archivos Edu

Beastie Boys – Licensed To Ill

Publicado el lunes 26 febrero 2018

Beastie Boys
Licensed to Ill
Def Jam, 1986

Principios de los ochenta, tres jóvenes que parecen sacados de “La Venganza de los Nerds”, blancos, judios, de clase acomodada, y de Manhatan forman parte de un grupo punk underground que ya ha afilado los colmillos en los principales locales de la movida de Nueva York. Un día comienzan a hacer burla del floreciente movimiento rap que llevaba más de una década gestándose en la costa este americana y descubren que ellos lo hacen tan bien o mejor que muchos de los componentes de este movimiento y que la respuesta del público supera a la que obtienen tocando temas punk.
Como en realidad tanto el punk como el movimiento hip-hop nacen de la falta de medios y la necesidad de buscarse la vida el paso dado por los BB no fue nada traumático. La única falta que tenían era la de su discoteca, en vez discos de James Brown, Cool and the Gang o Earth, Wind And Fire ellos tenían albums de Led Zeppelin, The Clash, Black Sabbath y AC/DC, de forma que las bases de sus rimas y el esquema de sus canciones eran diferentes de las que usaba cualquier otro grupo.
Rick Rubin les firmó para su discográfica, Def Jam, y compuso y produjo con ellos uno de los albums más influyentes de los 80’s, “Licensed to Ill”. No esta claro si esta joyita puede considerarse un simple disco de hip-hop o de rock, pero ciertamente fue la primera piedra de lo que acabo degenerando en la mezcla rap/rock tan en boga hoy en día.
“Rhymin & Stealin” abre el disco como solo abren los grandes, marcando diferencias. Si la moda y el estilo de rap de aquellos años exigían velocidad y rimas aceleradas lo que se encuentra el oyente es un tema exageradamente ralentizado con una base rítmica muy simple, sobre la que los BB riman de la más difícil de las maneras, despacio. El disco sigue con temas mucho más cercanos a los estándares rap del old school, demostrando la versatilidad de los tres componentes a la par que su descaro. Pero son las cuatro canciones del ecuador del disco las que convierten a esta obra en un clásico. “Girls” “Fight for Your Right”, “No Sleep ‘till Brookyn” y “Paul Revere” fueron verdaderos bombazos en la confundida cultura de su década. Los dos primeros, con su pegadizo estribillo, se convirtieron en himnos populares de la juventud y de la rebeldía ante la sosería impuesta por la era Reagan. Si ya Hollywood marcaba la pauta con películas como “Footloose”, “Flash Dance” y “Girls Just Want to Have Fun”, el vídeo musical de “Fight for Your Right” se coló en los hogares de todo el mundo inundando las pantallas de calcetines blancos y de chicas frescales.
“No Sleep ‘till Brookyn”, con sus afiladas guitarras puede considerarse como el germen del rap-metal y “Paul Revere” devuelve a los BB a su versión más gamberra y rapera.
No es justo dar todo el crédito a los BB, Rick Rubin se debería al menos la mitad, pero la cara, las rimas y el gamberreo lo ponían el grupo. MTV hizo el resto.

Facebook Twitter
Publicado por Edu / Archivado en:Discos
Hacer un comentario



Led Zeppelin – Coda

Publicado el jueves 22 febrero 2018

Led Zeppelin
Coda
Swan Song 1982

El 25 de septiembre de 1980 es una de las fechas marcadas en rojo en la historia del rock, John Bonham moría y con él desaparecía uno de los grupos más importantes de la historia del rock.
Aun así, en 1982, Jimmy Page sorprendía publicando una recopilación de 8 temas ineditos, grabados desde enero de 1970 hasta finales de noviembre de 1978 bajo el sugestivo, musical y relevante nombre de Coda. Dependiendo de a quien se pregunte este disco es considerado bien la obra menor de Led Zeppelin, bien una simple recopilación. Lo que ciertamente puede considerarse a ciencia cierta es la recuperación del carácter blues-rock de la banda, muy alejado de los planteamientos místicos, celtas y de experimentación que marcaron su discografía desde el mítico cuarto álbum. Coda esta más cercano al Led Zeppelin II de 1969 que al “In Through the out Door” de 10 anos después.
Esta compuesto por temas que no encajaban en sus anteriores trabajos y a los que se podía dar salida aprovechando el tirón de la banda. A pesar de la diferencia de tiempo entre las grabaciones el álbum mantiene una increíble coherencia, haciéndose difícil ubicar temporalmente estas grabaciones. El sonido Zeppelin, misticismos aparte se mantiene de principio a fin, incluso en las dos canciones no compuestas por ellos.
“We’re Gonna Groove” abre el disco, y lo primero que queda patente es la presencia que va a tener Bonham tanto en esta pista como en el resto del disco. Los redobles imposibles y los trucos de caja enmarcan el fantástico trabajo guitarristico de Page demostrando el porque del título de la canción.
“Poor Tom” abre de la misma forma, simplemente Bonzo y Plant hasta que Page se les une tras el doceavo compás de una forma minimalista. La canción solo se complica con la entrada de la armónica de Plant, dándole un precioso toque blues.
La tercera pista “I can’t Quit You Baby” es otra confirmación de los orígenes blues de la banda y sorprende comprobar que fue grabada en una prueba de sonido antes de un concierto en el Royal Albert Hall de Londres, dando idea de la calidad musical en directo del grupo.
“Walker’s Walk” es posiblemente la pista mas roquera del disco, notándose especialmente en el poco detallista pero efectista solo de guitarra de Page. La apisonadora sigue con la repetitiva “Ozone Baby” donde las guitarras, al igual que en la pista anterior sientan las bases en las que se educaran las nuevas generaciones del hard rock moderno especialmente del genero “stoner rock”.
“Darlene” es más inclasificable que las anteriores pistas, es blues, es rock y se convierte en swing por la deliciosa e inesperada pista de piano de John Paul Jones en la única oportunidad que le da Page de lucirse.
La siguiente canción es toda una demostración de John Bonham sobre como se toca la batería. “Bonzo’s Montreux” son cuatro minutos cargados de fuerza y dinámica. Bonzo no solo golpeaba con fuerza los parches sino que sabía usar las dinámicas y los desplazamientos rítmicos a la perfección. Solo por esta canción este disco se hace imprescindible para todo batería.
El disco termina con “Wearing and Tearing” gran titulo para finalizar, más que un disco, toda una época. Coda fue de las últimas bocanadas que pudo dar el rock setentero. Despues de 1982, y hasta el fin de la década, el relevo del rock lo tomarían las bandas de Hair-metal y las nuevas formaciones de grupos establecidos que acabarian vendiendo su alma al EMO por el vil metal. Jimmy Page es una de esas personas que dan gracias a por haber podido sacar el máximo provecho económico de su carrera antes del advenimiento de Internet y Napster, y la tacañeria que demuestra al poner solo ocho temas ineditos en un album de este tipo es la razón por la que la gente se baja canciones de Internet.

Facebook Twitter
Publicado por Edu / Archivado en:Discos
Hacer un comentario



Anonimos

Publicado el lunes 22 enero 2018

Anonimos
Masked And Anonymous (2003)

Director: Larry Charles
Interpretes: Bob Dylan, Jeff Bridges, Jessica Lange, John Goodman

Nunca me ha gustado Dylan, siempre le he visto pomposo dentro de su aparente recato. Pero una película llena de buenos actores y en la que Dylan tiene que hacer algo más que cantar resulta interesante.
“Anónimos” parece estar ambientada en un desmembrado Estados Unidos de América, presuntamente separado de nuevo entre norte y sur y con más aspecto de pais centroamericano que de la potencia mundial que estamos acostumbrados a ver en televisión. Esta ambientación es un acierto, ya que se acerca mucho a la América verdadera que solo vemos en los documentales de la 2, caminos de tierra, gente sin zapatos ni techo y polvo, mucho polvo flotando en el aire.
Dylan encarna a Jack Fate, un músico que acaba de salir de la carcel para cantar en un concierto benéfico que busca restaurar la unidad política y social del pais. A Fate le importa bastante poco lo que pasa a su alrededor, es más, parece tener el mismo interes que el verdadero Bob Dylan pone en la película. Lo que no se puede negar es que Dylan cambia totalmente cada vez que interpreta un tema, la banda que le acompaña, “Simple Twist of Fate”, resulta impresionante al menos en lo que respecta al batería, por lo que interpolando los otros miembros han de ser igual de buenos. Los temas estan grabados en directo y son demoledores.
La película falla estrepitosamente en la intención de hacer que cada linea del diálogo deba ser un monólogo merecedor de un Oscar. Los actores son maravillosos, pero tratar de que todos sean protagonistas, tengan profundidad y una historia completa detras no deja de ser ridículo. Mencion especial a Val Kilmer por el monólogo que suelta por más que tampoco se salve de la sobreactuación.
Si eres fan de Dylan la película te va a encantar. Solo por las canciones que interpretan en directo vale la pena verla. La versión de Dixie hace saltar las lágrimas y trata de recuperar esta maravillosa canción tan denostada por su relacción con el esclavismo de 1860 y con el racismo de hoy en día. En este caso es el sur la tierra de la libertad que lucha contra la opresión de norte.
“Anónimos” se deja ver y tiene puntos interesantes. Si te gusta Dylan o el cine independiente la disfrutaras, si no te gusta nada de eso puedes entretenerte un ratito, por muy sobreactuados que esten los personajes resultan interesantes.

Facebook Twitter
Publicado por Edu / Archivado en:Cine
Hacer un comentario



John Coltrane – A Love Supreme

Publicado el viernes 29 diciembre 2017

John Coltrane
A Love Supreme
Impulse! 1965

En los años cincuenta John Coltrane era un músico en sus veintimuchos con un gran talento y un problema aun más grande, su afición a la heroina. Su adicción le llevaba de una banda a otra, de despido en despido y la edad no ayudaba. Casi en los treinta nunca había destacado y dificilmente llegaría a hacerlo de seguir en el pico. La heroina era el azote del mundo del jazz, la verdadera música del diablo, y los músicos de este género eran muy comunmente victimas de esta adicción. Uno de ellos, el gran Miles Davids, había conseguido rehabilitarse y dio una oportunidad a Coltrane para hacer lo propio. Fue en la banda de Miles donde Coltrane comenzo a brillar y a ser llamado para más y más sesiones de grabación como freelance, haciendose cada vez más importante en el mundo del jazz. Fruto de la relacción con Davids y de hacerse imprescindible como músico de sesión llamo la atención de Impulse! para que grabara ya bajo su nombre.
De toda su discografía su disco más conocido es sin duda “A Love Supreme”, catalogado por muchos como el mejor disco de toda la historia, dificilmente podría lograr este puesto, pero seguro que es el más inspirado. Sin palabras, A Love Supreme es un mini-opus jazzistico dedicado por John Coltrane a Dios en agradecimiento por la iluminación espiritual que salvó su vida. En realidad apenas logró vivir dos años más, hasta 1967, cuando murio a los 41 años de edad seguramente por el castigo al que la droga sometio a su cuerpo. Si alguna vez una obra hace a su autor inmortal este es uno de esos casos.
“A Love Supreme” son solo 33 minutos de placer divididos en 4 partes; “Acknowledgement”, “Resolution”, “Pursuance” y “Psalm” (los dos últimos en el mismo corte). Los títulos hacen referencia a los pasos dados por Coltrane en su acercamiento a Dios y su salida de la droga. Temas muy intensos pero nada recargados cuya escucha exige una dedicación exclusiva. Emociones que se agarran al pecho y te elevan del suelo. Coltrane contó para la grabación con el que era su cuarteto, Elvin Jones a la batería, McCoy Tyner al piano y Jimmy Garrison en el contrabajo. Con este personal sentando las bases Coltrane era libre para improvisar a su gusto. Los momentos más intensos del disco son la parte final de “Acknowledgement”, la única parte vocal, en la que la banda acepta finalmente el hecho de que hay algo más grande que ellos al pronunciar repetidamente la frase que da nombre al disco, “A Love Supreme”. La tensión a la que ha logrado llevarle a uno la canción es grande y ese final termina por relajar al oyente. El comienzo de “Pursuance” es precioso, haciendo Elvin Jones un solo impresionante al que poco a poco se suma la banda.
El disco, escuchado apropiadamente, es simplemente precioso e inspirador. Una de las grandes obras del jazz.

Facebook Twitter
Publicado por Edu / Archivado en:Discos
3 Comentarios



This Is Spinal Tap

Publicado el miércoles 27 diciembre 2017

This Is Spinal Tap (1984)

Director: Rob Reiner
Interpretes: Rob Reiner, Michael McKean, Christopher Guest

Si has estado en alguna banda no puedes dejar de ver esta película, la verdadera biblia del músico y del pipa. “Spinal Tap” es un rockumental acerca de las vicisitudes de una banda inglesa, Spinal Tap, durante su postrera gira por los U.S. de A. Nada mas empezar te llevas la grata sorpresa de que es un film americano protagonizado por los actores de “Saturday Night Live” de la era dorada, el famoso show de la NBC de donde han salido cómicos como Chevy Chase, Dan Ackroyd, Billy Crystal y demas. Los protagonistas de la película, Michael McKean, Christopher Guest y Harry Shearer no son tan famosos pero son mas que conocidos, raro es el dia en que no aparezcan en cualquier serie o película siestera de algun canal, y lo cuadran.
La cinta se enfoca en forma de falso documental, pero los actores son tan buenos que le hacen dudar a uno más de una vez sobre si Spinal Tap no existe de verdad. En realidad la banda, despues del exito de la película, se mantuvo e hizo alguna gala que otra gracias a las cualidades musicales de los protagonistas, verdaderos interpretes de las seis cuerdas y autores de las canciones. Los temas musicales se adaptan perfectamente a la temática de la película, las ejecuciones son perfectas y solo en las letras se ve que son composiciones cómicas que se burlan de canciones de grupos “hair metal” del momento. Entre los baterias del mundo la posición más peligrosa es sin duda estar detras del kit de esta banda, ninguno dura mas que unos pocos conciertos. Sirva como ejemplo hace que unos años pusieron un anuncio en una revista buscando batería, el texto era escueto y decía: “Batería muerto, se busca uno nuevo”.
Durante esta gira la banda se enfrenta a todo lo que puede ir mal, la gente no les conoce, se pierden de camino al escenario, situaciones a lo Yoko Ono, ser teloneros de los Teleñecos, baterias que perecen por combustión expontanea, etc. Ademas se burla de todos los artificios e invenciones de las bandas de rock como el maquillaje, guitarras estrambóticas (un bajo de dos mastiles, por dios), escenarios ridiculos, el spandex.
Al final es como juntar lo peor de KISS, Jefferson Airplane, Black Sabbath y otras bandas míticas. No he parado de reirme, y lo hubiera hecho más de no ser por la falta de subtítulos, y porque los protagonistas imitan a la perfección el acento ingles y las expresiones de ese pais. Por si fuera poco las canciones se dejan oir y los actores ponen los dedos en los trastes correctos.
Para el que quiera saber más de este grupo, Spinal Tap.

Facebook Twitter
Publicado por Edu / Archivado en:Cine
1 Comentario



2003-2014 Computer Age. Blog powered by Wordpress