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When We Were Kings

Publicado el Lunes 6 febrero 2017

When We Were Kings (1996)

Director: Leon Gast
Interpretes: Muhammad Ali, George Foreman, James Brown, BB King

En 1974 nadie le tosía a George Foreman. Despues de haber destrozado a Joe Frazier en 1973 (le tiro 6 veces a la lona y le knockeo en el segundo asalto) la corona de los pesados estaba firmemente plantada en su cabeza. ¿Quien se iba a atrever a enfrentarse a la mayor fuerza de la naturaleza que ha conocido el boxeo?.
En una de sus alocadas ideas a Don King se le ocurrio organizar una pelea entre el más grande, Muhammad Ali, por entonces en horas bajas y la máquina demoledora que era Foreman. Por diversos motivos la pelea se celebro en Zaire, bajo el auspicio del dictador Joseph-Désiré Mobutu, Mobutu Sese Seko, que buscaba proyección internacional para su país. Mobutu construyó un estadio y permitio de todo para que esta pelea saliera adelante.
Leon Gast filmó, no solo la pelea sino todos los preparativos y situaciones alrededor de esta. la película, “When We Were Kings”, tardo 22 años en poder exhibirse por diversos problemas legales pero en 1996 se pudo por fin ver en las pantallas siendo un gran éxito.
Lo mejor sin duda son los protagonistas, verdaderos actores, cada uno metido en su mundo y representando perfectamente su papel. Don King es un “entrepreneur” apasionado por la literatura inglesa que puede recitar de corrido a Hamlet pero que a su vez busca ser más grande que Ali y Malcom juntos. Foreman es el campeón del mundo, sobrio, insultante, callado y arrogante en su distancia. Por supuesto el mejor es Ali, quien no se vea arrastrado por la increible personalidad de este grande esta hecho de piedra. Ali arrasó en el Zaire y se convirtio en un dios ante los ojos de los africanos. Muhammad perdio todo merced a su afan diletante, entregarse tanto a una pasión no es bueno. La película se mantiene objetiva, dentro de la realidad y hace un uso extenso de entrevistas a testigos del evento.
“When We Were Kings” es apasionante, da lo mismo lo que a uno le guste u odie el boxeo, toda lo que significó esta pelea en el campo político, cultural, social y deportivo es presentado por el director para que sea el espectador quien saque sus conclusiones. Genial.

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Guns N’ Roses – Appetite For Destruction

Publicado el Martes 27 diciembre 2016

Guns N’ Roses
Appetite for Destruction
Mobile, 1987.

Este es el discazo que convirtio a los grupos de hair metal de los 80 en simples poses sin actitud. De la nada aparecieron los chicos verdaderamente malos y de turbio pasado dispuestos a dar patadas al culo cubierto de lycra y vaselina de más de uno. Desde el origen de los KISS o de los mismísimos New York Dolls no se habia visto esa actitud provocadora en un grupo.
Appetite for Destruction es, más que un album, la exposición de las vivencias (reales o inventadas) de un hard rocker en los años 80, capítulo a capítulo, y es la actitud de Axl Rose la que lo hace tan verdadero. “Welcome to the Jungle” es el aviso al oyente de donde se esta metiendo y de que no esta jugando con cualquiera. Con “It’s So Easy” ya sabes que no puedes ni confiarles a tu hermana. “Nightrain” y “Out Ta Get Me” parecen las pesadillas de pandillero adolescente de Axl y “Mr. Brownstone” y “Paradise City” te dejan clarito que estos chavales no son trigo limpio. Y asi hasta el apoteósico final que supone “Rocket Queen”, estos malotes no solo dicen cosas que asustan tambien tocan mejor que nadie.
Seguramente sea este uno de los pocos albums que esten en el top 10 de casi cualquiera y cada cual tiene sus razones. Unos se quedaran con el absoluto dominio (a la par que dejadez) que demuestran Izzy Stradlin y Slash en sus dialogos guitarreros, otros con la fuerza y las letras de Axl y otros diran que el cuero es más rockero que el spandex. Yo me quedo con el tremendo trabajo que hace Steve Adler a la batería, dejando un inmenso espacio en el que se podian lucir sus compañeros de grupo.
Lo mejor del disco es que no hay ni un solo “filler”, de principio a fin todas las canciones son increibles y esto lo convierte en uno de esos escasos albums de rock con entidad propia y no solo con una canción de exito o dos. Decir Appetite for Destruction es decir mucho. Guns n’ Roses padecio la maldición de debutar con un disco tan bueno que se les hizo insuperable y que acabo con el grupo (el verdadero, se entiende).

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Barbarella

Publicado el Domingo 11 diciembre 2016

Barbarella (1968)

Director: Roger Vadim
Interpretes: Jane Fonda, John Phillip Law, Anita Pallenberg

En 1968 una impresionantemente atractiva Jane Fonda aparecio en las pantallas en una película que se adelanto mucho a su tiempo. Barbarella es la adaptación de Roger Vadim y Dino de Laurentiis de un comic frances en el cual una “naive” agente terrestre llega a un mundo lejano en busca del archivillano Duran Duran. Lo que esa inocente jovencita encontrará en ese planeta le hara replantearse las relacciones personales que se dan en su planeta de origen. En la Tierra todo se ha aseptizado y la gente ya no practica el amor sino que usa pildoras que suplen las relacciones carnales.
Esta muchachita inocente se estrella de pronto en un planeta en el que a los treinta minutos de película ya se ha cambiado de atuendo cuatro veces, se ha desmayado dos, y ha practicado la forma antigua de hacer el amor con dos desconocidos (la pobre se aficiona malamente). A lo largo de la cinta se deberá cambiar muchas veces más de atuendo, a cada cual más escueto y atrayente, debera practicar esas tradiciones olvidadas con seres muy dispares (incluyendo un angel y una máquina) y se vera forzada a realizar actos bastante impuros para su mentalidad, aunque los acepta de buen grado.
La película es muy entretenida y resulta extraño que en esos años se permitiera que Jane Fonda luciera sus pechos al descubierto, tangas, escotes generosos y posturas de lo más procaces en la gran pantalla. Supongo que esta sería una de las peliculas que los españoles irian a ver a Francia saltandose la censura franquista.
La producción es la típica del Dino de Laurentiis hollywoodiense, colores muy mal combinados, trajes chillones y apretados, moqueta (mucha moqueta), parajes desolados y naves imposibles que poblarán las pantallas de cine de los 70 y 80 y de la que nunca conseguira escapar el cine italiano. “Flash Gordon” y “Dune” sufriran esas carencias imaginativas de Don Dino y marcaran a generaciones inocentes.
Resaltar de la película las presencias de una bellísima Anita Pallenberg haciendo de mala (arrrrrggggg) y del famoso mimo Marcel Marceau en un papel demasiado locuaz y que echa por tierra un mito.
Para 2005 se espera un remake en el que Drew Barrimore sera la protagonista.

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Probot

Publicado el Viernes 2 diciembre 2016

Probot
Probot
Southern Lord 2004

¿Cuantos años llevo esperando este bendito album?. Ni yo mismo lo sé.
Dave Grohl cuenta que era un chavalín de lo más normal hasta que a la tierna edad de 13 años una prima suya, metida en el mundillo punky, paso a visitarle durante un verano. A partir de entonces la vida de este joven se torcio para siempre, empezo a escuchar música heavy, hardcore, punk, rock de todo tipo y se convirtio en un freaky de lo underground.
20 años despues, convertido en un batería, vocalista y guitarrista de renombre y cargadito de millones tras su paso por Nirvana, por los Foo Fighters y más recientemente por Queens of the Stone Age, decidio que quería llevar adelante su sueño adolescente de tocar con los vocalistas de los grupos metal y hardcore que alegraron su juventud. Como ademas de rico Dave debe ser majete obtuvo una respuesta positiva de la gran mayoría de los cantantes, asi al final cantan Cronos, Mike Dean, King Diamond, Lee Dorrian, Lemmy, Snake, Wino, Eric Wagner, Kurt Brecht y Max Cavalera. Matt Sweeney y Kim Thayil (casi nada) tocan la guitarra y el bajo cada uno en una canción, pero el resto del disco es absolutamente Dave Grohl.
En sus propias palabras Dave pretendía hacer un “Supernatural” (por el disco de Santana) pero en metal. El disco es de lo mas interesante por varias razones, la primera es el impresionante reparto de voces, simplemente contar con las de Lee Dorrian, King Diamond, Lemmy, Max Cavalera, y Wino, por hablar de los que conozco, es un lujazo. Otra razón es poder reafirmarme en que Grohl es un fuera de serie, las partes de batería en todas las canciones son salvajes y muy lejanas de ser sencillas, ademas de adecuarse al estilo de cada uno de los vocalistas. La última razón que se me ocurre es lo gracioso que resulta observar la mezcla del estilo metal de estas canciones con la sapiencia pop que Grohl ha venido demostrando es los dos últimos albumes de los Foo Fighters, conviertiendo estas en un metal de lo más digerible. ¿Que no es un disco de metal? verdadero, pero es rock puro y duro con un toque “stoner” bastante marcado.
Del disco destacaría las canciónes de Max Cavalera, Lemmy, Wino y la de Snake “Dictatosaurus”, tremendamente parecida al estilo de los Smashing Pumpkins (Matt Sweeney, ex-Zwan toca la guitarra en esta). “My Tortured Soul”, con Eric Wagner tiene un sonido a lo Stone Temple Pilots que le deja a uno pensando donde ha oido antes ese riff de guitarra. Por supuesto King Diamond tambien brilla.
Pero el momento estelar llega con la pista escondida, “I am the Warlock”, en la que el vocalista es ¡¡¡¡ Jack Black !!!!, el actor y miembro de Tenacious D, para los que Grohl tocó guitarra y batería en su disco de debut.
Nunca me ha gustado el metal y lo más lejos que he llegado en este genero es al “Turbolover” de Judas Priest, pero Grohl consigue hacer entretenido el paseo que da por el género, sobre todo manteniendo la intensidad de principio a fin. Nada nuevo bajo el sol, pero el concepto es inteligente, esta bien producido y sirve de acercamiento al underground metalero de los 80 que no nos dejaban ver los teñidos pelos de las “hair bands”.

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Public Enemy – It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back

Publicado el Martes 29 noviembre 2016

Public Enemy
It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back
Def Jam 1988

En 1988 Rick Rubin, un pirado del metal y del punk rock, ya había producido dos clásicos del rap; Raising Hell de Run-D.M.C. y sobre todo Licensed to Ill de Los Beastie Boys con el que habia logrado vender 5 millones de copias. Esta vez dio un giro más de tuerca y dejando aun más continuidad a las guitarras electricas, presentes en esos discos, no solo insertando riffs sueltos aqui y alla, sino dejándolas sonar de principio a fin.
En este album, Public Enemy, Rubin y The Bomb Squad, se empeñaron en arruinar los sueños de los blanquitos WASP de los años Reagan haciendoles ver que sus peores pesadillas podian hacerse realidad en cualquier momento. El explosivo estaba en los ghettos y la mecha era este disco.
Siguiendo la filosofía punk de toma lo que tengas a mano y arrasa el resto, Public Enemy no deja títere con cabeza y afronta los problemas a los que el hombre negro se enfrenta a diario, enseñando a su raza el orgullo que han de mostrar en todo momento. Public Enemy da al negro americano lo mismo que Farrakhan y Malcom les dieron veinte años atras pero de una forma más convincente, atrayente y cercana, aqui no hay sitio para Martin Luther.
El disco nunca baja en intensidad. “Bring the Noise” es la primera roca a tragar que prepara para el himno “Don’t Believe the Hype”. Flavor Flav arrasa en “Cold Lampin’ With Flavor” y Terminator X hace lo propio en “Terminator X to the Edge of Panic”, dando un pequeño respiro antes de pasar al corazón del disco.
Es ya en la pista 12, ” Black Steel in the Hour of Chaos” donde Chuck D. deja caer la bomba, rimando en contra de la situación de esclavitud a la que se enfrenta el negro pobre, forzado a dar su vida por una patria que le oprime y le niega su libertad y su apoyo. La rima lenta, casi como un cuento, va desgranando la apatía que siente el narrador ante su situación. “Rebel Without a Pause” es la mejor canción del disco, y seguramente de la historia del rap, puro old school. Chuck D. se deja la lengua en las rimas y Terminator X causa la misma impresión que Van Halen tocando “Eruption”.
Por último Public Enemy retoman el reciente exito de los Beastie Boys “Fight for Your Rigth” y lo convierten en “Party for Your Right to Fight” con Chuck predicando y Flav contrapunteando. Musicalmente hablando el disco es mucho más cuadrado que los previamente producidos por Rubin, que incluso canibaliza a bandas anteriormente producidas por el -Slayer en “She Watch Channel Zero”- ó simplemente retoma standars rap – el omnipresente “Apache” de Michael Viner en “Security of the First World”-.
It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back inició el camino de lo que sería el rap combativo. Considerado como el mejor disco de rap de la historia, meritos no le faltan.

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