges”, al del rock sureño, a un cuasi-plagio del “Strutter” de KISS en “So Easy”, pasando por una versión del “Stuck in the Middle with You” de Stealers Wheel y a canciones que rozan el surf rock.
Josh Homme sale muy bien parado de su paso a la batería y aunque los ritmos parecen simples no lo son. Mucha pandereta, mucho cencerro y mucho ritmo.
Mueve tus caderas baby, las Aguilas del Metal Mortal ya estan aqui y quieren ver como te desnudas al ritmo de su música.

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Toro Salvaje

Publicado el martes 12 junio 2018

Toro Salvaje
Raging Bull (1980)

Director: Martin Scorsesse
Interpretes: Robert DeNiro, Cathy Moriarty, Joe Pescy

Jake LaMotta puede ser uno de los mayores cabrones a los que el cine ha convertido en protagonista de una película. LaMotta fue uno de los mejores boxeadores de la decada de los 40 y 50, baste decir que fue el primero en tumbar al gran “Sugar” Ray Robinson. Pero en lo personal Jake LaMotta era un ser agresivo, misógino y egoista que obtenía lo que deseaba a base de fuerza bruta e intimidación.
LaMotta escribio su autobiografía, de la cual se enamoró Robert De Niro y que presentó a Martin Scorsese como un proyecto a desarrollar para una película. Scorsese estaba pasando por un momento personal bastante dificil que sumado a lo esceptico que se mostró United Artists acerca del proyecto hizo que este se retrasara varios años. Solo cuando United Artists quiso hacer la secuela de la exitosa Rocky pudo Scorsese ejercer presión para que tambien se produjera “Raging Bull”. Resulta que el tandem de productores de “Rocky”, Robert Chartoff e Irwin Winkler estaban encantados con la idea de una película de boxeo dirigida por el maestro Scorsese, de forma que se negaron a producir “Rocky II” hasta que el estudio aceptara hacer “Raging Bull”, United Artist dobló la rodilla y acepto las posibles pérdidas que el film pudiera tener. Scorsese consiguio, como favor personal, que el guionista de Taxi Driver, Paul Schrader, se encargara de dar forma de guión a la biografía del boxeador.
De Niro se dedicó entonces a prepararse para el papel, Jack LaMotta fue contratado para preparar fisicamente al actor y lo convirtio en una verdadera máquina de boxear. Esta preparación boxística le sirvio a De Niro para copiar los gestos y actitudes del verdadero LaMotta, convirtiendose en un verdadero calco de este.
Por su parte Scorsese y su equipo se dedicaban a planificar cuidadosamente cada plano. El director se empapó del ambiente de este deporte y decidio que la única forma de realizar esta obra sería rodarla en blanco y negro. El estudio se sobresalto ante la posibilidad de tener que defender ante el público y la crítica una obra que no fuera en color y en la cual no creía desde el principio. La fotografía resultante es una de las más bellas de la historia del cine y ayuda enormemente a centrarse aun más en la magnífica interpretación de los actores. Hay que observar cuidadosamente los cambios de ambiente durante las escenas de boxeo, en estas Scorsese creó una verdadera coreografía, imitando exactamente los golpes dados en las peleas reales.
La actuación de De Niro es inmensa, el retrato que hace de LaMotta, convirtiendolo en un ser inseguro, violento y totalmente creible merecio un Oscar. De Niro tiene verdaderos duelos interpretativos con sus partenaires, haciendo grandes a estos, Joe Pesci y Cathy Moriarty, ambos nominados ese año (1980) por sus papeles al Oscar por actor y actriz secundarios. Pesci te mantiene dudando sobre su bondad o maldad durante toda la película y Moriarty consigue mantenerse arrebatadora y creible en un papel que requiere dosis de femme fatale y de esposa maltratada al mismo tiempo.
El resultado final es que sea considerada como la mejor película de los años 80 y una de las mejores de todos los tiempos, con una producción sólida, un montaje soberbio (Oscar a la edición) y un trabajo actoral simplemente sorprendente.

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Led Zeppelin – Coda

Publicado el martes 1 mayo 2018

Led Zeppelin
Coda
Swan Song 1982

El 25 de septiembre de 1980 es una de las fechas marcadas en rojo en la historia del rock, John Bonham moría y con él desaparecía uno de los grupos más importantes de la historia del rock.
Aun así, en 1982, Jimmy Page sorprendía publicando una recopilación de 8 temas ineditos, grabados desde enero de 1970 hasta finales de noviembre de 1978 bajo el sugestivo, musical y relevante nombre de Coda. Dependiendo de a quien se pregunte este disco es considerado bien la obra menor de Led Zeppelin, bien una simple recopilación. Lo que ciertamente puede considerarse a ciencia cierta es la recuperación del carácter blues-rock de la banda, muy alejado de los planteamientos místicos, celtas y de experimentación que marcaron su discografía desde el mítico cuarto álbum. Coda esta más cercano al Led Zeppelin II de 1969 que al “In Through the out Door” de 10 anos después.
Esta compuesto por temas que no encajaban en sus anteriores trabajos y a los que se podía dar salida aprovechando el tirón de la banda. A pesar de la diferencia de tiempo entre las grabaciones el álbum mantiene una increíble coherencia, haciéndose difícil ubicar temporalmente estas grabaciones. El sonido Zeppelin, misticismos aparte se mantiene de principio a fin, incluso en las dos canciones no compuestas por ellos.
“We’re Gonna Groove” abre el disco, y lo primero que queda patente es la presencia que va a tener Bonham tanto en esta pista como en el resto del disco. Los redobles imposibles y los trucos de caja enmarcan el fantástico trabajo guitarristico de Page demostrando el porque del título de la canción.
“Poor Tom” abre de la misma forma, simplemente Bonzo y Plant hasta que Page se les une tras el doceavo compás de una forma minimalista. La canción solo se complica con la entrada de la armónica de Plant, dándole un precioso toque blues.
La tercera pista “I can’t Quit You Baby” es otra confirmación de los orígenes blues de la banda y sorprende comprobar que fue grabada en una prueba de sonido antes de un concierto en el Royal Albert Hall de Londres, dando idea de la calidad musical en directo del grupo.
“Walker’s Walk” es posiblemente la pista mas roquera del disco, notándose especialmente en el poco detallista pero efectista solo de guitarra de Page. La apisonadora sigue con la repetitiva “Ozone Baby” donde las guitarras, al igual que en la pista anterior sientan las bases en las que se educaran las nuevas generaciones del hard rock moderno especialmente del genero “stoner rock”.
“Darlene” es más inclasificable que las anteriores pistas, es blues, es rock y se convierte en swing por la deliciosa e inesperada pista de piano de John Paul Jones en la única oportunidad que le da Page de lucirse.
La siguiente canción es toda una demostración de John Bonham sobre como se toca la batería. “Bonzo’s Montreux” son cuatro minutos cargados de fuerza y dinámica. Bonzo no solo golpeaba con fuerza los parches sino que sabía usar las dinámicas y los desplazamientos rítmicos a la perfección. Solo por esta canción este disco se hace imprescindible para todo batería.
El disco termina con “Wearing and Tearing” gran titulo para finalizar, más que un disco, toda una época. Coda fue de las últimas bocanadas que pudo dar el rock setentero. Despues de 1982, y hasta el fin de la década, el relevo del rock lo tomarían las bandas de Hair-metal y las nuevas formaciones de grupos establecidos que acabarian vendiendo su alma al EMO por el vil metal. Jimmy Page es una de esas personas que dan gracias a por haber podido sacar el máximo provecho económico de su carrera antes del advenimiento de Internet y Napster, y la tacañeria que demuestra al poner solo ocho temas ineditos en un album de este tipo es la razón por la que la gente se baja canciones de Internet.

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Beastie Boys – Licensed To Ill

Publicado el lunes 26 febrero 2018

Beastie Boys
Licensed to Ill
Def Jam, 1986

Principios de los ochenta, tres jóvenes que parecen sacados de “La Venganza de los Nerds”, blancos, judios, de clase acomodada, y de Manhatan forman parte de un grupo punk underground que ya ha afilado los colmillos en los principales locales de la movida de Nueva York. Un día comienzan a hacer burla del floreciente movimiento rap que llevaba más de una década gestándose en la costa este americana y descubren que ellos lo hacen tan bien o mejor que muchos de los componentes de este movimiento y que la respuesta del público supera a la que obtienen tocando temas punk.
Como en realidad tanto el punk como el movimiento hip-hop nacen de la falta de medios y la necesidad de buscarse la vida el paso dado por los BB no fue nada traumático. La única falta que tenían era la de su discoteca, en vez discos de James Brown, Cool and the Gang o Earth, Wind And Fire ellos tenían albums de Led Zeppelin, The Clash, Black Sabbath y AC/DC, de forma que las bases de sus rimas y el esquema de sus canciones eran diferentes de las que usaba cualquier otro grupo.
Rick Rubin les firmó para su discográfica, Def Jam, y compuso y produjo con ellos uno de los albums más influyentes de los 80’s, “Licensed to Ill”. No esta claro si esta joyita puede considerarse un simple disco de hip-hop o de rock, pero ciertamente fue la primera piedra de lo que acabo degenerando en la mezcla rap/rock tan en boga hoy en día.
“Rhymin & Stealin” abre el disco como solo abren los grandes, marcando diferencias. Si la moda y el estilo de rap de aquellos años exigían velocidad y rimas aceleradas lo que se encuentra el oyente es un tema exageradamente ralentizado con una base rítmica muy simple, sobre la que los BB riman de la más difícil de las maneras, despacio. El disco sigue con temas mucho más cercanos a los estándares rap del old school, demostrando la versatilidad de los tres componentes a la par que su descaro. Pero son las cuatro canciones del ecuador del disco las que convierten a esta obra en un clásico. “Girls” “Fight for Your Right”, “No Sleep ‘till Brookyn” y “Paul Revere” fueron verdaderos bombazos en la confundida cultura de su década. Los dos primeros, con su pegadizo estribillo, se convirtieron en himnos populares de la juventud y de la rebeldía ante la sosería impuesta por la era Reagan. Si ya Hollywood marcaba la pauta con películas como “Footloose”, “Flash Dance” y “Girls Just Want to Have Fun”, el vídeo musical de “Fight for Your Right” se coló en los hogares de todo el mundo inundando las pantallas de calcetines blancos y de chicas frescales.
“No Sleep ‘till Brookyn”, con sus afiladas guitarras puede considerarse como el germen del rap-metal y “Paul Revere” devuelve a los BB a su versión más gamberra y rapera.
No es justo dar todo el crédito a los BB, Rick Rubin se debería al menos la mitad, pero la cara, las rimas y el gamberreo lo ponían el grupo. MTV hizo el resto.

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Anonimos

Publicado el lunes 22 enero 2018

Anonimos
Masked And Anonymous (2003)

Director: Larry Charles
Interpretes: Bob Dylan, Jeff Bridges, Jessica Lange, John Goodman

Nunca me ha gustado Dylan, siempre le he visto pomposo dentro de su aparente recato. Pero una película llena de buenos actores y en la que Dylan tiene que hacer algo más que cantar resulta interesante.
“Anónimos” parece estar ambientada en un desmembrado Estados Unidos de América, presuntamente separado de nuevo entre norte y sur y con más aspecto de pais centroamericano que de la potencia mundial que estamos acostumbrados a ver en televisión. Esta ambientación es un acierto, ya que se acerca mucho a la América verdadera que solo vemos en los documentales de la 2, caminos de tierra, gente sin zapatos ni techo y polvo, mucho polvo flotando en el aire.
Dylan encarna a Jack Fate, un músico que acaba de salir de la carcel para cantar en un concierto benéfico que busca restaurar la unidad política y social del pais. A Fate le importa bastante poco lo que pasa a su alrededor, es más, parece tener el mismo interes que el verdadero Bob Dylan pone en la película. Lo que no se puede negar es que Dylan cambia totalmente cada vez que interpreta un tema, la banda que le acompaña, “Simple Twist of Fate”, resulta impresionante al menos en lo que respecta al batería, por lo que interpolando los otros miembros han de ser igual de buenos. Los temas estan grabados en directo y son demoledores.
La película falla estrepitosamente en la intención de hacer que cada linea del diálogo deba ser un monólogo merecedor de un Oscar. Los actores son maravillosos, pero tratar de que todos sean protagonistas, tengan profundidad y una historia completa detras no deja de ser ridículo. Mencion especial a Val Kilmer por el monólogo que suelta por más que tampoco se salve de la sobreactuación.
Si eres fan de Dylan la película te va a encantar. Solo por las canciones que interpretan en directo vale la pena verla. La versión de Dixie hace saltar las lágrimas y trata de recuperar esta maravillosa canción tan denostada por su relacción con el esclavismo de 1860 y con el racismo de hoy en día. En este caso es el sur la tierra de la libertad que lucha contra la opresión de norte.
“Anónimos” se deja ver y tiene puntos interesantes. Si te gusta Dylan o el cine independiente la disfrutaras, si no te gusta nada de eso puedes entretenerte un ratito, por muy sobreactuados que esten los personajes resultan interesantes.

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